Collection permanente d œuvres d art et des métiers d art de la Ville de Blainville

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1 Collection permanente d œuvres d art et des métiers d art de la Ville de Blainville

2 Mot de la Commission de la culture Bienvenue dans l univers de la Collection permanente d œuvres d art et des métiers d art de la Ville de Blainville. Créée officiellement en 1993, cette collection regroupe maintenant plus de 160 artefacts de près de 100 créateurs. Ces œuvres présentent une grande variété de techniques, de styles et de disciplines artistiques. Elles sont un témoignage éloquent des pratiques individuelles des artistes et artisans d ici, ainsi que du dynamisme culturel de notre région. La Collection permanente est aussi une vitrine promotionnelle de premier plan pour nos artistes et artisans. Les pièces qui composent la Collection permanente sont exposées, pour la plupart, dans des édifices municipaux ouverts au public : hôtel de ville, centre communautaire, bibliothèque et ses succursales, Centre récréoaquatique, Maison des associations, etc. Cette visibilité permet aux Blainvilloises et Blainvillois, ainsi qu aux visiteurs d en découvrir toutes les subtilités. Dans l esprit de sa politique culturelle, la Ville de Blainville s est dotée de moyens divers pour renforcer l identité collective, stimuler le milieu culturel et rapprocher la culture du citoyen. Par ailleurs, l initiative de ce catalogue s inscrit dans la volonté du plan d action de la politique culturelle visant à multiplier les efforts pour faire connaître les œuvres d art et les métiers d art de la Collection permanente au plus grand nombre de personnes. Laissez-vous charmer par ces œuvres et personnes inspirantes!

3 La Collection La Collection permanente d œuvres d art et des métiers d art de la Ville de Blainville est le symbole d une vitalité artistique et d une volonté affirmée de conserver un patrimoine artistique tangible. Pour ce faire, la Ville délimite le cadre de sa Collection permanente par trois grands axes afin d en faire un objet unique et distinct des autres collections privées ou publiques existantes. Ainsi, la Ville porte une attention particulière aux œuvres d art produites depuis la création de la ville (1968) à nos jours par des artistes nés, vivant ou ayant vécu dans la grande région de la M.R.C. Thérèse-De Blainville, et ce, en privilégiant les œuvres des artistes les plus engagés de la MRC. De plus, les disciplines phares de la Collection couvrent la peinture, la sculpture, la photographie, les techniques mixtes, la gravure, les oeuvres sur papier (aquarelle, pastel, etc.), les œuvres d art publiques et d intégration à l architecture ainsi que les objets d art issus des métiers d art. Les fonctions de la Collection permanente de la Ville de Blainville sont centrées sur l acquisition, la diffusion, la documentation et la conservation. Ainsi, la Ville fait l acquisition d œuvres et objets d art, dont l importance est significative dans le contexte du développement et de la spécificité de sa Collection. De même, elle voit à assurer une diffusion des oeuvres et objets d art dans les espaces publics municipaux. Finalement, la Ville documente et voit à la conservation des oeuvres et objets d art de sa Collection permanente. L objectif général de la Collection permanente de la Ville de Blainville vise avant tout, la médiation culturelle, c est-à-dire réduire l écart entre les artistes, leurs œuvres et les citoyens. Plus spécifiquement, la Collection a comme objectifs de : promouvoir les œuvres des artistes en les diffusant; familiariser les citoyens, les visiteurs tout comme le personnel aux différentes formes d expression artistique et leur permettre de connaître et d apprécier le travail des créateurs de la région; développer de nouvelles sensibilités et de nouvelles connaissances dans le domaine des arts; encourager la création d oeuvres originales; veiller à la sauvegarde du patrimoine culturel et artistique; présenter l évolution des arts de la région; contribuer à l esthétique des différents édifices municipaux; constituer un corpus d oeuvres et d objets d art diversifié et représentatif de la pratique artistique régionale.

4 - Saint-Augustine (2011) - Marc Archambault Photographie (modèle : Augustine Archambault, 5 ans) 36 x 24 po / 91,44 x 60,96 cm Acquisitions : Prix Bravo, Exposition annuelle de Club Photo Blainville, octobre 2011

5 Marc Archambault Photographe professionnel, Marc Archambault se spécialise dans le portrait d enfant de style contemporain. Préférant les séances photo à l extérieur, il s assure de toujours tirer le meilleur de la lumière naturelle pour mettre ses sujets en valeur. L art de Marc Archambault s aventure ainsi souvent dans la vie quotidienne. Il sait relever l unique, rendre visible la beauté de gestes simples, échapper au banal. Il embrasse un quotidien dépourvu d artifice, ses œuvres deviennent les échos d un moment vécu et initie le spectateur a un certain regard réjouissant sur la vie. L œuvre Saint-Augustine 1/5 (2011) participe à cette esthétique du quotidien. Une fillette occupe tout le plan de l image. La photo semble avoir été prise lors d une journée de plaisir en plein-air où toutes les permissions furent accordées. L enfant est maculée de terre, de sable; ses vêtements et ses cheveux sont mouillés et ce grand sourire qu elle affiche montre à quel point elle est heureuse de cet état de liberté. Instantanément, cette image est perçue comme une invitation à célébrer la vie. En éternisant ce moment, Marc Archambault propose une image qui contient une part de rêve, de souvenir, d innocence à retrouver. Le temps est peut-être suspendu ici, mais l image n est pas statique pour autant : on entend presque les rires, on s imagine facilement les sauts, la course, les danses, etc. Le cadrage rapproché accentue l effet de complicité déjà inscrit dans l œuvre par le regard soutenu de la jeune fille. Marc Archambault a pris l habitude de retravailler ses photos à l aide de logiciel de traitement d images tel que Photoshop afin d accentuer certains éléments ou proposer une œuvre correspondant à sa sensibilité du moment. Membre du Club Photo Blainville, il a participé à diverses expositions où il s est illustré notamment au concours annuel de photo de la Ville de Blainville en 2011, où il a remporté quatre prix.

