Samedi 3 décembre - 21h Dimanche 4 décembre - 14h30. Cendrillon. Ballet du Grand Théâtre de Genève

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1 Samedi 3 décembre - 21h Dimanche 4 décembre - 14h30 Cendrillon Ballet du Grand Théâtre de Genève

2 Ballet du Grand Théâtre de Genève Directeur général : Tobias Richter Directeur du Ballet : Philippe Cohen Partenaire du Ballet du Grand Théâtre : JTI Chorégraphie : Michel Kelemenis Scénographie : Bruno de Lavenère Lumières : Harrys Picot Costumes : Philippe Combeau Maîtres de ballet : Susanna Campo, Grant Aris Adjoint du Directeur du ballet, régie de scène : Vitorio Casarin Pianiste Serafima Demianova Directeur technique : Philippe Duvauchelle Régisseur lumières : Alexandre Bryand Régisseur plateau : Yves Fröhle Machiniste Mansour Walter Accessoiriste Vincent Bezzola Son Charles Mugel Habilleuses Julie Delieutraz, Caroline Bault Coordinatrice administrative : Emilie Schaffter Cendrillon Yu Otagaki Le Prince Damiano Artale Les deux soeurs Sarawanee Tanatanit, Madeline Wong Les cinq figures du charme Joseph Aitken, Pierre-Antoine Brunet, Paul Girard, Vladimir Ippolitov, Nathanaël Marie Les deux huissiers Loris Bonani, Grégory Deltenre Le père Aurélien Dougé Les invités Fernanda Barbosa, Hélène Bourbeillon, Christine Ceconello, Gabriela Gomez, Virginie Nopper, Isabelle Schramm, Sara Shigenari, Joseph Aitken, Pierre-Antoine Brunet, Aurélien Dougé, Paul Girard, Armando Gonzalez, Clément Haenen, Vladimir Ippolitov, Nathanaël Marie. Musique : Sergueï Prokofiev Enregistrements : Cendrillon/Prokofiev The Cleveland Orchestra / Valdimir Ashkenazy / Decca Record Company Limited (1983) Durée : 1h20 sans entracte

3 Michel Kelemenis relit et raconte Cendrillon GENÈSE D UNE CHORÉGRAPHIE LE CHORÉGRAPHE CONFIE QUELQUES CLEFS DE SON TRAVAIL À DANIEL DOLLÉ, DRAMATURGE. Un jour, au cours de leur longue complicité, Philippe Cohen, le Directeur de la compagnie de danse du Grand Théâtre de Genève, évoque avec le chorégraphe le sujet de Cendrillon. Jusqu alors, Michel Kelemenis n avait pas abordé de ballet au programme. À la fois surpris et fasciné, il demande un temps de réflexion et se lance avec frénésie et passion dans des recherches. L aventure est grisante et tétanisante, mais elle le tente. Il avait déjà songé à la relecture de Schéhérazade, la conteuse des Mille et une nuits, qui avait inspiré Rimsky-Korsakov, Maurice Ravel et Diaghilev entre autres. Au cours de ses réflexions et de ses investigations le chorégraphe trouve le journal de Cendrillon, de cette jeune fille sans véritable nom, si ce n est celui qui résulte de cendre et de souillon. Son histoire intemporelle a fait le tour du monde et des cultures et inspiré bien des conteurs, des compositeurs et des psychanalystes. La prière de l héroïne l inspire et lui fait accepter le projet. «Mes sœurs sont belles, en effet. Parées des soies que j ai lissées pour elles et des bijoux offerts par notre père, elles vont ce soir, reines au bal, gagner les yeux du plus envié d entre les hommes. Jamais un prince, Mère de souvenir, ne me verrait à côté de leur beauté. Mère dans l arbre, étends les cinq doigts de ta main providentielle, transporte la souillon que je suis de ce pauvre refuge de cendres et de suie dans les airs de la fête, à travers les danseurs. Arrête le temps, fais se voir les cœurs plutôt que les yeux» La peur au ventre et enthousiaste, Michel Kelemenis accepte le défi et se lance dans la conception d une soirée entière pour la compagnie de 22 danseurs, la première a lui avoir fait confiance, en lui demandant une création en 1997, Tout un monde lointain. Il commence par écouter l œuvre qui avait été commandée à Prokofiev à la suite du succès du ballet Roméo et Juliette. Il découvre une œuvre en 3 actes segmentée, dans laquelle chaque segment est lui-même divisé. Il lui paraît que le fait de la commande a appesanti l œuvre avec des conventions. Certains passages semblent anecdotiques, et beaucoup d éléments sont fonction de la danse. Sergueï Prokofiev est instrumentalisé par la danse qui n aurait pas respecté le musicien. L œuvre conçue au milieu du XXe siècle est