GALLERIACONTINUA / Le Moulin Dimanche 21 octobre 2007 de 12h à 16h

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1 PRÉSENTATION DU NOUVEL ESPACE DÉDIÉ AUX PROJETS D ART CONTEMPORAIN DE LA GALLERIA CONTINUA EN FRANCE GALLERIACONTINUA / Le Moulin Dimanche 21 octobre 2007 de 12h à 16h AI WEIWEI DANIEL BUREN LORIS CECCHINI CHEN ZHEN BERLINDE DE BRUYCKERE CARLOS GARAICOA KENDELL GEERS SUBODH GUPTA MONA HATOUM ILYA KABAKOV ANISH KAPOOR JORGE MACCHI SABRINA MEZZAQUI HANS OP DE BEECK LUCY + JORGE ORTA LUCA PANCRAZZI BRUNO PEINADO MICHELANGELO PISTOLETTO SERSE NEDKO SOLAKOV PASCALE MARTHINE TAYOU YAN LEI ZHENG GUOGU ZHUANG HUI 1

2 GALLERIA CONTINUA en bref... 3 LE MOULIN DE BOISSY-LE-CHÂTEL 5 LES ARTISTES EXPOSÉS 7 INFORMATIONS PRATIQUES 20 AU MÊME MOMENT

3 GALLERIACONTINUA en bref... UNE GALERIE D ART CONTEMPORAIN AU CŒUR DE LA TOSCANE La Galleria Continua est née à l initiative de trois amis: Mario Cristiani, Lorenzo Fiaschi, Maurizio Rigillo, en 1990 à San Gimignano, en Italie. Installée dans une ancienne salle de cinéma, la Galleria Continua est implantée là où personne ne l attendait, loin des grandes villes, en-dehors de toute urbanité ultra-moderne, dans un lieu, San Gimignano, chargé d histoire et intemporellement magnifi que. De nouvelles possibilités de dialogues et de croisements peuvent ainsi naître entre des géographies inattendues, rurales, industrielles, locales et globales, art d hier et d aujourd hui, artistes de renom et émergents. Grâce à l investissement de lieux oubliés, chargés d âme et d histoire, l identité de la Galleria Continua s est forgée autour de l idée d une création contemporaine exigeante pouvant advenir où personne ne l attend, en-dehors des limites spatiales et temporelles des pôles classiques de l art contemporain. Fidèle à une dynamique en perpétuelle évolution et attentive à la rencontre entre l art et différents publics. Ainsi, depuis près de vingt ans, la Galleria Continua s est forgée, au fi l de rencontres et d expériences, une identité forte autour de valeurs généreuses et altruistes qui ont servi de base à ses collaborations artistiques, à son rapport au public et à son développement. Continua est ce désir de continuité entre les époques, ce vœu d écrire une histoire présente sensible de la création actuelle qui nourrisse le lien entre hier et demain, les individus et les géographies diverses et inaccoutumées. Mario Cristiani, Lorenzo Fiaschi et Maurizio Rigillo sont également à l initiative du festival Arte all Arte ( ) qui permit pendant dix ans à de nombreux artistes contemporains (comme Marina Abramovic, Cai Guo-Qiang, Olafur Eliasson, Loris Cecchini, Anish Kapoor, Daniel Buren, Jannis Kounellis, Tobias Rehberger, etc.) de réaliser des œuvres pour la plupart in situ au cœur de la Toscane. De ces expériences, une trentaine d œuvres sont aujourd hui visibles de façon permanente dans l espace public. Installation de Chen Zhen dans l espace de la Galerie à San Gimignano (2000) Mario, Maurizio et Lorenzo à San Gimignano 3

4 GALLERIACONTINUA en bref... UNE GALERIE PIONNIÈRE EN CHINE Fidèle à une dynamique en perpétuelle évolution et attentive à la rencontre entre l art et différents publics, la Galleria Continua a ouvert il y a quatre ans un espace pionnier à Beijing, en Chine dans le but est de promouvoir l art contemporain international là où celui-ci était encore peu visible et d établir des échanges inusités. En effet, la Galleria Continua - Beijing fait notamment un travail de médiation culturelle particulièrement fort en donnant la possibilité au public chinois de voir des expositions dans lesquelles des artistes internationaux réfl échissent sur des projet réalisés spécialement pour cet espace. Le challenge est double: à la fois pour l artiste étranger qui expose en Chine, dans un site singulier et à la fois pour le visiteur, qui pénètre dans des univers culturels extrêmement différents. L attrait pour la Chine est d abord né de deux amitiés très solides avec Chen Zhen et Xu Min. D autres rencontres attiseront l intérêt pour ce pays, initiant dialogue et correspondances. Dès avril 2004, par exemple, la Galleria Continua participe à la première foire d art contemporain de Beijing. Puis, en Novembre 2004, dans la 798 Art District (Ex-798 Factory) - un lieu accueillant toute une communauté d artistes, de galeristes, d amateurs d art, dans un espace industriel - la Galleria Continua de Beijing accueille ses premiers invités pour présenter les projets. Le lieu de 1000 m 2 et de 13 mètres de haut n est pas encore restauré, toujours en style Bauhaus des années En mai 2005, la Galleria Continua ouvre sa première exposition avec 16 artistes provenant des cinq continents. Il s agit alors de l une des rares initiatives d une galerie occidentale en Chine. Depuis, Chen Zhen, Daniel Buren, Loris Cecchini, Lucy + Jorge Orta, Pascale Marthine Tayou, Anish Kapoor et d autres projets comme des expositions monographiques ou de groupe ont suivis, faisant de cet espace l une des rares galeries occidentales s attachant à présenter des artistes des quatre coins du Monde. Découvrir de nouveaux artistes, établir des passerelles entre les zones de création et les différentes cultures est aujourd hui le leitmotiv de la Galleria Continua, à Beijing, comme à San Gimignano. Enfants chinois qui dansent dans une école de Beijing Installation de Daniel Buren dans l espace de la Galerie à Beijing (2006) Préparatifs pour la présentation de l espace à Beijing, avant la rénovation, le 13 novembre