6 - Par vents et marées (2007) - Louise Bariteau-Grannary Eau forte et gaufrage 18 x 13 po / 45,5 x 33 cm Acquisition : comité des acquisitions de la Collection permanente, décembre 2008

7 - Kiamika (2009) - Louise Bariteau-Grannary Eau forte et gaufrage 22 x 35,5 po / 56 x 90 cm Acquisition : comité des acquisitions de la Collection permanente, novembre 2010

8 Louise Bariteau-Grannary Louise Bariteau-Grannary est fascinée et inspirée par les effets du vent et du givre sur l eau et la végétation. Ces forces, tantôt violentes, tantôt tranquilles, inscrivent leur trajectoire propre dans la matière et témoignent du passage du temps, des saisons, des années. Afin de rendre cette troisième dimension intrinsèque à la nature, l artiste expérimente diverses techniques à même une œuvre. Ainsi elle trouve dans l association entre le pochoir, la gravure à l eau forte et le gaufrage de papier, une possibilité de rendre les dénivellations et les reliefs de la matière ou l âpreté des surfaces qu elle découvre dans son environnement naturel. Attirée par la trace des conditions difficiles auxquelles est soumis l environnement, ses œuvres deviennent les témoins du théâtre de la nature se dévoilant en des images frôlant parfois l abstraction. Pour l estampe à l eau-forte Par vents et marées (2007), l artiste dit s être inspirée du tsunami dévastateur ayant frappé l Indonésie en septembre Cette catastrophe naturelle met en scène l eau, l air, la terre, des acteurs récurrents dans l imaginaire de Louise Bariteau Grannary. Des estampes sous formes de triptyque composent la partie supérieure de l œuvre. Les formes et la palette chromatique minimaliste de ces cartouches, composées de lignes organiques noires, bleues et vertes, évoquent des restes d algues et de débris emportés par les vagues. Mais l artiste prend également soin de renforcer le mouvement naturel par un élégant gaufrage du papier qui peut être à la fois ressac des eaux, ondulation végétale ou fossile. L idée ici étant de nous laisser emporter, bien au-delà du figuratif, dans la danse tourbillonnante à laquelle nous convie la nature. Dans Kiamika (2009), estampe acquise en 2010, l artiste ancre cette fois son propos dans son propre pays en immortalisant la vitalité de l un des beaux cours d eau du Québec. «La rivière Kiamika symbolise pour moi le mouvement, la fluidité C est un tourbillon d énergie et de vie» dit-elle. On reconnait bien ici son intérêt pour un paysage sauvage, fascinant par sa grandeur et sa force brute. Telle une invitation à l aventure, le large panorama offert par l œuvre est un éloge à notre pays de forêts, de lacs et de rivières. Elle a d ailleurs comme préoccupation la préservation de ces beaux espaces naturels, menacés par la déforestation et la coupe à blanc. Louise Bariteau Grannary a perfectionné sa formation en estampe à l Atelier de l Île de Val-David et a remporté le Prix Oliver Martin décerné par le Conseil québécois de l estampe (aujourd hui ARPRIM). À deux reprises, ses créations ont été sélectionnées pour la Biennale de gravure l Art et le Papier à Ottawa. Ses œuvres peuvent être vues, entre autres, dans les collections de la Bibliothèque nationale du Québec et de l Université d Ottawa.

9 - Geisha (2009) - Roland Benoit Techniques mixtes sur toile 25,8 x 13,8 po / 65,5 x 35 cm Acquisition : comité des acquisitions de la Collection permanente, décembre Portrait II (2009) - Roland Benoit Techniques mixtes sur toile 29,9 x 24 po / 76 x 61 cm Acquisition : comité des acquisitions de la Collection permanente, décembre 2009

10 - Stabilia (2011) - Roland Benoit Acrylique sur canevas 30 x 30 po / 76,2 x 76,2 cm Acquisition : comité des acquisitions de la Collection permanente, 2011

11 Roland Benoit Roland Benoit est peintre et illustrateur professionnel. Il est né à New Liskeard, un village à minorité francophone dans le nord de l Ontario et habite au Québec depuis Après l obtention d un Baccalauréat en arts à l Université de Montréal, il œuvre dans le domaine des communications, notamment à titre de rédacteur et illustrateur tout en poursuivant sa formation en arts visuels (dessin, peinture et techniques mixtes). Tout au long de sa carrière artistique, certains thèmes le préoccupent et l inspirent davantage comme les valeurs sociales, les relations humaines, l identité et la spiritualité. Sa carrière artistique se déploie clairement en deux étapes distinctes. Les premières toiles de l artiste ayant entré dans la collection de la ville, Geisha (2009) et Portrait II (2009) furent réalisées par techniques mixtes ce qui permet alors au peintre de créer de multiples textures, d employer une vaste gamme de couleurs et de traiter les surfaces en différentes manières. Les plans rapprochés des deux visages sont comme des fenêtres ouvertes sur des espaces ou des paysages intimes criant particulièrement le défi que représente l affirmation de notre identité personnelle. L artiste est fasciné par les forces, les limites insondables, les dualités qui habitent l être humain. La riche gamme de possibilités offerte par l adjonction de plusieurs techniques au sein de l œuvre permet selon l artiste blainvillois, de mieux représenter cette complexité de l être puisqu entre eux, les médiums s influencent créant une certaine dynamique et des œuvres hautement expressives. L œuvre Geisha (2009), réalisée à l acrylique, au pastel et au fusain évoque selon lui le multiculturalisme, notamment à Blainville. «En effet, plusieurs nouveaux résidents proviennent de différentes communautés ethniques et cette diversité culturelle enrichit notre communauté», explique Roland Benoit. La référence ethnique ajoute ici une portée universelle à sa réflexion. Ici, la geisha japonaise bien reconnaissable avec ses attributs habituels tels que le fard blanc au visage et les lèvres peintes en rouge est porteuse des mêmes dualités et limites intérieures que celles qui nous assaillent tous, et ceci peu importe l origine ou l appartenance culturelle. Le portrait androgyne et anonyme intitulé Portrait II (2009), aussi réalisé en techniques mixtes est particulièrement expressif. Produit d une gestuelle libre et spontanée, l œuvre présente un personnage au regard éloquent de tristesse et à la bouche inflexible, toute d émotion contenue. D une expressivité reconnue, cette toile à la fois sombre et lumineuse est entrée dans la collection de la ville après avoir remporté le Prix Bravo lors de l Exposition annuelle de Blainville-Art en novembre 2009 ainsi que les deux Prix du jury, composé d artistes professionnels pour la plupart membres de l Académie internationale des beauxarts du Québec.