assujettie aux lois du ballet en vigueur au siècle précédent. Le chorégraphe imposait au compositeur le nombre et la longueur des séquences ainsi que les tempi. Les numéros de bravoure qui alternaient avec les ensembles appelaient des applaudissements qui détournaient de la narration au détriment du ressort dramatique. Afin de respecter le souffle du conte et en songeant à ses expériences de spectateur, le chorégraphe envisage et conçoit un spectacle sans entracte d environ 1h30 afin d éviter toute brisure dans la narration et de garder une tension qui ne s accommode que difficilement avec la rupture de la pause.

4 Bien que le compositeur se soit plutôt inspiré chez Charles Perrault, le chorégraphe s est tourné vers le conte des frères Grimm qui rendent la vie de l héroïne plus réelle à cause de la cruauté. Perrault nous présente un personnage infantilisé et non une enfant sur le point de devenir une femme. Il réduit le conte à un joli récit plaisant et trop nombreux sont ceux qui s en contentent. Le pied blessé, mutilé chez Grimm, certes difficile à présenter sur une scène, ne l intéresse guère. Perrault s est également attaché à souligner un certain manichéisme et à conclure l histoire d une façon quelque peu simpliste, pour ne pas dire réductrice. Cendrillon pardonne à ses belle-sœur et le jour même organise le mariage avec deux seigneurs du château. Il moralise les contes et les rend dignes d être présentés à la cour du Roi Soleil, ce faisant, il leur enlève de la force et les prive quelque peu de leur universalité. Cendrillon vit dans une famille recomposée, la marâtre, sa belle-mère est absente mais elle est représentée par ses deux filles que l on a l habitude d évoquer de façon grotesque, l une maigrichonne et l autre grassouillette. Une autre tradition veut qu elles soient parfois dansées par des hommes. Michel Kelemenis a opté pour de belles jeunes femmes en affirmant que le ridicule et la cruauté ne résident nullement dans le physique. Il existe des valeurs essentielles qui dépassent de très loin les canons habituels de la beauté. Le père n apparaît que très peu de temps. Il reconnaît en Cendrillon la mère, la femme qu il a aimée et qui n est plus. Regard furtif et ambigu certes, mais il nous plonge dans l univers œdipien de ce conte. C est en vain que vous chercherez les fées, par contre vous croiserez cinq figures de charme, cinq Charmes, des personnages hors du réel, issus de l imaginaire créatif. Ils sont les cinq doigts de la main maternelle qui conduit au bonheur. Deux huissiers accompagnent le prince, ce sont ses amis qui ne lui épargnent guère les chamailleries. Les demi-sœurs réclament des bijoux, Cendrillon désire le rameau qui vient heurter le père. Elle le plante, il se développe pour devenir un arbre, réincarnation de la mère, une forêt refuge et retraite de Cendrillon, et pour finir chemin d accès au bonheur. Le rameau qui se transforme en arbre puis en forêt constitue un passage poétique, émouvant et essentiel de l histoire. C est le souvenir de la mère idéalisée qui nous soutient dans les pires épreuves. Le chorégraphe n oublie pas que la danse a ses conventions et ne permet pas de traduire tous les aspects du récit. Le grotesque qui constitue le contrepoint du merveilleux est également présent. Il souligne et renforce le tragique et la cruauté du conte. Michel Kelemenis conserve l aspect négatif du merveilleux dans sa forme mais le déplace vers d autres scènes, notamment au moment du défilé des femmes du royaume qui viennent se confronter. S il est difficile de présenter des pieds mutilés en scène, il est par contre facile d imaginer des gens prêts à tout pour accéder à leurs rêves. Cendrillon veut être choisie pour ce qu elle est. Se couper le pied n est que le pâle reflet de ce que génèrent l individualisme et la soif de posséder. C est le dernier obstacle à l issue heureuse que les deux sœurs dressent sur la route de Cendrillon. Le «je» a tué l altruisme. Les chemins des sœurs et de Cendrillon sont inversés, ils ne partent pas du même endroit. Les premières privilégient l avoir, alors que l héroïne a choisi l être. Elles s appuient sur le monde extérieur. Cendrillon choisit la franchise, elle sublime l image de la mère qui grandit et évolue comme le rameau qu elle a planté. Quand au prince qui serait-il dans le monde d aujourd hui, comment le reconnaître? Par son costume, par ses amis qui l accompagnent? Qu importe, il est une représentation sociale. Il ne veut pas aller au bal qui signifie pour lui l heure du choix, le choix d une épouse. Il refuse cette échéance,