5 LE MOULIN DE BOISSY-LE-CHÂTEL UN NOUVEAU RENDEZ-VOUS Aujourd hui, la Galleria Continua se lance dans une nouvelle aventure et ouvre à Boissy-le-Châtel un lieu singulier pour la création contemporaine en région parisienne. Le Moulin accueille à présent plusieurs fois par an les projets et l exposition d œuvres grands formats. Le site est ouvert à toutes et tous lors de rendez-vous exceptionnels, dont la forme est évolutive. La première édition et inauguration, le dimanche 21 octobre permet d exposer, dans l écrin de cette ancienne manufacture de la campagne de Seine-et-Marne, quelques unes des plus belles œuvres des artistes de la Galleria Continua, qui n ont, pour la plupart, jamais été montrées en France. Certaines pièces ont également été créées et produites spécialement pour Le Moulin. UN LIEU ATYPIQUE La Galleria Continua a choisi d investir en France ce lieu de caractère et de conserver le nom habituellement usité pour qualifi er «Le Moulin de Boissy», endroit bien connu alentour. Cet ancien ensemble de bâtiments industriels repose sur des fondations datant du 14 e siècle. Le lieu était alors un moulin à blé dépendant de la seigneurie de Boissy-le-Châtel. A partir de 1833, le Moulin devient une papeterie où étaient préparés les chiffons bruts, dont on ôtait les boutons, que l on passait au diable et au bluttoir pour faire la pâte à papier. C est ainsi qu à la fi n des années 1970, on trouvait dans le chemin de la Bretonnière des amas de boutons, comme autant de témoignages archéologiques de l activité de la papeterie, qui avaient été jetés là! Les tissus étaient ensuite coupés, nettoyés et réduits en pâte. Le tout était conduit vers l étape suivante de la préparation du papier, sur barque par voie fl uviale au Moulin de Sainte-Marie (que l on aperçoit depuis le Parc de sculptures). En outre, si le site du Moulin de Boissy fut aussi bien ce lieu de travail et de labeur qui faisait vivre la vallée entière, il était aussi ce lieu de développement social et d ouverture vers la culture. Pour exemple, au début du XXe siècle, le directeur de la papeterie prenait des mesures exceptionnelles afi n de permettre aux ouvriers de visiter l Exposition Universelle de 1900: trois ou quatre jours de congés et une somme d argent leur étaient attribués. De 1955 à 1969, Le Moulin devient une fabriques d objets en plastique et de 1972 à 2001, une menuiserie. Le lieu était à l abandon depuis de nombreuses années. Aujourd hui réhabilité, le site est prêt à embrasser sa nouvelle vie artistique, s inscrivant dans un contexte culturel fort en Seine-et-Marne, qui va de la création contemporaine la plus émergente montrée à la Ferme du Buisson, à l histoire de la peinture (Barbizon), au patrimoine français (Châteaux de Fontainebleau et de Vaux-le-Vicomte) et architectural (Chocolaterie Menier à Noisiel). Vue aérienne du Moulin de Boissy-le-Châtel Le Moulin 5

6 LE MOULIN DE BOISSY-LE-CHÂTEL LE GRAND MORIN Le Moulin est situé au bord du Grand Morin, rivière qui prend sa source dans la Marne et traverse des terres verdoyantes et de grands espaces agricoles. Ce cours d eau a été de tous temps utile à l Homme: pour assurer sa défense, pour développer les industries, pour acheminer des marchandises et ravitailler Paris, pour les pêcheries, les vannages. Les villes qui bordent le cours du Grand Morin possèdent toutes moulins, tanneries, etc. La région est donc aussi bien réputée pour ses papeteries internationales que pour ses grasses prairies qui nourrissent vaches et bétails. D ailleurs, le patrimoine local compte, entre autres célébrités, le fromage de Coulommiers et toutes sortes de Bries! BIENTÔT UN PARC NATUREL RÉGIONAL (PNR) Le Moulin de Boissy est situé dans une région champêtre et verdoyante. Afi n de préserver ces précieux trésors qui font de l Île-de-France une région rurale, un nouveau projet de Parc Naturel Régional (PNR) est à l étude, participant d une politique de développement durable. Le périmètre du futur PNR de la Brie et des deux Morin délimite un territoire à forte identité autour des deux rivières: le Grand et le Petit Morin. Mordant sur les Régions Champagne-Ardenne et Picardie, ses contours suivent la partie francilienne du futur périmètre du schéma d aménagement de gestion des eaux des deux Morin s étendant jusqu à la Marne. Le réseau de zones humides, avec ses mares et ses tourbières, constitue un environnement d intérêt écologique et scientifi que notable. En effet, le fragile équilibre de ces zones dépend étroitement de la gestion locale des eaux en particulier lors des crues. De nombreux édifi ces et objets classés ou inscrits au titre des monuments historiques ainsi que le patrimoine typique (écluses, ponts, tanneries, lavoirs, etc.) et Le Moulin de Boissy ajoutent au parc un intérêt architectural exceptionnel. Cette zone protégée aura pour vocation de valoriser le patrimoine (culturel, naturel, bâti), de favoriser un développement économique et touristique soucieux de l environnement. Avec le parc de la Brie et des deux Morin, la Région comptera un 5 e PNR. DES COLLABORATIONS «SUR LE TERRAIN» Afi n d ouvrir la création contemporaine à de nouvelles rencontres et de croiser art, environnement, jeunesse et lien social, les artistes Lucy + Jorge Orta ont établi un protocole de collaboration à visée pédagogique avec le Lycée Professionnel Agricole «La Bretonnière». Les deux artistes de la Galleria Continua, particulièrement engagés dans les échanges de proximité nouent ainsi des liens entre passé et présent. Une groupe d étudiants apprentis, suivi par un enseignant-paysagiste travaillent avec Lucy + Jorge Orta pour concevoir le Parc de sculptures du Moulin, situé sur la rive du Grand Morin. Sensibilisés à la création d aujourd hui, les lycéens travaillent en étroite relation avec les artistes sur l aménagement d un territoire, du projet au concret, sur la gestion d un espace et la mise en place des futures œuvres d art dans l environnement naturel. Cette démarche a pour but d établir de nouveaux ponts entre l art contemporain et le public le plus large possible, d impliquer les jeunes dans la réhabilitation du Moulin de Boissy, haut-lieu de patrimoine local, de les responsabiliser tout en les professionnalisant. Créer des attaches humaines et sensibles entre les habitants de la région et l art le plus émergent et international, autour du site atypique du Moulin est assurément un leitmotiv de la Galleria Continua. De nombreuses personnes, notables, voisins et artisans experts (charpentier, serrurier, peintre, ferronier, etc.) se sont impliqués avec passion dans la réhabilitation du Moulin. Le Grand Morin Campagne aux alentours du Moulin 6