12 Roland Benoit (suite) Pétri de talent et fort des reconnaissances qu il acquiert au cours des années, Roland Benoit se réinvente autour de Marquant la rupture esthétique radicale qui intervient alors, il adopte le pseudonyme YARO qui semble faire écho à la simplification à laquelle il soumet alors son art. Il opte définitivement pour la technique de l acrylique et revient à ses premières amours, le travail d illustrateur, en proposant des œuvres stylisées, épurées, aux couleurs éclatantes. C est toujours l humain, les visages, les corps qui l inspirent mais traités dorénavant de façon beaucoup plus graphique, en quelques larges traits divisant les éclatants champs colorés. Sur des toiles au fond noir, de grands corps contorsionnés font milles-et-une acrobaties flottant dans des espaces plans monochromes. D apparence plus ludique c est quand même toujours aux défis que comportent la vie dans la société contemporaine que nous confrontent ses œuvres. Selon les mots de l artiste : «Le corps de mes personnages sont des symboles. La multiplication ou l amplification des membres supérieurs et inférieurs, l absence du tronc, les disproportions ainsi que les distortions du corps évoquent différentes réalités : notre rythme de vie accéléré, nos activités multiples, l omniprésence du divertissement, notre quête d équilibre et d intériorité». L œuvre Stabila (2011), acquise par la Ville de Blainville en 2011, présente cette deuxième phase de la carrière de Roland Benoit /YARO. De l esperanto, stabilia signifie stable. C est une quête ici, une bravade face à la vie. Toutes ces prouesses, ces contorsions, ces acrobaties effectuées pour tenter de maintenir un équilibre dans notre vie. C est dorénavant avec plus d humour, de détachement, tel un clin d œil entendu, que YARO présente ses réflexions qui n en sont pas moins pertinentes. Artiste accompli, il donne aussi parfois dans l installation contemporaine avec toujours ce même défi, explorer la complexité de l âme humaine. Accumulant prix et reconnaissances, YARO est très présent sur la scène artistique canadienne et internationale. Il est membre d importants regroupements artistiques comme le Regroupement des artistes en arts visuels (RAAV), l Association des illustrateurs et illustratrices du Québec (AIIQ), le Conseil de la culture des Laurentides (CCL), etc. Il a participé à de multiples expositions solos et collectives au Canada et à l international (Corée du Sud et Croatie, 1999). Ses œuvres sont disponibles en galerie et figurent parmi des collections publiques et privées.

13 - Sans titre, 81/130 (2009) - Adeline Bosnière Verre, graphisme, collimage et peinture 7,5 po de diamètre / 19 cm de diamètre Acquisition : don du comité organisateur de la 44e Finale des Jeux du Québec-Hiver 2009 à la Ville de Blainville (ville-hôtesse), mars 2009

14 Adeline Bosnière Adeline Bosnière est une artiste peintre collagiste d origine française établie au Québec depuis la fin des années Étudier, découvrir et voyager seront des activités qui la porteront des années durant. Après avoir visité le Canada et ses provinces, elle suit pendant plusieurs années des ateliers d art en graphisme, en décoration et en photographie à travers le monde. Ses voyages la porteront de la France vers l Amérique du Sud où elle vécut quatre ans. D abord, c est avec la peinture qu elle se met à créer et cela avec différents médiums. Mais bientôt, elle entreprend des études en arts visuels et médiatiques à l Université du Québec à Montréal pour renforcer ses connaissances et apprendre d autres techniques comme celle du travail du verre. Ensuite, ce sera l amour de la terre qui l amènera à poursuivre un Diplôme d études collégiales en métiers d arts (pratique céramique) à la Maison des métiers d art de Québec. Les créations de cette artiste bénéficient toujours de cet alliage de connaissances qu elle a accumulé grâce à une grande soif d apprendre. Pour commémorer la 44e Finale des Jeux du Québec-Hiver en 2009, Adeline Bosnière fût l artiste choisie pour créer une série limitée de cent-trente pièces toutes faites à la main et donc toutes uniques. L œuvre Sans Titre (2009) que possède la Ville de Blainville est le 81e exemplaire de cette série. Elle fût offerte au comité organisateur de l événement car Blainville était l une des trois municipalités hôtesses de ces jeux. Dans un procédé de collage et de peinture, la pièce composée de verre, présente selon l artiste un chronomètre symbolisant à la fois le dépassement, la compétition et le compte à rebours de l événement luimême (44e Finale). Les armoiries des trois municipalités hôtesses (Blainville, Rosemère et Sainte-Thérèse) ainsi que le logo de l évènement sont aussi mis en évidence, le tout afin de créer un souvenir unique et des plus appropriés. Dans le même esprit, on lui doit aussi plusieurs autres œuvres du genre créées pour souligner le 400e anniversaire de la ville de Québec en Ces objets furent distribués partout dans les boutiques de la Ville de Québec, dans les aéroports et dans plusieurs endroits touristiques. Adeline Bosnière est donc à la tête de plusieurs projets d envergure grâce à son art multidisciplinaire. Elle a aussi entre autres exposé en 2011 avec le Regroupement des artistes de Rosemère à l occasion du Salon des arts du printemps à la Maison Hamilton. Pour cet événement, elle présentait deux installations contemporaines, notamment Utopia, une représentation féminine en métal, porcelaine et fibre de verre 1. 1 Site le Portail des artistes où les créateurs fournissent des informations sur leur démarche et leurs œuvres :

15 - Hémocyanine (2009) - Francine Bouchard Polymère, aquarelle, acrylique, crayon Conté et intégration de papier de soie sur toile 20,7 x 24 po / 51 X 61 cm Acquisition : comité des acquisitions de la Collection permanente, décembre 2009

16 - Place Saint-Marc, Venise (2010) - Francine Bouchard Aquarelle, polymère et papier de soie sur carton Strathmore x 18 po / 36 x 46 cm Acquisition : comité des acquisitions de la Collection permanente, novembre 2010

17 - Petite cascade (2013) - Francine Bouchard Aquarelle sur papier Winsor et Newton 22 x 15 po / 56 x 38 cm Acquisition : comité des acquisitions de la Collection permanente, 2013