5 et c est Cendrillon qui lui ouvre les portes d une relation profonde et sincère. Et quand sonne l heure du choix, Cendrillon veut être choisie pour ce qu elle est et non pour ce qu elle paraît être. Sa beauté ne réside pas dans ses atours, elle n est pas extérieure, mais elle prend racine dans son intériorité. Vincent Lepresle En respectant l œuvre de Prokofiev et en partant des 50 numéros qui la composent, Kele, comme l appellent ses amis, a dénoué les liens forgés à l origine de la création pour libérer le potentiel d expression du conte. Ce faisant, il libère et dynamise la danse et évite la redondance. Tout en se demandant comment faire entrer la narration dans la danse sans passer par la pantomime, il n oublie pas que le langage du chorégraphe ne permet pas de transporter le spectateur dans un univers intellectuel mais émotionnel. Et quand vient l heure du bal, la difficulté s accroît, car la danse doit être un langage, et le bal constitue la négation du langage. C est le coup de boutoir final, l obstacle suprême pour le chorégraphe. Par sa symbolique sociale au moment du bal, la danse perd alors toute forme de distance par rapport à son potentiel narratif. Lorsque retentissent les douze coups de minuit, un moment musical exceptionnel, le temps est compté. Il est difficile de résister au temps qui passe, à ce flux qui nous emporte et contre lequel nous

6 nous efforçons de résister. Michel Kelemenis est un impressionniste, il sait que la danse est une surface de projection, une surface de miroitement, mais que l équilibre du dialogue est différent pour chacun de nous. Tout au long de son travail avec les danseurs, il s interroge et questionne pour éviter le monochrome et pour composer le plus riche nuancier possible. En écartant et en juxtaposant les extrêmes, le grotesque et la timidité, il parvient à créer de grandes tensions. Avec ses complices Bruno de Lavernère, scénographe, Philippe Combeau, costumier et Harrys Picot, éclairagiste, Michel Kelemenis nous fait vivre le passage de l enfant orpheline à l âge adulte. Des cendres du tronc calciné jaillissent l espoir et le bonheur grâce au rameau offert par le père. De souillon, Cendrillon devient aspirante avant d être l élue. Son parcours initiatique la conduit vers un bonheur croissant que cristallisent ses toilettes à la fois narratives et enchanteresses. Aucune scène emblématique ne manque, toutes les composantes fondamentales du conte qui a traversé de nombreux imaginaires à travers les siècles sont présentes : les sœurs, le bal, les douze coups de minuit, la perte du chausson, le défilé et l espoir des prétendants Le chorégraphe a porté son regard sur l essentiel, sans jamais oublier le langage spécifique de la danse. Il donne au ballet une force et une dimension qui auraient probablement séduit Bruno Bettelheim, l auteur de la Psychanalyse des contes de fées. Si tout peut surprendre, rien ne choque et rien n est destiné à provoquer. En allant à l essentiel, il s adresse aux tout petits mais également aux tout grands. N avons-nous pas tous, à certains moments, traversé une existence de résonance avec cette histoire sans âge et toujours contemporaine. L histoire se termine par les fiançailles. Cendrillon est prête à vivre un heureux mariage, mais probablement il lui reste bien des choses à apprendre et bien des épreuves à traverser. Mais au fond, aimetelle le prince? Le conte ne nous dit pas si Cendrillon et le prince vécurent heureux et eurent beaucoup d enfants. En compagnie de Michel Kelemenis, le Ballet du Grand Théâtre de Genève vous offre une toile de projection, une histoire qu il vous appartient de prolonger, de développer et de vous approprier.

