Le dessin et l usage du monde

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1 MONICA GALLAB

2 Le dessin et l usage du monde All the boys C est une longue tradition dans la peinture que de représenter la mer, au point que ce genre pictural porte un nom, celui de «Marines». Si l on veut bien y réfléchir, cela n a pourtant rien d évident : existe-t-il modèle plus indiscipliné? La mer, toujours en mouvement, comment la figer sur la toile? Monica Gallab puisait à l origine dans le vaste répertoire des images trouvées sur internet, mais filme désormais elle-même son sujet, pour en extraire ensuite une image toutes les demi-secondes protocole virtuellement infini : (même si la série ne compte pour l instant que six dessins de la mer, rappelons-nous qu il y a vingt-quatre images par seconde au cinéma! ) Belle illustration de la vanité qui guette celui qui voudrait saisir la totalité du monde sensible, ce paradoxe permet d élargir le point de vue à la condition humaine : notre existence ne ressemble-t-elle pas à une mer en constant devenir, avec ses hauts et ses bas (sa houle!), ses calmes et ses tempêtes, sa beauté et son ennui? Tenter d en suspendre le cours est folie, alors autant s accommoder d un passage au monde semblable à cette vague qui s élève timidement au milieu de l océan pour, l instant d après (une vie plus tard), retomber et se fondre dans l immensité aquatique d où elle venait d émerger. Cela relativise quelque peu les choses, non? Nous pouvons désormais considérer qu il est normal que tout passe un jour, même les amours! Et donc, au lieu de regretter ce que nous pensons avoir perdu (comme si nous possédions quoi que ce soit ), nous pouvons célébrer les moments passés nourrissant un patrimoine d autant plus précieux qu il est désormais immatériel. Voilà! Passant de l intime à l universel, la série nous présente une forme d hommage aux garçons aimés par l artiste, une fois l aventure achevée. Ni tristesse (on ne se noie pas dans son chagrin), ni déception (pas de tempête dans un verre d eau), mais une forme de célébration décalée, une salutaire commémoration. Alors, on fait une liste avec des numéros, et cet inventaire favorise le détachement : les chiffres dorés sont dessinés comme sur les monuments célébrant l héroïsme d une Nation (les petites histoires rencontrent ici la grande Histoire), et sont placés en diptyque avec le dessin (d un moment) de la mer rien de grave somme toute Ce qui est confirmé par le manque de préciosité du papier choisi, délicieusement kitsch dans sa teinte rose fânée. C est une clôture et non une rupture tragique, et chacun de ces amours prend la forme d une paire interchangeable avec les autres paires de la série : un chiffre/une image de mer. Particulièrement, les images de mer se ressemblent (pas d opposition manifeste entre un calme plat qui renverrait à une histoire banale, et une mer tempétueuse qui témoigneraient d une passion tumultueuse). Non, juste quelques petites différences, comme autant d imperfections contrariant la possibilité d une synthèse parfaite.