18 Francine Bouchard Après l obtention de son Baccalauréat en arts visuels et de sa Maîtrise en éducation, Francine Bouchard a enseigné les arts plastiques au primaire et au secondaire pendant près de trente ans. Maintenant retraitée, elle continue d enrichir son langage plastique par divers ateliers de perfectionnement avec de multiples artistes de la région qui savent la stimuler. Son perpétuel besoin d expérimenter la pousse à explorer l huile, l acrylique, la sérigraphie, la photographie et les médiums mixtes. Cependant Francine Bouchard convient que c est avec l aquarelle qu elle entretient sa relation la plus fidèle. Cette technique lui permet de jouer avec la lumière, de faire vibrer les pigments et de les faire interagir entre eux sur le support. Elle n hésite toutefois pas à intégrer de l acrylique, des papiers ou autres éléments aux pigments d aquarelle pour donner du relief ou de subtils détails à ses travaux. Depuis plusieurs années, Francine Bouchard est séduite par les représentations de paysages qu elle veut originalement cadrer et structurer. L œuvre Petite cascade (2013) fût inspirée à l artiste par l histoire de Métis-sur-Mer, village anglophone du Bas-Saint-Laurent, autrefois très fréquenté par les vacanciers. L artiste a en mémoire l opulence et la popularité des hôtels du village : le Boule Rock Hotel, le Hillside Inn, le Seaside House mais surtout le Cascade Hotel, érigé sur le bord de fleuve à proximité de la vive rivière Cascade et de sa chute d eau. Les hôtels sont aujourd hui disparus, abandonnés, démolis mais la petite rivière Cascade continue son inlassable déferlement dans le fleuve. Cette œuvre, tel un memento mori, souligne à sa façon l éphémérité des entreprises humaines et la résilience de la nature. Peinte avec la technique du mouillé sur mouillé, l aquarelliste a, en deux étapes successives, imbibé son papier d eau et s est servi de la fluidité des liquides pour appliquer ses pigments et rendre le mouvement de la cascade ainsi que l aspect évanescent des éléments vermoulus de sa composition. Ce n est qu après l étape du séchage que l artiste a peaufiné son travail en ajoutant à sec, certains détails dans les troncs d arbres et les hachures dans les rochers. La lumière vivace et les tons frais du feuillage tout printanier nous apparaissent comme une promesse d avenir plutôt optimiste dans ce paysage symbolique. Place Saint-Marc, Venise (2010) invite au voyage. Elle représente une aquarelliste qui peint sur une place publique. Les lignes de la composition dirigent le regard vers la basilique à l extrême droite, équilibrant ainsi la masse plus sombre à l avant plan, là où se tient l artiste. Les hautes colonnes et l arche que l on devine, enveloppent aussi le sujet principal et mettent en évidence la concentration et le recueillement de l aquarelliste à l œuvre. Un véritable sentiment de sérénité se dégage alors de la scène.

19 Francine Bouchard (suite) Hémocyanine (2009) est une œuvre abstraite pleine de mouvements. Cette œuvre, antérieure aux deux autres, rappelle une préoccupation constante de Francine Bouchard, celle de rendre sur toile les émotions qui l habitent et qui souvent dirigent son geste et font danser les couleurs dans ses créations. Ici l artiste explique qu elle réfère à la vie, la nature qui se modèle, se transforme et se façonne constamment. La réalité physique est ici transcendée au profit d un enchevêtrement d ocre, de bleu et d orangé qui évoquent mer, vent, végétation ou flambé, coagulant en une image suggestive et énergisante. Réalisée en techniques mixtes particulièrement variée, cette œuvre fait foi de l étendue de la maîtrise technique de l artiste. Les expositions auxquelles Francine Bouchard a participées se comptent par dizaines : Blainville-Art, Rose-Art, Le Carrefour des Arts, Symposiums de Sainte-Rose et de Rosemère, L Aquarelle en fête au Parc des Prairies avec l Atelier d Aquarelle Le Partage, exposition solo au Bureau des Ingénieurs à Saint-Janvier en 2008, etc. Elle a remporté de nombreux prix et mentions, dont entre autres le Prix Coup de cœur à l AREQ à la vieille Gare de Saint-Jérôme en 2011, le Premier prix à l Exposition annuelle 2008 de Blainville-Art et la mention «Aqua-découverte» pour l œuvre Hémocyanine (2009) à l Exposition de l Atelier d Aquarelle Le Partage au Pavillon du Bois Papineau (Laval) en Francine Bouchard est membre de l Atelier d Aquarelle le Partage, de Rose-Art ainsi que de Blainville-Art. De même, elle est membre du comité organisateur de l exposition de l AREQ à St-Jérôme depuis Ses œuvres ont intégré quelques collections publiques dont celles de la ville de Laval en 2011, de Blainville en 2009 et 2010, de l Industrielle Alliance à Québec en 2009, etc.

20 - Tracer le temps (2009) - Nancy Bourassa Acrylique, impression photographique sur papier marouflé, traits à la scie et sablage sur panneau de bois 48 x 48 po / 122 x 122 cm Acquisition : comité des acquisitions de la Collection permanente, novembre 2010