7 Ballet du Grand Théâtre de Genève La tradition du ballet à Genève remonte au début du 19e siècle. Elle est étroitement liée à l'existence du "Théâtre de Neuve" tout d'abord dans les Bastions, puis dans le bâtiment actuel du Grand Théâtre. Aux alentours des années 1870, le maître de ballet a sous ses ordres une vingtaine de danseurs dont certains ont rang de solistes. L'évolution de la danse sera ensuite marquée, dès le début du 20e siècle, par la présence de Jaques-Dalcroze puis par Ansermet qui fait connaître à Genève les Ballets russes de Diaghilev avec Nijinski. On note également la venue d'isadora Duncan, ainsi que de Clotilde et Alexandre Sakharoff, grande prêtresse et ambassadeurs de la danse nouvelle qui firent forte impression sur le public genevois. Pendant cette période et jusqu'après la Guerre de , le Grand Théâtre possède une troupe de danseurs utilisés essentiellement dans les divertissements dansés des opéras et des opérettes ou pour des pas de deux. Après l'incendie de 1951 et pendant la reconstruction du Théâtre, le Grand Casino accueille entre autres et à plusieurs reprises le Ballet de l'opéra de Paris puis ultérieurement c'est au tour du Ballet du XXe Siècle de Maurice Béjart d'être reçu dans le nouveau Théâtre. En 1962, pour sa réouverture, le Grand Théâtre se dote d'une Compagnie élargie dont la direction est confiée à Janine Charrat ( ). Parmi les temps forts de cette renaissance, on peut citer le ballet Tu auras nom...tristan d'après le roman de Joseph Bédier et la création mondiale d'alerte - Puits 21, deux chorégraphies qui marquent le passage de la chorégraphe française à Genève. Ce sera ensuite la venue de Serge Golovine, l'un des plus remarquables danseurs classiques de sa génération. Il reprend le flambeau pendant cinq ans ( ) : L'Oiseau de feu, Les Sylphides, Le Mandarin merveilleux, Répercussion, une création mondiale sur une musique du Genevois Pierre Métral, Sébastian sur une musique de Menotti, autant de moments privilégiés restés présents dans les mémoires. Parallèlement à son activité de chorégraphe et de danseur étoile, Serge Golovine dispense également un enseignement d'un grand rayonnement. En 1969, appelé par son ami Herbert Graf, directeur du Grand Théâtre, George Balanchine, sans aucun doute le plus grand chorégraphe du 20e siècle, devient le conseiller artistique de la compagnie. Il en fait une ambassade européenne du New York City Ballet et en confie la direction à Alfonso Cata ( ) qui crée alors une nouvelle ligne et donne une réelle impulsion à la troupe. Il remonte au plus pur de leur style et de leur vérité musicale les grand ballets de Balanchine, tout en créant ses propres chorégraphies. Il fait aussi appel à d'autres chorégraphes de première importance, tels que Tudor et Bolender qui donnent au Ballet du Grand Théâtre une nouvelle assise en élargissant son public. Toujours guidée par Balanchine, Partricia Neary ( ), soliste du New York City Ballet, prend la relève. C'est alors que le public genevois découvre la Symphonie en Ut,