3 All the boys #1, détails, 2015 Crayon et ruban adhésif sur papier 64 x 45 cm

4 Untitled (Eden) L installation se compose d une série de dessins alignés en trois bandes horizontales. La première ligne rassemble de curieuses formes bleues, comme les déclinaisons d un motif sans cesse retravaillé. La deuxième ligne fonctionne sur le même principe mais avec des formes grises et mystérieuses. La troisième ligne égrène une suite incohérente de mots étranges : Atlantic, Barcelona, Bayside, Broadway drôle d abécédaire! Intrigué par cette première «lecture» de gauche à droite, considérons les dessins de haut en bas pour découvrir qu ils figurent le même objet, formant un sous-ensemble cohérent dans la composition. En effet, le premier dessin montre une piscine «de face», le deuxième reprend la même piscine «de profil», et le troisième en donne la «légende» ces objets ont un nom! Monica Gallab a donc décidé de s approprier les modèles d un catalogue de coques de piscines «en kit». D abord la forme et l étendue de l intérieur bleuté de la piscine «en plan». Ensuite, la profondeur et la longueur de l extérieur de la piscine «en coupe» (pas besoin de couleur ici car, la coque étant destinée à être enterrée, personne n en verra plus ce côté une fois le chantier achevé). Enfin, le nom du modèle afin de passer commande ou de rêver à l exotisme prometteur des appellations : Ceasars Palace, Canyon Lake, Crystal Beach, Desert Spring Mais à quoi bon recopier les modèles d un catalogue de piscines préfabriquées? Cependant, avant d aborder les questions d interprétation, le protocole mis en place par l artiste est suffisamment singulier pour que l on s y attarde encore un peu en identifiant les étapes président à l exposition des dessins. Sur base des plans exécutés par un designer en piscine, les coques ont été produites en usine. Elles font plusieurs dizaines de mètres carrés et occupent un volume spatial conséquent, comme on peut le constater sur leur lieu de vente, où elles sont présentées verticalement de façon incongrue pour leur usage (pas facile à remplir d eau!), mais justifiée pour leur promotion (le contour et les dimensions sont évidentes). Or, cette masse imposante, une fois enterrée dans le jardin de son heureux propriétaire, se réduira bientôt à un creux qu il faudra remplir d eau pour en avoir l usage (un bassin vide c est juste dangereux ) : un véritable retournement de situation! L eau troublera alors notre perception visuelle de la profondeur réelle de la coque, tandis que notre corps pourra faire l expérience de ce plein liquide en plongeant dans une eau dont la résistance nous permettra de nager, c est-à-dire d évoluer dans un état intermédiaire entre la marche sur la terre et le vol dans les airs. En quelque sorte, nous voilà ainsi passés du dessin (le plan des coques) à la sculpture (le moulage des coques) puis à la performance (remplir et nager dans les coques). Progressons donc encore sur cette voie : pour faire l article des piscines, il faut un catalogue présentant les modèles, édité au moyen d un ordinateur générant des images de synthèse et une police de caractère. Enfin, à partir de ce catalogue, Monica Gallab décide de transposer de ces images commerciales dans la sphère artistique : il s agit de convertir la taille des images au format du papier choisi pour les dessins, et de recopier fidèlement au crayon les images et le texte une seconde représentation des coques de piscines, à partir d une première version informatique. Abordons maintenant la dimension sérielle du travail. On sait que dès l Antiquité, le philosophe Platon suspectait les images d éloigner les hommes de la vérité des Idées (des concepts intelligible et unique, à l origine des objets sensibles dans toute leur diversité). Il pensait que les multiples sortes de chaises matérielles se déclinaient à partir d un modèle intellectuel unique et parfait. Les artistes s efforçant de représenter les objets visibles et triviaux contrariaient donc la nécessité pour l être humain de se rapprocher des idées invisibles et parfaites, en ajoutant une copie à la copie si l on peut dire. À l inverse de la position platonicienne, Aristote fit l éloge des artistes en affirmant que les œuvres d art, s efforçant inlassablement de figurer les éléments du monde visible, permettaient d aboutir à une synthèse idéale transcendant la diversité des formes existantes, et d atteindre ainsi le modèle commun à toutes les déclinaisons d objets. La série des piscines nous conduit manifestement au cœur de cette tension entre, d une part, la volonté d atteindre la forme idéale et, d autre part, le nécessaire inventaire de toutes les formes possibles pour faire l expérience totale du monde. Une quête évidemment perdue d avance qui génère une recherche sans fin : est-ce par prudence que Monica Gallab ne s est jusqu ici confrontée qu à un seul catalogue de piscines? Ce premier corpus lui a offert déjà plus de soixante modèles différents, mais elle reconnaît que d autres catalogues existent avec des centaines d autres modèles possibles Il faut en tous les cas une certaine détermination pour entreprendre cette collection de modèles de piscines, les inventorier, les classer, les exposer en longues séries horizontales et brève séries verticales (face, profil, légende). Nous arrivons ainsi à l interprétation de cette installation. Sommes-nous face au travail d un savant, occupé à déchiffrer une langue inconnue en répertoriant ses différentes composantes pour en reconstituer le lexique voire la grammaire? Partons du principe que le sens des mots est univoque, tandis que l image demeure ouverte et, par là, sujette à plusieurs interprétations. Ainsi, la lecture verticale des trois «représentations» des modèles de piscines, nous conduit de l image bleue au texte noir, par l intermédiaire d un motif intermédiaire (image ou écriture? figuratif ou abstrait?) servant de trait d union entre une chose et son nom. Si le texte permet de fixer le sens des images, il y aurait donc, dans la série