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8 AI WEIWEI Ai Weiwei est né en1957 à Beijing. Il vit et travaille in Xinjiang, Chine. Après une période vécue à New York, Ai Waiwei revient travailler comme artiste et comme architecte dans sa ville d origine. Il est membre des artistes fondateurs d un des premiers mouvements d avantgarde artistique chinois appelé «Étoiles» («xing xing») né à la fin des années 1970 à Pékin. L art, pour Ai Weiwei, est un «jeu d intelligence» qui le porte à expérimenter formes expressives démesurées et à remuer passé et présent librement, avec des références historiques, culturelles et actuelles. AiWeiwei joue sur le sens des choses communes en détruisant le sens même. De cette manière, l artiste décompose les objets puis les recompose en donnant vie aux nouvelles formes et en privant, de fait, l objet du sens qui lui était originellement attribué. Cubic Metre Tables, 2006 Bois Huang Huali BERLINDE DE BRUYCKERE Berlinde de Bruyckere est né en 1964 à Gent, en Belgique où elle vit et travaille. De Bruyckere travaille la sculpture en utilisant la cire, le bois, la laine, la peau de cheval et le crin de cheval. Elle façonne des fi gures intenses qui suggèrent des formes humaines et animales déformées. Ces fi gures sont souvent impersonnelles et fragmentaires. La souffrance, l univers rempli de douleur des travaux de De Bruyckere a d abord attiré l attention du monde de l art international au début des années Dans cette première phase de sa carrière, l artiste a construit des refuges, des structures précaires, transitoires faites de chiffons tissés, avec des lits métalliques empilés et des couvertures disparates; une réfl exion sur la recherche humaine désespérée du refuge et de la protection. La production de De Bruyckere est caractérisée par l exploration des opposés: la vie gagnant sur la mort, la capacité de l amour pour racheter la violence et les craintes, le corps violé qui simultanément se dévoile et se retire à la vue. Chargées de force matérielle et de sensualité, ses sculptures dressent le constat d un monde fait de victimes et d horreurs, mais aussi de dignité humaine, de rachat et d amour. De Bruyckere connaît une large reconnaissance depuis sa participation à la 50 e Biennale de Venise en Elle expose depuis dans de nombreux espaces publics et musées prestigieux. Onschuld kan een hel zijn (L Innocence peut être un enfer), 1995 Métal, bois, couvertures 8

9 DANIEL BUREN Daniel Buren est né en 1938, à Boulogne-Billancourt. Il vit et travaille in situ. La perspective dessinée par la suite de fenêtres rectilignes de la façade du bâtiment industriel du Moulin est ici le prétexte à une nouvelle œuvre in situ de Daniel Buren. Déclinant cet élément architectural caractéristique du lieu, l artiste installe perpendiculairement à la ligne formée par les fenêtres une succession de châssis suspendus: autant de «tableaux colorés» faits de transparence et de géométrie, se répondant les uns aux autres. Transposition du rythme de la façade qu elle défragmente et démultiplie à l intérieur du bâtiment, l intervention vient créer, par l intrusion et la déclinaison des couleurs, de nouveaux espaces et de nouvelles compositions dans ce lieu baigné dans une lumière naturelle. Le jeu de la transparence, du refl et, de la translation de la couleur, opère par ce dispositif à la complexité légère. Photo souvenir: Soffi tto Arlecchino-griglia per cinque colori, 2003 Travail in situ, Galleria Continua San Gimignano, 2003 bois, miroir, Plexiglass LORIS CECCHINI Dans le travail de Loris Cecchini (né à Milan en 1969), la photographie, le dessin, la sculpture et l installation se mélangent pour former une poésie unifi ée, dont l élément central est la transfiguration. Les sujets qui apparaissent dans son travail passent des collages multiples, aux modèles architecturaux détaillés, aux objets dans des caravanes réinventées en caoutchouc, aux maisons d arbre, ou encore aux espaces structurellement déformés, voire aux couvertures prismatiques transparentes, etc. La variété et la morphologie des éléments sont constamment en corrélation dans un processus d alternance continu, de déconstruction et de reconstruction qui se fait dans l échange entre la réalité physique des matières et leur présence virtuelle. Tant dans ses photographies que dans ses sculptures, la révision d une notion élargie de «modèle» implique la modifi cation des formes familières de nos vies quotidiennes, transférées et changées en une nouvelle vision qui défi e les perceptions du spectateur. En utilisant des méthodes de traitement numériques subtiles, l artiste superpose les fragments de réalité sur des scénarios physiques/virtuels construits au moyen de modèles de studio. Créant des situations diverses, ce «mensonge» se situe quelque part entre le plausible et le paradoxal. Les objets grandeur nature, reproduits dans un caoutchouc d uréthane gris, sont caractéristiques de cette idée de modelage et de paradoxe: comme les fantômes et les ombres de leurs référents réels, les objets apparaissent impuissants, s effondrant sur eux-même mais acquerant du même coup le sens de la théâtralité et une ironie qui les rend plus distants vis-à-vis de l objet et donc plus humains. Monologue Patterns (out out spiffi ng circle fi ssures: shadow sequence), 2004 Acier, aluminium, découpes de PET au laser gris, roues 9