8 Sérénade, Agon, Le Fils prodigue, Le Tombeau de Couperin, ballets qui marquent la compagnie et fondent dans le public genevois une attente et des exigences. Avec le départ de Patricia Neary pour Zurich, l'ère Balanchine se termine et c'est Peter van Dyk, ancien danseur étoile exceptionnel de l'opéra de Paris, qui prend la relève pendant deux ans ( ). Il marque une pause en reprenant les grands classiques du répertoire traditionnel, Giselle, Suite en blanc etc., ce qui ne l'empêche pas de remonter certains de ses ballets dont le célèbre pas de deux, Symphonie inachevée sur l'œuvre de Schubert. Au cours de toutes ces années, de prestigieux artistes sont également invités à Genève: Marcia Haydée (Roméo et Juliette en ), Jacques D'Amboise (Stars and Stripes en ), Mikhail Baryshnikov (Don Quichotte, Le Fils prodigue en ) et Vladimir Vassiliev (Giselle en ). Hugues Gall, nouveau directeur général, fait ensuite appel à Oscar Araiz pour prendre la direction du Ballet. Le grand chorégraphe argentin va, pendant huit saisons ( ) imprimer à la troupe un style nouveau, moderne et novateur, de type expressionniste. Plus de 30 créations flamboyantes sont alors présentées au public, dont Alice au pays des merveilles, El Publico, Tango (repris en de nombreuses occasions lors de tournées à l'étranger), Le Baiser de la fée, Adagietto, Scènes de famille, Rhapsodie, Pulcinella, Cantares, etc. Au début de la saison , Gradimir Pankov, ancien directeur du Ballet national finnois et du Ballet Cullberg de Stockholm, prend en main, à son tour, les rênes de la compagnie. Il en est le premier directeur non chorégraphe. N'étant dès lors plus attachée à un style particulier, la compagnie, ouvrant un nouveau chapitre de son histoire, devient polyvalente et s'adapte aux styles les plus variés des chorégraphes invités. Un répertoire différent est présenté au public et des créateurs parmi les meilleurs du moment viennent pour la première fois à Genève, tels Jiri Kylian (Dream Dances, Forgotten Land, Piccolo Mondo, Stamping Ground) Christopher Bruce (Land, Ghost Dances), Rudi Van Dantzig (Vier Letzte Lieder), Mats Ek (Caïn et Abel) et Ohad Naharin (Tabula Rasa). Cette collaboration apporte un sang nouveau et suscite à l'intérieur de la troupe un grand enthousiasme. Vasco Wellenkamp crée Fado au Grand Casino qui sera donné à de nombreuses reprises en tournée. Christopher Bruce offre à Genève, Rooster (1991) et Ohad Naharin deux créations Axioma 7 (1991) sur le quatrième Concerto Brandebourgeois de Bach et Perpetuum (1992), ballets originaux et forts qui marquent sans doute une importante étape dans la reconnaissance du Ballet du Grand Théâtre tant sur le plan national qu'international. Dès 1996, Renée Auphan devient directrice générale du Grand Théâtre de Genève et confie la direction du Ballet à François Passard et Giorgio Mancini. La compagnie poursuit sa politique d invitation à des chorégraphes néoclassiques et contemporains. Lors de la saison , pendant la fermeture du Grand Théâtre pour rénovation, une nouvelle salle de 980 places est aménagée au Bâtiment des Forces Motrices, où se donnent toutes les représentations de la saison. En 2003, Jean-Marie Blanchard, nouveau directeur général du Grand Théâtre de Genève depuis 2001, nomme Philippe Cohen à la direction du Ballet. Depuis son entrée

9 en fonctions, Philippe Cohen découvre de nouveaux chorégraphes tels que Andonis Foniadakis, Sidi Larbi Cherkaoui, Gilles Jobin ou Benjamin Millepied, à qui il donne carte blanche pour leurs créations et continue à enrichir le répertoire avec des chorégraphes de renom tels que Carolyn Carlson, Lucinda Childs, Jerome Robbins, Saburo Teshigawara ou Nacho Duato. Le Ballet du Grand Théâtre continue à enrichir et ouvrir son répertoire avec des programmes qui invitent le public à découvrir des «nouveaux venus» comme des chorégraphes confirmés tels que Ken Ossola, Stijn Celis, isira Makuloluwe ou encore Dominique Bagouet, Joëlle Bouvier, Michel kelemenis et Emanuel Gat. Avec le développement des tournées internationales, Etats Unis, Australie, Amérique du Sud, Asie, le Ballet partagent dorénavant sa passion de la danse avec un public toujours plus large et conquis. Vincent Lepresle