5 Untitled (Eden), Crayon sur papier 29,7 x 21 cm

6 verticale, l exposé d une explication de l image au moyen d un schéma et d une légende. Ceci étant, il faut bien admettre que les trois niveaux sont dessinés : tant les signes visuels que graphiques sont des représentations au trait, et donc les «mots» sont ici des «images» imitant fidèlement la police d écriture du catalogue! Au surplus, on a vu que leur somme ne produisait aucune phrase cohérente, ajoutant même un certain mystère à l ensemble. C est que nous ne sommes pas face au dispositif pédagogique d un scientifique mais devant la composition d une artiste, qui nous fait habilement passer de la trivialité d un catalogue de coques de piscines produites industriellement, à la poésie d un inventaire de formes dessinées à la main Au-delà de cette pertinente déconstruction de nos modes d appréhension du réel, au cœur de ces tensions visuelles et paradoxes formels, Monica Gallab pose sur l usage du monde un regard anthropologique. Elle découvre ainsi que notre rapport à la nature est dévoyé, que nos désirs sont contrôlés et nos plaisirs formatés. Comment? Ne voyez-vous pas qu au lieu de plonger dans les lacs, les étangs, les rivières, nous barbotons dans des coques en polystyrène? Quoi? Ne trouvez-vous pas étrange qu une artiste délaisse la peinture de paysage pour reproduire docilement des piscines? Pour dénoncer cette industrialisation des loisirs, il fallait faire le pari absurde de dessiner à la main des images et des mots (qui pouvaient être simplement imprimés), et rendre ainsi aux objets leur caractère précieux. Pour conjurer l urgence consumériste affichée sur un catalogue feuilleté à la hâte, il fallait spatialiser les séries d objets de manière à favoriser le temps du regard, et ouvrir à nouveau les yeux sur la beauté naturelle du monde. d animation que Monica Gallab eut l inspiration du meilleur outil pour troubler notre perception de la réalité. En effet, dans la série impressionnante de dessins nécessaires à la réalisation d un film, de petites modifications sont constamment obligatoires pour générer le mouvement des personnages comme un grain de sable troublant le bel ordre établi. Ah! les petites différences sabotant le grand formatage, et dont l accumulation finira par avoir raison du modèle parfait En distillant un certain malaise dans une situation familière, il s agit de forcer le regard pour voir le monde dans sa beauté concrète, celle d une imperfection que nous ne parviendrons jamais à maîtriser. The proper way to eat soup et Eating soup On connaît désormais l acuité du regard que Monica Gallab pose sur notre quotidien pour en fragiliser les certitudes, et dénoncer l artificialité des règles gouvernant nos vies. Dans ce film d animation, elle scénarise un manuel de bienséance consacré à l art de manger une soupe suivant les règles de l étiquette. Mais oui, même pour une action aussi ancienne, universelle et nécessaire, l homme a imaginé une bonne manière de faire! Le coup de crayon de l artiste agit ici comme un scalpel autopsiant le code imposé aux gourmands : la répétition en boucle dénonce l absurdité de cette pratique autoritaire et pédagogique. On notera que nous avons encore affaire à une série ; celle des d images mises bout à bout pour produire l animation. Il apparaît ainsi que c est au cœur de sa formation le cinéma The proper way to eat soup, 2012 Animation, Dimensions variables