10 CHEN ZHEN Chen Zhen est né à Shanghai, en Chine en Dans sa ville natale, il a séjourné à la Fine Arts and Craft School et a étudié la scénographie au Drama Institute. Entre 1986 et 1989, il fréquente l Ecole Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Paris et l Institut des Hautes Etudes en Arts Plastiques où il devient professeur. En 1990, il expose ses premières séries d installations à Paris. Depuis lors, il s est entièrement consacré à la recherche artistique basée sur les trois grandes périodes importantes de son expérience et de sa conception artistique: les dix ans de Révolution Culturelle, les dix ans de Réforme de la Chine et les dix ans d expérience dans le monde occidental. Son travail évolue autour de la relation entre l homme, la nature et les objets; de l incompréhension et de l incommunicabilité entre les hommes et, fi nalement, de la méditation, de la thérapie comme solution. Son œuvre s intéresse également de près à l architecture, l urbanisation, l escalade globale. Il meurt à Paris en Fu Dao, Up-site-down Buddha/Arrival a good fortune (1997) est une installation construite en forme de temple bouddhiste recouvert de bambous. Sous cette voûte feuillue sont suspendus divers objets de récupération (réfrigérateur, planche à repasser, télévision, etc.) et 50 petits Bouddhas rouges, la tête en bas. Ici, Chen Zhen, fortement imprégné de l expérience de la méditation, questionne le devenir du religieux traditionnel face à une société où rien n est fait pour durer. Il se demande ce que devient la tradition orientale «faire fortune» lorsqu elle se mélange avec les conventions des gens, les croyances superstitieuses et les rituels religieux de la société occidentale devenue récemment matérialiste. Chen Zhen interroge aussi la relation entre Bouddha, la divinité, l argent, la politique et le pouvoir, ou encore avec la spiritualité dans l Asie contemporaine. Fu Dao/Fu Dao, Upside-down Buddha/Arrival at Good Fortune, 1997 Métal, bambou, statuette de Bouddha, objets variés CARLOS GARAICOA Né en 1967 à La Havane, où il vit et travaille. Le travail de Carlos Garaicoa est une sorte de représentation de l inconscient social de la ville contemporaine, de la chute des utopies et ses ruines présentes. Depuis le début des années 1990, il examine la réalité urbaine de la vieille Havane au temps de son obsolescence. Ses interventions photographiques et architecturales changent physiquement le tissu urbain et préservent aussi le souvenir de ce qui a été abandonné sous la révolution socialiste de Cuba. Emprunts d un passé colonial et du vieux style de vie bourgeois, beaucoup de bâtiments de La Havane sont devenus des foyers, suite à la crise politique et au changement social. Les ruines de La Havane sont pour Carlos Garaicoa les restes d une architecture utopique qui font référence, non sans une certaine ironie, à l architecture moderniste américaine: structures universelles, temples, gratte-ciel, blocs indépendants et constructions du type grand magasin. A l ère de la demande de modernité et de confort grandissante - processus qui nie toujours la mémoire dans le sens où de nouvelles marchandises doivent remplacer les précédentes - les projets de Garaicoa prennent le tournant de l archéologie urbaine, contrevenant aux accords promus par un discours politique hégémonique qui néglige et réprime le passé collectif. Ses travaux transdisciplinaires forment autant d approches post-conceptuelles de thèmes divers comme l architecture, l urbanisme, la politique, la censure et l utilisation de la langue et de la littérature dans le domaine des arts visuels. Portrait (Europe), 2006 Pièces, photographie noir & blanc, bois, PVC 10

11 KENDELL GEERS Né en mai 1968 à Johannesburg, Afrique de Sud. Vit à Londres et à Bruxelles. Depuis la fi n des années 1980, Kendell Geers a travaillé, souvent de façon controversée, sur le rapport entre l art conceptuel et le domaine politique. Dans des interventions et des performances brèves - qui traditionnellement et habituellement durent plutôt longtemps - des actions publiques et de grandes installations, Kendell Geers a créé un large spectre d actions symboliques et concrètes qui peuvent être comprises non seulement comme des gestes de résistance politique directe, mais aussi comme des tentatives de s approprier les traditions conceptuelles de l art moderne. Ses travaux précédents illustrent l impasse fondamentale et confl ictuelle de la propre généalogie culturelle de Kendell Geers, descendant des dirigeants coloniaux, qui malgré son activisme anti-apartheid, re-inscrit le rôle de l oppresseur dans sa biographie. Dans d autres travaux, Kendell Geers convie l observateur à une participation plus directe en développant des situations potentiellement dangereuses et tendues. The Expulsion, 2005 Néon lumière de Wood SUBODH GUPTA Subodh Gupta est né en 1964 à Khagaul en Inde, il vit et travaille à Delhi. Figure emblématique d un art contemporain indien en pleine vitalité, Subodh Gupta, au travers de ses peintures, sculptures, installations et vidéos, questionne en permanence les rapports entre archaïsme et fantasmes de modernité à laquelle sa société aspire. Accumulation d éléments de vaissellerie largement utilisée dans les ménages indien, débordant allègrement d un sceau en inox au format démesuré, la sculpture rutilante de Subodh Gupta s affi rme comme une allégorie paradoxale de la culture et la société indienne, évoluant désormais au rythme effréné d une consommation grandissante. Image vaine d un récipient contenant lui-même des objets servant à contenir, l œuvre apparaît comme le refl et éminemment signifi catif des troubles identitaires d une société en pleine mutation, où se mêlent ancrage traditionnel et désirs modernistes sans cesse renouvelés. Sans titre, 2007 Acier inoxydable 11