21 Nancy Bourassa Diplômée de l Université du Québec à Montréal en arts visuels et médiatiques, Nancy Bourassa a complété sa formation à l École supérieure des arts décoratifs de Strasbourg (France) en Forte de ces années de formation, l artiste laurentienne élabore une production multidisciplinaire où se côtoient interventions picturales et éléments photographiques agrandis, transformés puis collés. Intéressée par l histoire, le passé, les souvenirs que l on en garde, elle propose dans ses œuvres une réflexion sur la mémoire et sa capacité à conserver, récupérer et oublier. À partir d indices photographiques évoquant le souvenir d un lieu, d une topographie fictive, Nancy Bourassa exploite une grande variété de techniques comme l empâtement, le lavis, les traits à la scie et le collage. La perspective photographique initiale s en trouve trompée et le paysage devient alors surréaliste, l univers, hétéroclite. Notre lecture de l œuvre est alors brouillée, incertaine, analogue à une rêve, un souvenir dont il ne nous reste que des bribes. Tracer le temps (2009) fait partie d une série réunissant une vingtaine d œuvres réalisées en collaboration avec la Société d histoire et de généalogie des Mille-Îles. Ces œuvres sont toutes inspirées de photographies d archives présentant divers lieux du paysage laurentien sur lesquelles l artiste intervient pour ajouter des masses de couleurs ou extraire certaines parties, en les masquant, les coupant à la scie, les rayant, les barrant de traits énergiques suggérant une perte d information brouillant les pistes reconnaissables du lieu. L œuvre est selon Nancy Bourassa «le résultat d une réflexion sur le thème de l identité et de la perte d informations liées au temps et à l histoire. [ ] et illustre bien le mouvement et l évolution continuels de [son] environnement.» Il y a une notion de temporalité manifeste dans cette œuvre, le temps laisse une trace, crée un fossé entre nous et l histoire, entre notre réalité et le passé. Ce temps, ces heures, ces jours, ces années qui coulent semblent être un processus actif au cœur du propos de Nancy Bourassa. De manière métaphorique, les ouvertures découpées à même le support du tableau prolongent la lecture processuelle de l œuvre vers celle de la réflexion, de la gestation. Tracer le temps (2009) est un univers en formation, un passé qui s éloigne tranquillement, un souvenir qui s efface avec le passage du temps. Bien qu elle n ait pas la prétention d apporter de réponse, l artiste espère toutefois soulever une réflexion sur ces différentes problématiques. Artiste professionnelle, Nancy Bourassa a plusieurs expositions à son actif entre autres au Musée d art contemporain des Laurentides, à la Galerie de l UQAM, à la Galerie d art de Blainville, à la Maison Lachaîne, à Praxis Art Actuel, etc. En 2011, elle réalisait une œuvre à la Maison du citoyen et Place de la culture à Boisbriand dans le cadre de la Politique d intégration des arts à l architecture et à l environnement des bâtiments et des sites gouvernementaux et publics. Lauréate du Concours Jeunes artistes en arts visuels du Musée d art contemporain des Laurentides, elle fût aussi boursière du Fonds des Laurentides du Conseil des arts et des lettres du Québec (2008), du Conseil de la culture des Laurentides (2004) et de la Fondation McAbbie de la Galerie de l UQAM (2003). Ses œuvres sont présentes dans de multiples collections dont la Collection Loto-Québec.

22 - Fantaisie (2013) - Johanne Bourgie Huile sur toile 47 x 23,5 po / 120 x 60 cm Acquisition : comité des acquisitions de la Collection permanente, 2013

23 Johanne Bourgie Grande créatrice, Johanne Bourgie exerce ses talents depuis plus de quarante ans dans diverses disciplines artistiques. Après l obtention d un Baccalauréat en beaux-arts (Major Art Education) de l Université Concordia de Montréal et d un Baccalauréat en arts plastiques de l Université du Québec à Montréal, Johanne Bourgie se voue pendant une dizaine d années à l éducation des arts plastiques. Puis, l enseignement ne suffisant plus à transcender son expression artistique, la couture et le design de mode sont devenus des médiums venant complémenter sa production picturale. S ouvraient alors devant elle des années prolifiques où le succès autant de sa peinture que de ses collections de vêtements et d accessoires haut de gamme (la griffe Bourji) lui apportèrent une grisante renommée. Pendant des années, défilés de couturiers québécois, émissions de télévision, réalisations de fresques, contrats de publicité et expositions de peintures se succédaient au grand bonheur de l artiste qui pouvait alors communiquer sa passion pour l art en diverses facettes. Désormais peintre à temps plein, Johanne Bourgie n a rien perdu de son talent et de sa capacité à allier ses différents univers de prédilection soit la peinture à l huile et la mode. Très inspirée par le corps humain et les visages, les œuvres de Johanne Bourgie proposent un univers à la croisé de ces deux domaines. Dans un style figuratif à l esthétique soignée, la peintre crée des personnages d une beauté rare qui souvent nous interpellent du regard. L histoire du costume ainsi que les différentes influences découvertes au cours de ses nombreux séjours en Inde, Népal, Moyen-Orient, Asie et Indonésie sont autant de sources d inspiration pour la tenue vestimentaire de ses personnages, un élément clé de ses créations picturales. L œuvre Fantaisie (2013) présente une jeune femme presque de plein pied dans une pose frontale bien campée. Concentrée sur les tons de terre et d ocre, la palette chromatique est d une harmonie sans faille créant une unité entre le fond et la forme. Il se dégage de cette toile une belle originalité, ne serait-ce que par la tenue et la coiffure du modèle mais aussi, surtout, une envoûtante douceur évoquée dans le regard et l harmonie visuelle de l ensemble. Souvent, la peintre rehausse le fini très léché et les couleurs appliquées parcimonieusement, par la superposition de minces couches de glacis. Ceci a pour effet de conférer un indéniable réalisme au modelé des formes qu elle peint et à la carnation de la peau de ses modèles. Johanne Bourgie, cette artiste-styliste maniant autant les pinceaux que les ciseaux fût entre autres lauréate du Premier Grand Prix 2008 en réalité figurative au Concours-Gala du CAPSQ. Elle expose régulièrement ses créations dans certaines Maisons de la Culture, au Complexe Desjardins et autres établissements renommés.

24 - Les petits poissons (1996) - Patrick Brazeau Acrylique et aérographe sur carton 33 x 26 po / 83,82 x 66 cm Acquisition : Exposition annuelle de Blainville-Art, novembre 1996