7 Synchronicity for a better place Les nageuses flottent, comme en suspension entre deux états. Le torse à l air, les jambes à l eau, elles doivent nager sans cesse pour ne pas couler. La boucle ici encore dénonce l absurdité de la situation avec une once de cruauté et une pincée d humour : à force, ne risquent-elles pas de s épuiser et de se noyer? Prenons garde à ne pas perdre toute liberté dans les routines À y regarder de plus près (comme nous le propose sans cesse l artiste), la synchronisation de ces nageuses est imparfaite, de petits décalages sont dénoncés par le dessin. Tout cela pointe encore l absurdité d une société qui fonctionnerait exclusivement sur les règles dictées par une quelconque autorité. Monica Gallab habite ce monde, mais comme l enfant dessinant pour apprivoiser son environnement, elle s appuie sur sa pratique artistique pour composer avec lui. Refusant tout jugement, son ironie joyeuse trouve la juste distance d où regarder le monde sans lui en vouloir. Tout cela est grave, mais en fin de compte, l œuvre n est pas triste, et nous lui sommes finalement reconnaissant pour cette salutaire fraîcheur! Éric Van Essche Université libre de Bruxelles Synchronicity for a better place, 2012 Animation, 1 Dimensions variables

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9 L artiste Monica Gallab est née à Londres en Artiste nomade, elle obtient un premier diplôme en cinéma d animation à l école The Arts Institute de Bournemouth en Angleterre (2005), voyage en Sicile, puis décroche un second diplôme d animation à l École nationale supérieure des arts visuels (ENSAV) de la Cambre à Bruxelles (2009). Elle part ensuite en Argentine où elle travaille pendant quatre années à Buenos Aires dans l animation, sans oublier un séjour de plusieurs mois en Corée du Sud où elle partira deux fois en résidence (2012 et 2013). Elle vit désormais et travaille à Bruxelles. Exposant régulièrement en solo ou en groupe, tant en Belgique qu à l étranger, elle est lauréate du Prix Médiatine en 2009 et du Prix Découverte de Rouge-Cloître pour lequel elle est lauréate ex æquo en Prix Découverte Rouge-Cloître 2016 Créé en 1995, libre de technique et de thème et résolument orienté vers l art contemporain, le Prix Découverte de Rouge-Cloître a pour objectifs la découverte et la promotion de talents artistiques qui n ont pas encore la place qu ils méritent sur la scène culturelle. Ce concours a pour vocation de découvrir des artistes prometteurs et de les soutenir en leur offrant l espace et les moyens de présenter leur travail au public. Le concours s étale sur deux ans : la première année, chaque candidat présente deux œuvres accompagnées d un dossier explicitant sa démarche artistique. Un jury, composé de personnalités du monde des arts plastiques, sélectionne plusieurs candidats parmi l ensemble des participants. Une exposition collective est alors organisée. Dans un second temps, les membres du jury visitent les ateliers des artistes sélectionnés afin d approfondir la connaissance de leur parcours et de l ensemble de leur production et d être ainsi à même de sélectionner le lauréat final. Celui-ci se voit offrir, outre un prix d un montant de 3.000, l organisation d une exposition de ses œuvres au Centre d Art de Rouge-Cloître, ainsi que la rédaction par un spécialiste d un cahier illustré sur son travail. En cette année 2016, nous avons le plaisir de vous présenter les travaux de Monica Gallab et Julien Brunet, lauréats ex aequo de la onzième édition du Prix Découverte. Centre d Art de Rouge-Cloître Rue du Rouge-Cloître 4 Bruxelles 1160 T : info@rouge-cloitre.be Directeur : Vincent Vanhamme Collaboratrice : Olivia Bassem Service éducatif : Émilie Debauve Design : Monica Gallab & Thierry Verbeeck