12 MONA HATOUM Mona Hatoum est née au sein d une famille palestinienne à Beyrouth en 1952 et depuis 1975, vit et travaille à Londres. A l origine, elle était allée en Angleterre pour une visite et est restée quand la guerre civile au Liban a éclaté, empêchant son retour. Après des études au Byam Shaw et à la Slade School of Art, Hatoum est devenue rapidement connue au milieu des années 1980 grâce à une série de performance et de travaux vidéo concentrés sur le corps. Depuis le début des années 1990, son travail s est déplacé de plus en plus vers l installation à grande échelle, aspirant à engager le spectateur dans des émotions contradictoires de désir et de dégoût, de crainte et de fascination. Hatoum a développé ainsi un langage dans lequel des objets quotidiens familiers, domestiques comme des chaises, des lits, des ustensiles de cuisine sont transformés en objets étrangers, menaçants et dangereux; même le corps humain est rendu peu familier. Cube est une sculpture construite en fer forgé et utilisant une technique entrelacée employée depuis l époque médiévale dans les grilles de fenêtre. Il s agit d une cage sans entrée ou sortie, un travail qui tord le cou aux matériaux industriels et aux formes réduites du minimalisme en faisant implicitement référence au corps de l artiste, qui a déterminé la taille de son espace intérieur à la Tate Modern de Londres en Cube, 2006 Fer ILYA KABAKOV Né en 1933 en Ukraine, sous le régime stalinien de l Union soviétique, Ilya Kabakov est considéré comme un des pères de l art conceptuel soviétique. De 1950 à la fi n des années 1980, il travaille à Moscou. En 1965, il devient membre de l Union des artistes soviétiques, décidant d être artiste offi ciel, tout en œuvrant à son travail personnel en parallèle. D abord illustrateur de livres pour enfants, Ilya Kabakov a commencé à faire ses premiers travaux personnels offi cieux, qu il a appelés Dessins pour moi-même, dès Suivra sa série des Albums fi ctifs, dans les années Il part alors souvent de récits ou de biographies imaginaires pour narrer l histoire de l Union soviétique, qu il considère comme la première des sociétés modernes à s effondrer. Kabakov examine de fait l URSS et son potentiel d échec comme un exemple de projet utopique au même titre que le capitalisme. Puis, les années 1980 laissent place à un fort intérêt pour l installation. The Rest before the road est un simili-enclos à cheval. Les trois sphères, sculptures blanches, géométriques minimales et/ou conceptuelles, sont attachées telles des chevaux à la barrière, se reposant tranquillement avant de reprendre la route. On peut supposer qu il s agit aussi bien d une métaphore comique de l art conceptuel, que de l œuvre d art en général, qui vit sa propre vie et navigue aux quatre coins de la planète des lieux d exposition. The Rest Before The Road, 2001 Bois, PVC, corde 12

13 ANISH KAPOOR Anish Kapoor est né à Bombay (Inde) en Vit et travaille à Londres. Anish Kapoor est sans aucun doute un des artistes-phares du panorama de l art contemporain international. Le nombre de ses expositions, dans tous les plus grands musées du monde, est impressionnant. La reconnaissance qu a son travail est considérable. Il est au centre de l attention de la critique d art internationale et des plus grands collectionneurs et continue de réaliser des œuvres destinées à l histoire de l art comme son installation monumentale à la Tate Modern: Marsyas. En 1990, Kapoor gagne le «Prix 2000» à la XLIV Biennale de Venise, puis, en 1991, le Turner Prize. Depuis 2001, il est membre honoraire du Royal Institute of British Architecture. Ses œuvres sont exposées, entre autres, à la Tate Gallery, au MoMA, Museum of Moderm Art de New York, au Reina Sofi a de Madrid et au Stedelijk Museum of Modern Art d Amsterdam. Le parcours artistique de Kapoor se compose de deux phases complémentaires. La première est celle des œuvres, des années 1980: objets sculpturaux avec des formes entre abstrait et naturel recouvertes de pigment pur dont la couleur intense cache l origine de l ouvrage et suggère l idée d empiètement. Dans les années 1990, il approfondit les oeuvres qui peuvent être reconnues comme étant les plus caractéristique: sculptures de dimensions monumentales comme la messe en vide, rendue tangible par une cavité remplit et évidée dans sa matière par l artiste. Le même procédé se répète dans les oeuvres vidéo dans lesquelles, à travers la couleur et la lumière ou son absence, l espace se dilate et se rétrécit, plaçant le spectateur dans une sorte de monde parallèle. Wounds & Absent Objects, 2003 Projection vidéo, DVD JORGE MACCHI Jorge Macchi est né à Buenos Aires, en Argentine en 1963, où il vit et travaille. Il n est pas possible de discerner de lignes stylistiques prédéterminées dans le travail de Macchi; tous les moyens sont utilisés comme des instruments simples, libres pour exprimer une série d idées. «La mélodie aléatoire qui peut être obtenue par les fragments collant de titres de presse sur un pentagrame, le texte dessiné par les rapports de polices et utilisé comme la matière principale pour la construction d un pentagram, des ongles en forme de notes - sont certains des travaux avec lesquels Jorge Macchi compose de la musique et des images... La production des travaux qui incluent l image et le son est une caractéristique constante de sa production au cours des années et coexiste à côté de ses autres textes, ceux, photographiques ou ceux, obséssionnels; de rigoureux travaux sur papier...» (A. Rosenberg). «Le mot-clef quant au travail de Macchi est le détachement... un des points forts de sa production est la rapidité et la clarté de pensée... Le travail de Macchi, réduit comme il est à l élément essentiel et déshabillé de tous chichis, produit le même effet formel que la musique...» (M. Gainza). Tevere, Ciment 13