25 Patrick Brazeau Patrick Brazeau est un homme passionné. Le dessin étant son activité préférée lors de son enfance, il exercera, durant les années 90, la profession d illustrateur, dans le domaine publicitaire et de l édition, après avoir complété des études en graphisme et illustration au Collège Salette de Montréal. Il partage alors son temps entre cette carrière qui le stimule et une production artistique personnelle où sa fibre d illustrateur transparait. L acrylique a toujours été son médium préféré. Il utilise celui-ci en mixmédia et l applique sur sa toile principalement à l aide d un aérographe, un pistolet à peinture miniature. L aérographe (airbrush en anglais) permet de peindre ou colorer n importe quel support à l aide d une infinité de médiums (peintures, pigments, encres) sans contact avec le support. Aussi rapide et facilitant que cela puisse paraître, «cette technique de peinture nécessite beaucoup de temps de préparation pour la composition, le positionnement des éléments, le test de couleurs, la fabrication des gabarits et découpes des caches Frisk Film pour vaporiser ou cacher certaines sections de l œuvre», dira l artiste. Les couleurs pulvérisées s étendent ensuite en fines couches sur le support en des formes aux lignes très précises. Par la minutie que la technique permet, il est alors possible de produire des variations infimes, des nuances variées et une multitude de détails sur la toile. Une œuvre comme Les petits poissons (1996), par la solidité de son graphisme, rappelle le travail de l illustrateur qui a dû apprendre par lui-même, avec patience et détermination, la technique artistique de l aérographie. Le paysage surréaliste qui est présenté dans l œuvre de Patrick Brazeau trahit les influences artistiques de l homme. Goya, Dali, Miro, Magritte et son préféré Max Ernst, lui prouveront qu en art, il n y a pas de limite à l imagination. Ces artistes, dont il découvre les œuvres dans les livres, vont lui permettre de croire que l art, peu importe le médium, est avant-tout une exploration intérieure. Ses œuvres représentent donc toujours des scènes imaginées où tout est possible, où des éléments disparates, loufoques, ludiques, surdimensionnés se révèlent dans l œuvre. Jamais il ne copie la nature, c est de son imaginaire qu il se nourrit. Ici, ce sont des piranhas sur une plage du sud que l artiste a produit. Les poissons féroces se profilant sur un ciel orageux, sautent de l eau à des hauteurs vertigineuses. Ils ont aussi commencé à grignoter les feuilles de palmiers alors qu ils sont carnivores. Cette composition, dans une ambiance de chaleur tropicale, se veut une caricature de la férocité et de l imprévisibilité de la nature, toujours plus forte que l homme. C est un rappel humoristique mais tout-de-même une mise-en-garde. Avec cette toile, Patrick Brazeau remportait le Premier prix lors de son exposition à Blainville en Les toiles de l artiste se sont toujours fait remarquer. Déjà sa première toile en 1994 lui avait mérité le Troisième prix l année précédente, lors du même événement. Il a réitéré en 1997 et 1998 et s est encore mérité mention honorable et Prix du jury. À la fin des années 90, le domaine du graphisme était en pleine transition informatique et l illustrateur a dû suivre d autres passions pour gagner sa vie. Il avoue ne plus avoir beaucoup de temps pour produire de nouvelles œuvres mais son désir de peindre est toujours aussi vif. Plusieurs œuvres non terminées l attendent d ailleurs quelque part

26 - Départ III (1996) - Diane Brodeur Crayons de bois, pastel et crayons Conté sur bois 13,5 x 11,75 po / 34,5 x 30 cm Acquisition : Exposition annuelle de Blainville-Art, novembre 1996

27 - Vie de chat (2007) - Diane Brodeur Techniques mixtes, acrylique et collage 35,5 x 35,5 po / 90 X 90 cm Acquisition : Soirée annuelle des employés, décembre 2007

28 Diane Brodeur Artiste professionnelle et polyvalente, Diane Brodeur a entrepris sa carrière artistique au début des années Ses recherches picturales l ont menée tant du côté de la peinture à l huile, de l acrylique et du collage, que de celui de la sculpture et de l installation. Ayant bénéficié de divers ateliers d enseignement entre autres avec Françoise Sullivan (L Art de l Abstraction en 2003) ou Françoise Belu (Formation en techniques mixtes en 2001), Diane Brodeur excelle dans l association de la figuration et d univers totalement abstraits. Animée par l audace des artistes surréalistes, elle n hésite pas à proposer des œuvres déroutantes souvent inspirées de photographies personnelles qu elle intègre à ses tableaux pour créer des univers éclatés. De plus, en multipliant et mixant les techniques, elle complexifie ses compositions qui deviennent des zones méditatives où l humain (voire la vie) se voit décuplé dans le temps et dans les plans. Souvent ses tableaux ont mis en scène des personnages mystérieux, des momies qui émergent de bandelettes, tel Lazare ressuscitant. D autres fois, ce sont des archétypes humains comme un prêtre, un soldat, une princesse qui sont mis en scène et rejouent une histoire mystérieuse et souvent dramatique. Ils sont toujours situés quelque part dans un espace-temps plus ou moins déterminé car ses tableaux régulièrement d assez grands formats, juxtaposent différents épisodes en simultanéité, invitant le regard à en faire une composition personnelle. La lecture se veut subjective comme la création de l œuvre le fût, produit de la sensibilité de l artiste, de son lieu intérieur métaphorique. Vie de chat (2007) est à rapprocher de cette démarche. Quoique réalisée en directe lors d une soirée donnée en l honneur des employés de Blainville, la toile reprend la structure traditionnelle des œuvres de l artiste, celle des plans successifs qui viennent créer une mosaïque au sein d une même scène. Parmi les techniques utilisées, on décèle le collage de fibres textiles et de papiers texturés qui confèrent un aspect tridimensionnel à ses créations. À certains endroits, la surface est délicatement grattée afin d enlever de la peinture et de laisser apparaître le support entoilé. L adjonction de textes, de traits de crayon, de pastel, d encre et d acrylique ont pour effet de diversifier la touche et dynamiser la toile. Ici un paisible chat arborant une médaille au nom de Blainville ainsi que les tonalités sombres et sereines de bleu, vert et brun du tableau, évoquent, selon l artiste, le bienêtre de vivre à Blainville, une ville qui a su sauvegarder sa proximité avec la nature. Mais libre au spectateur d y lire une autre signification car c est bien à cette liberté que convient les espaces oniriques créés des mains de Diane Brodeur.