10 JULIEN BRUNET

11 JULIEN BRUNET Dessinateur, Julien Brunet, l est avant tout. Mais c est aussi un artiste pluridisciplinaire pour qui l art et la vie s interpellent finement : à la fois plasticien, musicien confirmé, amoureux de la culture et enseignant passionné, il décline, à partir d expériences émotionnelles, son art et sa mythologie sous tous les avatars de la création. Un univers poétique qui invite à être sondé L artiste bruxellois dépeint dans un vocabulaire coloré un paradis sensible et intelligible. Son projet, par sa qualité plastique et esthétique, porte des questionnements liés essentiellement aux matériaux. C est également l espace pictural et les potentiels narratifs de l image qu il entend, tout en s y accordant de fait, déconstruire et questionner pour révéler le coté ironique de notre société. Julien Brunet dessine quotidiennement dans son atelier, avant tout par besoin, de façon automatique comme un musicien fait ses gammes. Certaines formes s imposent à lui ou sont nourries de références diverses qu il s approprie et utilise ensuite pour constituer son répertoire, révélé par différents langages plastiques. Welcome to paradise 2016 Oil on paper 21 x 29 cm Les personnages de Julien Brunet ne sont certainement pas aussi innocents qu ils en ont l air ; ils servent de révélation à l œil en perte de repères. L artiste développe grâce à ses figures chargées de sens une sorte de poésie muette qui ramène l humain à ses tourments, à ses dérives. À l image du «Cowboy» (2012), son travail déroute autant qu il interroge le spectateur. Le contraste violent entre l image de cet individu se détachant de son fond par la découpe de son ombre claire et par son corps en torsion, est souligné par le contraste entre les aplats verts du fond et le modelé du corps en action. Un texte vient également souligner l image dont l articulation donne lieu à une relecture de celle-ci. L artiste explore ainsi les rapports entre le langage verbal et le langage visuel tout en cherchant à en réinterpréter sa lecture. À travers son art, il développe un langage subtil donnant matière à réfléchir. Le spectateur peut y apporter le sens qu il veut. Le plasticien ne veut d ailleurs pas l amener à capter quelque chose de précis et suggère une interprétation libre de son œuvre : «Mon travail ne doit pas forcément être compris. Oil on Fire / 2011 / Oil on paper / 17 x 21 cm Je crois en une part de magie qui nous guide et qui rend le mystère intéressant. Que chacun ressorte avec ses émotions, ses sentiments.» Ainsi, les personnages de Julien Brunet, particules d un imaginaire cynique, peuplent des espaces incertains et participent à une étrange mise en scène qui nous invite à prolonger le récit.

12 Nourri par l admiration de l artiste pour son contemporain allemand Neo Rauch (1960-), le travail de Brunet mêle réalisme et absurde. Il se concentre principalement sur la figure humaine et exprime ouvertement l aliénation à vivre. Ses personnages, arrachés de leurs origines au profit d associations nouvelles, participent à la construction d espaces picturaux en perpétuelle interrogation. En résultent des images d un monde boiteux, à la fois naïf et cruel. Climb the mountain 2015 / Mixed media 135 x 160 x 40 cm