14 SABRINA MEZZAQUI Sabrina Mezzaqui (née en 1964 à Bologne. Vit et travaille à Marzabotto) concentre son attention sur les choses infi mes de la vie. Son travail est réservé et solitaire, fait de gestes répétés, de temps dilaté jusqu au point de devenir une sorte de discipline réfl échissante et auto-imposée, d habileté manuelle exercée dans le temps suspendu d un rituel. Au moyen des gestes répétés et maniaques, effectués dans un temps stationnaire, faisant référence à une tradition de rituels séculaires, Sabrina Mezzaqui crée des installations au pouvoir fascinant. En utilisant des matériaux communs comme le crayon ou le feutre, les disjoncteurs, le papier, le verre, les perles et les cartes postales, l artiste amène le spectateur dans une dimension où les petites choses, simples et fragiles évoquent les mémoires lointaines de contes de fées et les gestes quotidiens acquièrent de fait l aura d un rituel héréditaire. Aussi, l écriture fait-elle souvent partie du travail, récupérée ou transformée, voire même seulement imaginée ou niée dans le découpage partiel de la feuille dont les lambeaux tombent au sol, suspendue entre la persistance et l instabilité. Dans ses installations, les projections d ombre ou de lumière ou d images de la réalité filmées avec caméra proposent de fortes suggestions. Il Senso dell ordine, 2002 Feutre sur papier HANS OP DE BEECK L artiste Hans Op de Beeck (né à Turnhout, Belgique en 1969) construit des scènes quotidiennes, urbaines, fi ctives et contemporaine et créé des situations où les personnages semblent très familiers au spectateur. Celles-ci incluent à la fois des espaces solitaires, favorables à la réfl exion et des espaces denses, peuplés de temps en temps par des caractères maladroits qui nous disent quelque chose de la voie sur laquelle nous avançons aujourd hui, sur les chemins que nous suivons et comment nous essayons - avec une inaptitude certaine - de traiter avec le temps, l espace et les autres. Table (1) est une évocation d une table mise abandonnée et construite à l échelle de 1,5:1, faisant ainsi rétrécir le spectateur à la hauteur moyenne d un enfant de sept ans. L ensemble du travail est peint en blanc, comme par contraste avec les restes de gâteaux, le café et les cigarettes qui paraissent hyperréelles. L œuvre fait l effet de l image révée d un souvenir. Table (1), 2006 Installation. Technique mixte 14

15 LUCY + JORGE ORTA Lucy Orta est née an Angleterre (Warwicksh) en Jorge Orta est né an Argentine (Rosario) en Ils vivent et travaillent à Paris. Fondé en 1991 par Lucy et Jorge Orta, le Studo Orta basé à Paris opère comme lieu de recherche et de développement pour la réalisation des œuvres des deux artistes. Lucie et Jorge Orta travaillent en collaboration et partagent la même direction dans leurs recherches. Ils procèdent parfois de façon indépendante sur des projets spéciaux. En employant une gamme de techniques qui va de la sculpture, à la fabrication d objet, à la couture, la peinture, l impression, des projections et des stratégies de communication comme la performance, aux interventions et des événements publics, le Studio Orta examine les thèmes cruciaux du monde d aujourd hui: communauté et lien sociale, demeure et habitat, nomadisme et mobilité. Parmi les contributions les plus importantes à ces débats sociaux et environnement aux, on compte: Refuge Wear and Body Architecture: des habitats minimaux portables rapprochant architecture et robes; HortaRecycling: la chaîne alimentaire dans les contextes globaux et locaux; 70 x 7: le rituel du repas et son rôle dans la communauté; Nexus Architecture: des méthodes alternatives pour recréer du lien social; Life Nexus: la métaphore du cœur contre l éthique biomédicale; OrtaWater: la pénurie générale de cette ressource naturelle essentielle et les problèmes résultant de la pollution et du contrôle fait par les entreprises gérant l accès au nettoyage de l eau utilisée par tous. Urban Life Guard, 2007 Lits de camps militaires, textiles divers, toile de jute, armatures en aluminium LUCA PANCRAZZI Luca Pancrazzi est né à Figline Valdarno (à Florence, Italie) en Il vit et travaille à Milan depuis Dans son travail, il a jusqu à présent utilisé des médias expressifs qui vont de la peinture et de la photographie à la vidéo, aux boîtes lumineuses, à la sculpture, à de grandes pièces d installation. Le thème central du travail de Pancrazzi est le processus artistique en tant que tel. Le regard fi xe, le chevauchement de la frontière entre l intérieur et extérieur, le temps et la perception, les trous minimaux et les variations légères - sont les éléments par lesquels l artiste examine la réalité, nous offrant de nouvelles lectures comme autant de multiples facettes au paysage et à la vision. Pour Pancrazzi, l idée de développement constant est centrale. Ceci grâce à un deconstructivsime, un déplacement endogène, infi niment ouvert et jamais limité par la présomption d exécuter une fonction refl et ou d offrir une réponse défi nitive (certains diraient «métaphysique»). Son œuvre prospère sur la base de sa capacité à produire de la différence, à identifi er, à faire le travail et à varier un déplacement inattendu. Le travail de l artiste n est pas fermé dans un schéma prétendu de post-modernisme. En effet, bien que les thèmes qu il aborde soient au moins en partie, post-modernes, il affi rme toujours son originalité et indépendance propre. Carborundum, 2002 Verre, Renault Mégane 15