29 Diane Brodeur (suite) L œuvre Départ III (1996) est à placer en dehors de cette démarche actuelle de l artiste. Cette œuvre réalisée en 1996 témoigne tout-de-même des inclinaisons précoces de l artiste pour les créatures mystérieuses et surréalistes. Elle fût réalisée spontanément à partir du veinage naturel du bois. Soulignant avec attention ces dessins naturels par du pastel et des crayons de bois, Diane Brodeur a développé les différentes têtes d oiseaux qui se présentaient à elle. Les nœuds de bois sont devenus des yeux et des nervures ont émergé les becs et les ailes des volatiles. Diane Brodeur explique qu au sein de cette œuvre, le départ est représenté par l envolée des oiseaux qui, pour l artiste, représente un renouveau, un essor. Les couleurs très vives et variées participent à la vibration de l œuvre et en font un tableau ludique qui fût apprécié lors de l Exposition annuelle de Blainville-Art en 1996, puisque c est à la suite de l attribution du Deuxième prix du jury que l œuvre de Diane Brodeur a intégré la Collection de la Ville. Investie dans le champ artistique à plusieurs niveaux, Diane Brodeur est membre de l Association internationale des arts plastiques (UNESCO), du Conseil de la sculpture du Québec, du Regroupement des artistes en arts visuels du Québec (RAAV), etc. Elle a aussi présenté ses œuvres à l occasion d expositions solos, entre autres à la Galerie Olivier-Martin (Montréal, 2001), au Centre d artistes autogéré Praxis Art Actuel (Sainte-Thérèse, 2003), à la Galerie d art de Blainville (2004 et 2008), à Sainte- Adèle (2010) et à d encore plus nombreuses expositions collectives ici et en Europe dont le Festival Recycl art de Montpellier où elle a présenté certaines sculptures. Ses œuvres se retrouvent dans de nombreuses collections publiques et privées au Québec et en Afrique (Abidjan) dont la collection Desjardins.

30 - Isomorphe I et Isomorphe II (2007), diptyque - Micheline Brodeur Marbre de Garfagnana (Saravezza, Italie), marbre noir (Modave, Belgique) et bois de cèdre teint en noir 36 po x 36 po / 91,44 x 91,44 cm (sur son socle) 72 po / 182,88 cm de haut Acquisition : don de l artiste, 2014

31 Micheline Brodeur Née à Saint-Hyacinthe, la peintre et sculpteur Micheline Brodeur est diplômée de l École des beaux-arts de Montréal et de l Université du Québec à Montréal. Durant cinq années, avec son conjoint, le sculpteur Claude Meloche, elle s est installée en Italie pour profiter d une formation en perfectionnement de sculpture sur marbre. Parallèlement à sa carrière d enseignante aux niveaux secondaire, collégial et universitaire (Université du Québec à Trois-Rivières), Micheline Brodeur fera figure d exception dans le panorama de la sculpture québécoise monumentale des années 80. Le domaine de la sculpture était alors peu ouvert aux femmes. Si aujourd hui, plusieurs artistes féminines sont reconnues dans ce domaine artistique, peu de celles des générations précédentes figurent dans les ouvrages ou les expositions d envergure. La plupart des sculptrices qui se sont aventurées dans cette voie à partir des années 70, l ont fait, pour la plupart, en utilisant des matières souples (le feutre, les fibres de papier, le plâtre). Mais pas Micheline Brodeur qui apprécie particulièrement la pierre. Cette artiste plasticienne, maintenant blainvilloise, a généreusement offert à la Ville de Blainville deux de ses sculptures. Installées au Centre récréoaquatique, Isomorphes 1 et Isomorphes 2 (2007) font dorénavant partie du quotidien des citoyens. Ces deux sculptures formant un tout, présentent tout le savoir-faire de l artiste dans le domaine de la taille de marbre. Provenant des carrières de Saravezza en Italie, le marbre de Garfagnana présente dans les deux cas une belle surface polie de couleurs rougeoyante. En jouant avec la géométrie pure, strictement abstraite, c est son intérêt pour la matière que l artiste met en lumière. Les deux pièces sont présentées comme étant des objets isomorphes, donc partageant une structure, une nature, des propriétés. Sans être identiques dans leurs formes, ces œuvres partagent tout-de-même une identité commune pas leur nature matérielle, leur aspect et leur appareillage en marbre noir de Belgique de la région de Modave qui semble à la fois s intégrer à et déborder de la pièce de base. Jouant sur ces contrastes, les masses inter-pénétrantes évoquent une possible accessibilité à un espace intérieur qui pourrait renfermer des secrets, des informations, un contenu autre, etc. Dualité d autant plus intéressante qu ici, les pièces marmoréennes monolithiques ont un aspect monumental, imposant, intimidant. La curiosité soulevée par ces éléments, la beauté de la matière et le reflet de lumière épousant les formes arrondies invitent tout au moins le spectateur à la contemplation. Micheline Brodeur est une artiste polyvalente. Si aujourd hui elle a cessé de sculpter la pierre, l artiste toujours aussi audacieuse continue de créer en réalisant des toiles à partir d éléments infographiques. Au cours de sa carrière, elle s est impliquée dans certains projets de sculptures monumentales dans le cadre de l intégration des arts aux édifices publics. Par exemple, elle réalisait en 1988 une sculpture signalétique pour la Galerie Expression de St-Hyacinthe. Reconnue du milieu artistique professionnel, elle a exposé depuis 1984 à de nombreuses expositions au Canada (Montréal, Lévis, Saint-Hyacinthe, Mont-Orford, Toronto, etc.) comme à l international (Londres, Italie). Ses œuvres font partie de nombreuses collections privées et corporatives comme celles de le Fondation Girardin-Vaillancourt (Complexe Desjardins, Montréal) et de la Fédération des Caisses populaires Desjardins (St-Hyacinthe).

32 - Abstraction (2007) - Élise Caron Acrylique sur toile 30 x 30 po / 75 x 75 cm Acquisition : comité des acquisitions de la Collection permanente, 2012