10 Biographies MICHEL KELEMENIS : CHORÉGRAPHIE Né à Toulouse en 1960, il étudie la danse à Marseille. De 1983 à 1987, il est interprète de Dominique Bagouet au Centre Chorégraphique National de Montpellier et signe ses premières chorégraphies dès En 1987, il fonde sa propre compagnie avec laquelle il crée une trentaine de pièces. Six de ses chorégraphies sont au répertoire des Ballets de l Opéra national de Paris, du Rhin, du Nord et du Grand Théâtre de Genève.En novembre 2007, il crée Tattoo pour le Ballet national de Marseille. Il met aussi en scène L Atlandide d Henri Tomasi à l Opéra de Marseille en Il participe à des actions régulières mêlant création et formation. Au Festival d Aix-en-Provence, il chorégraphie Renard de Stravinski dans un spectacle mis en scène par Klaus Michael Grüber et dirigé par Pierre Boulez en En 2004, il est assistant de Luc Bondy pour le mouvement des choeurs d Hercules de Haendel. Ses dernières créations pour la compagnie sont Besame mucho à la Biennale de la Danse de Lyon en 2004, Aphorismes géométriques au Festival Danse d Aix en 2005, Pasodoble, commande musicale à Philippe Fénelon, au Festival de Marseille en Durant la saison 08-09, il signe L Electroacoucycle, sur une musique de Christian Zanési (trois pièces Aléa, Viiiiite, Frissons) et L Amoureuse de Monsieur Muscle, spectacle pour enfants. Projet pour 2010 : La Danse, hommage à l oeuvre peinte d Henri Matisse. En 1987, il est Lauréat de la Villa Médicis Hors les Murs, en 1991 de la Bourse Léonard de Vinci et du Fonds japonais Uchida Shogakukin. En 1995, il est nommé au grade de Chevalier de l Ordre des Arts et des Lettres et en 2007 à celui de Chevalier de l Ordre national du Mérite. PHILIPPE BÉRAN : DIRECTION MUSICALE Né à Genève en 1962, Philippe Béran mène conjointement des études musicales et scientifiques avant de se consacrer à la direction d'orchestre. Chef d'orchestre associé de l'opéra de Bordeaux de 1997 à 2000, il dirige l'orchestre national Bordeaux / Aquitaine lors des représentations d'opéras, de ballets, de concerts symphoniques et de spectacles jeunes publics. Il est, depuis septembre 2002, responsable de l'action pédagogique de l'orchestre de la Suisse Romande et de l'orchestre de Chambre de Lausanne. Il accompagne régulièrement les Ballets de l'opéra de Bordeaux, de Nancy, du Grand Théâtre de Genève, de l'opéra de Nice et en décembre 2007, le New York City Ballet pour une série de représentations de Casse-Noisette de George Balanchine au Lincoln Center de New York. Pour le Ballet de l Opéra de Paris, il dirigeait les représentations de Paquita lors de la dernière tournée de la compagnie en Chine en mai 2008 ainsi que Giselle à Monte-Carlo en octobre BRUNO DE LAVENÈRE : SCÉNOGRAPHIE Bruno de Lavenère est né en France en Après une formation en architecture à Toulouse et à Montréal, il obtient un diplôme de scénographie à l Ecole Nationale Supérieure des Arts et Techniques du Théâtre à Lyon. Depuis 2000, il est le principal collaborateur du décorateur Rudy Sabounghi sur des scénographies d opéra, de théâtre et de danse. Il a ainsi participé à une vingtaine de créations dans des maisons d opéra telles que Lyon, Genève, Strasbourg, Nancy, Toulouse, Monaco, Tel-Aviv, Leipzig et Bilbao.