16 BRUNO PEINADO Bruno Peinado est né à Montpellier en Il vit et travaille à Douarnenez, en Bretagne. L artiste travaille autour des styles de vie quotidiens, examinant les habitudes alimentaires et culturels puis les sous-produits dérivant de la globalisation. Peinado s intéresse depuis toujours aux subcultures et nous (s ) interroge sur la question du besoin de nouvelle identité individuelle incluant à la fois le concept de diversité et le phénomène d imprévisibilité. Pour lui, le processus créateur implique l exploration constante de la culture de masse, des codes linguistiques qui organisent notre temps et des stéréotypes de la société de consommation. Il poursuit la logique de créolisation, comme un instrument qui se réapproprierait et relirait les symboles et les images. Peinado produit des installations faites de signes empruntés à la vie quotidienne, aux journaux, à la musique, aux jeux vidéos et à la télévision. Il rassemble des dessins, des objets, des sculptures, des vidéos et des peintures réalisées sur toutes sortes de supports, et ouvre des voies inattendues où la diversité est la richesse et où l on peut inventer un nouveau monde. Son travail est alors une sorte de laboratoire expérimental où il est possible d éluder l uniformité et où il est permis de penser un nouveau mode d individualité. L artiste accomplit une sorte de mélange de différent(e)s sons, modes, arts et désirs, et produit ainsi une identité artistique forte qui le caractérise. Sans titre, 2006 Alluminum sculpté, couteaux, hâches MICHELANGELO PISTOLETTO La carrière de Michelangelo Pistoletto, né à Bielle en 1933, a commencé il y a plus de quarante ans. Quand il a débuté, à la fi n des années 1950, il faisait des peintures sur le thème de l autoportrait. Puis en 1961, il peint une toile en noire et applique ensuite une couche épaisse de vernis, le transformant effi cacement en une peinture à refl ets et créant du même coup, une toile-mirroir, le tout, en un. Cela l a mené à une série de travaux nommés Il Presente (The Present). En 1962, Pistoletto coupe des fi gures et les applique sur des feuilles d acier refl echissant. Le spectateur est alors devenu une partie de l œuvre d art grâce à son refl et dans celle-ci. Vers , il a produit un groupe de travail appelés Oggetti in meno (Minus Objects), mettant en évidence la nature non répétable de chaque moment créatif. En 1968, Pistoletto fonde un groupe appelé le «Zoo» qui a travaillé avec différentes formes expressives et a produit ce qui pourrait être appellé des actions théâtrales. Dans L architettura dello specchio (The Architecture of the Mirror), 1990, le thème du miroir est à nouveau exploré. Ce travail consiste en un énorme miroir encadré et divisé en quatre parties égales. Le miroir refl ète et contient donc potentiellement chaque image possible. Chaque miroir est ainsi susceptible de refl éter le monde entier. En 1996, Pistoletto produit Metrocubo d infi nito (A Cubic Metre of Infi nity) fait en montant six miroirs se faisant face vers l intérieur. L ordre temporel de l opération révèle comment, en plaçant un miroir successivement à côté d un autre, le potentiel refl exif des images augmente de plus en plus, se multipliant à l infi ni. Fractal Black and Light, miroirs encadrés 16

17 SERSE Serse est né à San Polo del Piave (Italie) en Vit et travaille à Trieste. Ses paysages de vagues blanches étonnées et ses surfaces plates de bouts de lacs et de rivières sont des visions, des moments suspendus, des pauses silencieuses. Serse explore chaque aspect de la nature, chaque souffl e. Son dessin est analytique et extraordinairement détaillé, tendu à la limite de la représentation, au point d atteindre l extrême opposé, devenant ainsi irreprésentable et paradoxalement irréel. De cette façon, Serse va au-delà des données objectives. Le sujet, déshabillé de tout son dynamisme et étranger au contexte, est projeté dans une autre dimension. Les images offertes par l artiste sont les expériences du regard fi xe, les représentations de l idée du Sublime. Serse se limite lui-même au strict noir et blanc dans ses dessins. Grâce à l utilisation du graphite, l artiste montre sa capacité à créer des pièces incroyables de lumière, des réfl exions aux multiples nuances de gris. Argento doppio, 2007 Feuille d argent, graphite sur bois NEDKO SOLAKOV Nedko Solakov (né en 1957 en Bulgarie, vit à Sofi a) est une fi gure fermement établie sur la scène internationale de l art contemporain. Solakov montre son travail dans de nombreux événements et expositions parmi les plus importants à l heure actuelle, soulevant à chaque fois la curiosité et causant une exquise agitation due son œuvre ironique et provocatrice. Qui, par exemple, ne se souvient pas de l installation-performance qu il avait produite pour la 49ème Biennale de Venise: A life (Black & White) et dans laquelle une pièce était peinte en noir et blanc de façon ininterrompue? Ou, plus recemment, de son travail pour la Biennale de Venise, Discussion (Property), 2007? Ici, l attention du spectateur était attirée par un Kalashnikov suspendu au mur. Par le biais de la vidéo, de textes et de dessins, Solakov racontait son enquête sur le thème de la longue dispute entre l ancienne Union soviétique et la Bulgarie dans leur relation de producteur et vendeur de Kalashnikovs. Mais l exemple le plus emblématique du travail de Solakov est sans doute sa contribution récente à la Documenta 12 de Kassel. On a donné à l artiste une salle entière où on l a invité à montrer Fears, un groupe de 99 nouveaux dessins et un travail plus vieux intitulé Top Secret ( ). Cette installation, qui se compose d une boîte de dossier avec 179 dessins, collages et photos et qui a été créée immédiatement après les changements politiques en Bulgarie, révèle la collaboration de l artiste dans sa jeunesse avec les services secrets bulgares. Solakov lui-même y mis fi n en L artiste a rendu ce geste volontaire de divulgation tout à fait unique dans l Europe post-socialiste, sans même avoir reçu aucune pression. Il n y a toujours pas de document public attestant de sa collaboration; il y a juste son travail, montré pour la première fois à Sofi a au printemps Dix-huit ans après l effondrement du régime, les archives des services secrets de la Bulgarie sont toujours fermées. 17 A Life (Black & White), Peinture noir et blanc, deux peintres repeignant constamment les murs de l espace d exposition en noir et blanc pendant toute la durée de l exposition (5 mois), jour après jour, 49e Biennale de Venise