13 Du choc visuel au feu sacré Depuis ses débuts, Julien Brunet compose un univers personnel et singulier. «J ai toujours joué sur l association d éléments qui proviennent de contextes différents pour provoquer le questionnement, une tension», notifie-t-il. Toutefois, sa démarche artistique a évolué. «Pink Animals» (2007), sa première série avec laquelle il a pris part à plusieurs expositions collectives, tend vers la bande dessinée avec des créations à quatre couleurs, mixant texte et dessin de case en case. Brain & Pig 2008 Acrylic mural 350 x 400 cm Très vite, il délaisse le texte des dessins et les couleurs élémentaires pour se consacrer au développement d un monde fait d encre ébène, traçant une sorte de jungle graphique monochrome. Avec sa fresque «Brain & Pig» (2008) et sa série «Body Thing» (2010), il présente un espace davantage dense et graphique. De ces œuvres, inspirées d illustrations scientifiques obsolètes, se dégage un choc visuel et psychique. Au fil du temps et de son travail aiguisé, il travaille seul, redistribue son vocabulaire, son monde et ses habitants. Intéressé par les détails et les éléments en lien avec le quotidien, ses œuvres prennent souvent la forme de capsules peignant une entité filtrée par son imagination. Il y est toujours question d une recherche minutieuse à partir d un monde déstabilisant, envisagé comme une structure complexe d images, de mots et de sensations. Pour l artiste, l heure est à la palette de couleurs à l huile : «La peinture n a pas été une évidence. Ça a été progressif. Elle a fini par s imposer à moi. Et mon travail a débouché sur la peinture à l huile qui a été une libération technique et une excellente amie pour la couleur.» Les figures humaines, moins référencées qu auparavant, sont désormais réunies dans des lieux de métamorphoses, aux couleurs étincelantes, imbriqués dans un espace hors du temps. Ressuscitées d un passé lointain, ces dernières prennent place d abord sur des pages d anciens carnets scolaires aux bords arrondis, dont certaines seront mises bout-à-bout dans le théâtre d un grand format. Il recompose les situations, porteuses d un sens nouveau. S appuyant le plus souvent sur une documentation d images anciennes, Les Bêtes Roses 2007 Various formats Mixed media

14 il nous précise ceci : «Je flashe sur des parties d images, que je redessine pour me les accaparer et puis je crée autre chose à partir de cela». Outre cette sensation d éclatement et de grand mélange coloré, son travail évoque souvent les cadavres exquis surréalistes. Pour «Welcome to Paradise» (2016), il n hésite pas à décrocher des ouvriers chinois d une industrie alimentaire pour les placer sur un fond noir étoilé, parodiant ainsi le système capitaliste. Ses ouvriers racontent l indubitable évidence des non-sens du monde. D ailleurs, dans toute sa série du même nom, les compositions insolites, l industrie et la consommation de masse se croisent dans une critique intemporelle. Il se joue de la culture de la consommation qui a conduit la population à un bonheur artificiel. La série questionne et témoigne d une certaine angoisse profonde. Les petits formats sont recouverts d huile aux fonds abstraits d où émergent des éléments figuratifs, «un peu comme des fleurs qui s épanouissent» nous explique l artiste. Il y fait une recherche de matière, avec des dessins minutieux apposés sur des fonds en matière se rapprochant davantage du geste du peintre. Julien Brunet soigne ses créations qui lui demandent une réflexion assez longue, ainsi qu un nécessaire aller-retour sur l œuvre. De fait, il travaille dans la précision et privilégie le petit format le grand format passant toujours par le fragment, transformé selon les besoins de l équilibre de la composition. Ce travail justifie également le collage auquel il recourt de plus en plus régulièrement. Ainsi, bien qu il y ait des variations, des ajouts et des retraits, des changements de cap, éventuellement, les procédés techniques de son œuvre ne varient pas. On comprend qu il privilégie les notions de planéité, d illusion et de surface. Fasciné par le potentiel poétique du collage, Julien Brunet recherche aussi le volume avec du papier. Ses sculptures-papiers ont déjà séduit les amateurs et professionnels de la jeune création contemporaine. En 2015, avec sa veste aux «4474 pieces of», il nous plonge dans une atmosphère chimérique et remporte ex æquo le Prix Découverte de Rouge-Cloître. On retrouve du Matisse ( ) dans l œuvre : des collages de tons vifs aux contrastes forts. Mais, si le père technique utilisait de la gouache découpée pour trouver des alliances nouvelles entre formes et couleurs, Julien Brunet exploite le papier qu il peint, déchire et colle partiellement pour jouer avec la couleur primaire du support et rendre l ensemble lumineux et aérien. Body Thing 2010 Ink on paper 21 x 42 cm