33 Élise Caron Diplômée de l Université Concordia (Baccalauréat en illustration et design graphique), Élise Caron s est aussi perfectionnée en art oriental (histoire de l art oriental / calligraphie chinoise et japonaise) au département des Études de l Asie de l est à l Université de Montréal en plus de recevoir l enseignement privé du maître chinois M. Yung Lew sur la philosophie chinoise. Plus tard, en 2003 et 2004, l artiste adjoint à cette formation, des classes de maîtres sur l art abstrait avec la renommée Françoise Sullivan, cosignataire du Refus global (1948). À la jonction de tous ces domaines, elle conçoit au fil des ans, un art à la signature bien particulière. Combinant la rigueur et l efficacité du designer, le dépouillement de l art oriental et l esthétique «hard edge» de l abstraction américaine des années 1960, Élise Caron propose une fusion entre deux mondes, entre l ancien et le moderne, entre l Occident et l Orient. Sa démarche est bien ancrée dans son temps, car il fréquent de remarquer aujourd hui, des propositions fondées sur l internationalité et l intemporalité. L art contemporain, comme le montre Élise Caron, ignore dorénavant les frontières et se nourrit de diverses cultures pour enrichir la lecture des œuvres. Abstraction (2007) de l artiste rosemèroise est ainsi un territoire oscillant entre illustration et expérience colorée où la planéité domine. Des plans envahis par la couleur structurent l essentiel de l œuvre. Dans la composition, un mince liséré ocre côtoie une vaste zone rouge éclatant qui s en trouve d autant plus stimulée. Ces plans de couleurs sont constitués de plusieurs minces couches de peinture acrylique que l artiste pose minutieusement en aplat sans créer d illusion de profondeur ni de perspective. En résulte un espace-plan abstrait, épuré, à la facture dépersonnalisée, qui invite le spectateur à «vivre» avant tout l expérience de la couleur, à jouir de celle-ci sans retenue. Mais toujours un élément, inscrit à l encre de Chine, vient fendre la toile et déjouer cette immersion totale. Ici la gestuelle reprend ses droits. De conception très orientale, des traits noirs abstraits parfois larges, gras, d autres fois légers, esquissés, traversent les champs de couleur. Ces traits, apparentés à la calligraphie, sont les signes visibles du Ch i : dans la philosophie orientale, cette énergie vitale de tout être doit être maîtrisée et projetée avec assurance. Ces signes, dans le tableau de Caron, évoquent, par le fragment qu ils décrivent, une nature organique ou une faune épurée, maîtrisée, paisible tout en délimitant souvent les différentes plages de couleur. Évoquant à la fois les espaces vides de la peinture zen, là où le néant se fait signifiant, et le principe de l art abstrait moderne qu est le «all over», les œuvres d Élise Caron sont un dialogue constant des cultures. Loin d être dérangeant, le résultat provoque davantage une contemplation méditative, comme lorsque le yin s apparie au yang. L artiste prend aussi soin de présenter ses tableaux en polyptyques. Quoique chaque œuvre soit unique et autonome, ce type de disposition décuple l expérience du spectateur et facilite son immersion dans l univers de l artiste.

34 Élise Caron (suite) Artiste professionnelle accomplie, Élise Caron a plusieurs expositions solos à son actif. Elle a entre autres été l artiste invitée de la Maison Paul-Émile Borduas (au Musée de Mont-Saint-Hilaire) en 2013, du Carrefour culturel Paul-Médéric à Baie-St-Paul aussi en 2013, du Musée Marius-Barbeau en Beauce en 2011, du Centre d exposition de La Maison du Village de Val-David en 2006, etc. Parmi les nombreuses expositions de groupe qui l occupent depuis 1997, mentionnons l Héritage de Borduas, huit artistes autour de Françoise Sullivan à laquelle elle participe au Musée des beaux-arts de Mont-Saint-Hilaire en Boursière du Conseil de la culture des Laurentides à plusieurs reprises, elle a été le sujet de nombreux articles dans La Presse, le Journal de Montréal et divers journaux locaux partout au Québec. Elle est membre du RAAV et du CARFAC et ses œuvres font partie de collections privées internationales et de collections gouvernementales ou d entreprises canadiennes, spécialement au Ministère des affaires étrangères (Ambassades canadiennes). Présente en galeries (La Galerie MX (Montréal), La Galerie Iris (Baie Saint-Paul), Las Olas Fine Arts (Fort Lauderdale), Onessimo Fine Arts (Palm Beach Gardens), elle collabore à différents projets professionnels comme en témoigne son panneau d interprétation artistique en pleine nature dans le sentier Miller à Rosemère.

35 - Un hommage au cheval (2010) - Hélène Caron Acrylique et pierre noire sur toile 35,5 x 19,7 po / 90 x 50 cm Acquisition : concours de signet de la Ville de Blainville, juin 2010

36 Hélène Caron Née à Laval, Hélène Caron a toujours été très inspirée par les animaux qu elle dessine déjà sans cesse dans sa jeunesse. Son intérêt pour les arts l a conduit à suivre plusieurs ateliers avec différents artistes. À la mi-vingtaine, elle réalise combien le cheval est important dans ses créations artistiques. Animal splendide, représentant la force, c est également un être de douceur pour l artiste aujourd hui blainvilloise et c est particulièrement cet aspect qu elle tente de communiquer dans ses créations. Mère de famille, l art est pour elle une échappatoire face aux petits soucis quotidiens. Selon ses dires, c est surtout une activité indispensable à son équilibre psychique 1. Expérimentant allègrement différentes techniques, elle réalise pourtant la plupart de ses toiles à l acrylique. L œuvre Un hommage au cheval (2010) a remporté les honneurs de l édition du concours de signet de la Ville de Blainville. Le concours offre l occasion aux artistes blainvillois désireux de marquer la scène culturelle locale de mettre leur talent en valeur en présentant des créations en dessin, peinture ou photographie. L animal est ici représenté sans bride, mais coiffé d une tresse. L artiste veut ainsi montrer que c est un cheval de compétition mais sans oublier que l animal est foncièrement un être de liberté. Si elle est restée attachée à l image de la noble bête, Hélène Caron a depuis l époque de Un hommage au cheval (2010), élargi considérablement son répertoire thématique et renouvelé son esthétique. Ses œuvres sont actuellement faites de techniques mixtes sur panneau de bois et présentent un mariage intéressant entre figuration et abstraction. Avec beaucoup de réalisme, elle peint, dans des tonalités de gris tel un dessin, des animaux, chevaux, vaches et autres qui se détachent chromatiquement des teintes attrayantes et intenses de l arrière-plan plus abstrait. Alors qu auparavant, c était la candeur de l animal qui l intéressait, ses toiles actuelles, d une expressivité sauvage, évoquent davantage la fougue des espèces ainsi qu encore et toujours la beauté de celles-ci. Hélène Caron a remporté quatre fois le Premier prix lors d expositions annuelles des villes de Boisbriand ( ), Blainville (2011) et Sainte-Anne-des-Plaines (2011). Depuis 2008, elle a pris part à de nombreuses expositions solos et de groupe au Québec et en Ontario. Ses œuvres, disponibles à la Galerie Beauchamp, Le Luxart et autres, font parties de plusieurs collections privées et corporatives dont First Union Bank (New York), Michel Larocque, Services financiers Lamy Inc., etc. 1 Site le Portail des artistes où les créateurs fournissent des informations sur leur démarche et leurs œuvres :

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