18 PASCALE MARTHINE TAYOU Né en 1967, vit et travaille en Belgique et au Cameroun. Originaire du Cameroun, Pascale Marthine Tayou est un «expert» de la société contemporaine. Par ses installations, sculptures et ses vidéos, il examine la complexité des relations et des infl uences entre l Afrique et le reste du monde. Il a par exemple imaginé une nouvelle pièce de monnaie appelée Afro qui a une valeur économique réelle comme l Euro ou le Dollars US. L artiste a mélangé les symboles nationaux et combiné artisanat sur le cristal et conceptions religieuses dans l art africain, basant ainsi son œuvre sur l identité et les contradictions culturelles. Grâce à la féroce ironie qui le caractérise, Pascale Marthine Tayou fournit une base pour un échange continu et un dialogue évolutif entre des communautés différentes. Le verso versa du vice recto aux cornes, 2007 Papier YAN LEI Yan Lei est né à Hebei (China) en Vit et travaille à Beijing. Avec ses interventions féroces à l encontre des institutions et son attitude provocante, Yan Lei est assurément une des fi gures les plus importantes de la scène artistique chinoise des années Malgré une position continue de fi n critique, ses nouveaux travaux tendent vers une réalité plus hallucinée, en ciblant davantage encore la production mécanique d images issues du quotidien collectif et vécu par l artiste, tout en retirant la réalité synthétique et inconvenante. Yan Lei ne veut pas offrir de réponse. Ses œuvres, en effet, n en offrent aucunes; elles sont singulièrement descriptives. Elles représentent le portrait sommaire de ce qui conditionne l artiste: moments, images, réfl exions, rencontres. Le tout est raconté au travers de son interprétation personnelle de la relation fondamentale entre culture et l action picturale. Climbing Space - Airport, 2005 Acrylique sur toile 18

19 ZHENG GUOGU Zheng Guogu est né en 1970 à YangJiang, dans la provice du Guandong (China). Vit et travaille à Yangjiang. Zheng Guogu fait partie des jeunes artistes de la scène artistique chinoise post-moderne en pleine croissance, qui a réagi aux changements rapides qui ont eu lieu les dix dernières années en donnant une véritable forme artistique à cette phase de transformation économique et sociale. Ce qui le distingue est son engagement vis-à-vis de la culture de son pays et, plus spécifi quement, envers la culture de sa ville natale, en parallèle de son intégration à l intérieur du système global de l art. Les œuvres tirées du très sérieux Pig Brain Controls Computer représentent par exemple la réaction de l artiste aux trades commerciaux et à la culture consommatrice. Il mène ainsi une réfl exion sur la manière dont les médias nous submergent et comment ils stimulent la vie de tous les jours. Pig brain controls computer VIII, 2006 Toile imprimee, chassis ZHUANG HUI Zhuang Hui est né en 1963 à Yumen, dans la provice du Gansu (China). Vit et travaille à Beijing. Zhuang Hui a recourt à différentes ressources expressives, comme les installations de grande ampleur, la photographie et la peinture; ceci en donnant la démonstration d une fusion actuelle entre dissimulation et réalité. Il mène également une réfl exion sur les apparences et signale à quel point la société s est gravement appauvrie de toute spiritualité. Ses œuvres, descriptives et lucides, résonnent d une intense poésie littéraire. Zhuang Hui, qui a d abord été photographe, s est aussi distingué dans le passé pour son utilisation de formats panoramiques en noir & blanc et les portraits de groupe. Cet acte est pour lui le manifeste de la suprématie du collectif dans la société chinoise. What once were the quotidian objects of hardship are now the heart s reminiscence, Objets en terre-cuite 19

20 INFORMATIONS PRATIQUES ACCÈS: prévoir une heure de trajet depuis Paris TRANSPORT GRATUIT EN BUS: dimanche 21 octobre départ à 11h du Petit Palais, coté Seine. Retour prévu à 16h à Paris. Nombre de places limité, réservation recommandée: SORTIE 16 Boissy-le-Châtel TRANSPORTS EN COMMUN: train depuis la Gare de l Est, jusqu à Coulommiers. Bus en sortant de la gare direction La Ferté Gaucher, après 4 minutes arrêt au Moulin de Boissy. EN VOITURE: autoroute de l Est A4 direction Metz / Nancy. Prendre la sortie 16, prendre la direction Coulommiers sur la N34, traverser Coulommiers et suivre Boissy-le-Châtel sur la D222, tourner à droite sur la D66 jusqu à GALLERIACONTINUA / Le Moulin. Boissy - le-châtel Coulommiers Le Grand Morin GALLERIACONTINUA / Le Moulin GALLERIACONTINUA / Le Moulin Boissy-le-Châtel, 46 Route de la Ferté Gaucher,

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