11 Parallèlement, il crée ses propres scénographies. Il travaille ainsi régulièrement avec les metteurs en scène Jerzy Klesyk, Jean Lacornerie ou les chorégraphes Laurent Pichaud, Rémy Héritier et Isira Makuloluwe. Il réalise plusieurs scénographies pour la Cie Chant de Balles. La saison prochaine, il signera, à l Opéra de Monte-Carlo, le décor de L Homme de la Mancha mis en scène par Jean Louis Grinda. PHILIPPE COMBEAU : COSTUMES Philippe Combeau est danseur au sein de la compagnie Bagouet et de la compagnie Kelemenis. Il est ensuite créateur de costumes depuis 1996, notamment pour Michel Kelemenis, Myriam Naisy, Eric Oberdorf et Jean-Charles Gil. Une étroite collaboration avec le Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Lyon lui permet de recréer les costumes de Who Cares, Allegro Brillante, Apollon musagète, ivertimento n 15 de George Balanchine, Fandango d Antony Tudor, il collabore aussi avec Christopher Wheeldon, Robert North, Davy Brun, Waldemar Bartkowski, Olivia Grandville, Agnès Nolténius, Cyril Viallon, Olivier Chanut, Frédéric Cellé et Jean-Claude Galotta. Il est invité par de nombreuses compagnies : l Opéra Ballet de Nice pour Blanc pur, le Ballet du Rhin pour L Ombre des jumeaux, l Opéra Ballet de Hanoï pour Roméo et Juliette, le Bolchoï de Minsk, en Biélorussie, pour Le Songe d une nuit d été, l Université nationale coréenne des Arts de Séoul, le Ballet de Lorraine pour Le Sacre du printemps, la Staatsoper de Vienne pour Moka et Paquita, ainsi que récemment pour Casse-Noisette et Tattoo avec le Ballet national de Marseille. HARRY PICOT : LUMIÈRES Dans les années 90, Harry Picot rencontre le monde de la danse avec la Compagnie L Esquisse au Festival international de Montpellier Danse, où il sera ensuite régisseur de tournées et assistant éclairagiste jusqu en De 2001 à 2003, il collabore avec Emmanuel Legris pour des tournées estivales. Dès 2001, il conçoit aussi les lumières de nombreuses rencontres chorégraphiques internationales au Centre national de danse contemporaine d Angers : Petites choses en silence de Tommy Kitti (Finlande), Aprèsmidi de Ronit Ziv (Israël) et MTVS Pièce urbaine de Paul-André Fortier (Canada) en 2001, Le Bal des débutants de Dominique Dupuy (France) et Adieu, la mer d Alvaro Restrepo (Colombie) en 2002, Jude de Cyrill Davy (France) et Leila d Abou Lagraa (France) en 2003, Ingrina Zavial d Isira Makuloluwe, Les Mathématiciens et les Poètes de Luis Ayet (Espagne) et Al Zonen de Serge Ricci (France) en 2004, L Ecrin de Gianni Joseph (France) et Zonas de Carlos Cuevas (Pérou) en 2005 et My Country Music de Deborah Hay (Etats-Unis) en Il signe les lumières d Uyembo, unechorégraphie de Régis Obadia, interprété par Jean-Claude Pambe Wayack en 2000, du Marchand de silence en 1999, Quelques gouttes de pluie en 2000, Théorème d une femme décousue en 2001, Il faisait trop beau en 2003, Pas à pas en 2005 et Le Spectacle dont vous êtes le héros en 2006 pourla Compagnie Androphyne avec pour chorégraphes Pierre Johan Suc et Magali Pobel. Pour la Compagnie Vivid Dance et Isira Makuloluwe, il collabore à Labile en 2005, Assauts intérieurs (Puzzle Danse) en 2006 et Touch en 2007.

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