15 The Notionless Trip x 110,5 cm Oil paint and glued paper Son travail questionne d ailleurs le médium sculpture en relation étroite avec la peinture. Aussi, si la figure humaine prévaut dans son œuvre, il interroge dans tous les cas l image et son pouvoir évocateur. Pour sa nouvelle vidéo, «The Lighter» (2016), la démarche artistique s inscrit dans une réflexion autour de la peinture et de son rapport à la tradition picturale. Il s intéresse en particulier à l œuvre de Lucas Cranach ( ), peintre de la Renaissance allemande célèbre pour ses représentations d Adam et Eve dans le jardin d Eden. Julien Brunet aime penser de façon globale ses projets. Il recrée dans une installation vidéo «une peinture vivante» affiliée à un ensemble plus important. Le feu, statué comme une entité à part entière, participe à l exploration perceptive de l artiste. Puisque, projetée sur une feuille de papier en feu, la peinture est alors elle-même en flammes. Certains verront l inéluctable déclin du monde moderne. Une autre création «incandescente» vient répondre à la mise en scène : «History of Consciousness» (2016), magma de collages tenus par des joncs en fibre de verre, feignant un casque en feu, crée à merveille la tension volatile, impétueuse et furieuse. En grand habitué du montage d expositions, l espace de sa narration se construit dans l entre-deux des œuvres qui oscillent entre sa proposition d installation et la lecture d œuvres se comprenant de façon autonome.

16 4474 pieces of In torn paper jacket Oil paint and glued paper 85 x 70 cm un Art IMAGé Aux MuLtIPLes POteNtIALItés Polyvalent, Julien Brunet décloisonne les médiums qui, dans son œuvre, se répondent, offrant ainsi une palette artistique complète. Dans cette multiplication de supports et de techniques, le plus frappant reste toutefois la cohérence de l ensemble. On plonge ici dans un univers fi guratif et abstrait, faisant éclore une sensation à la fois familière et intrigante pieces of... (detail) 2015 In torn paper jacket Oil paint and glued paper 85 x 70 cm Par le biais de ses compositions picturales, ses sculptures-objets et ses vidéos, l artiste prolifi que nous amène à reconsidérer les choses. Son art se prête en effet à un constant basculement entre l image, l espace et les mots dans une perspective poétique. Il a un sens assez pointu de ses titres, ainsi une toile de grand format trônant dans son atelier affi che en lettres majuscules : «J ai failli perdre la vie, mais j ai fait un beau rêve.» (2015). Gageons que cette alchimie du rêve le conduise vers quantité d autres expériences créatives, d éprouvés inédits. Lindsay Roels / Critique d art

17 L artiste «Ça a toujours été les arts plastiques», raconte Julien Brunet. Né en 1979 à Bruxelles, l artiste a développé très tôt sa sensibilité visuelle et dessine depuis son enfance. Licencié en Arts plastiques et audiovisuels de l École supérieure des Arts de Mons (ARTS²) en 2004, il fonde, la même année, avec d autres étudiants diplômés, l asbl Un paxilus dans la litière UPDLL. Il participe alors à la réalisation de nombreuses expositions et ressent rapidement le besoin d orienter son art dans de nouvelles directions. Parallèlement, il obtient l Agrégation de l Enseignement secondaire supérieur à l École supérieure des Arts de Mons (ARTS²) en Depuis, il conjugue sa pratique artistique et l enseignement. Professeur d ateliers pluridisciplinaires à l École des Beaux-Arts de Wavre, il continue également des recherches en atelier sur la pratique du dessin mixé avec des expériences plastiques diverses. Il présente ses œuvres dans des expositions collectives et individuelles en Belgique et en France. Aujourd hui, il vit et travaille à La Hulpe. Son travail singulier et créatif est célébré par le Prix du Public et la Mention du Jury à Vidéographie 21 en 2010 et le Prix Découverte de Rouge-Cloître pour lequel il est lauréat ex æquo en Prix Découverte Rouge-Cloître 2016 Créé en 1995, libre de technique et de thème et résolument orienté vers l art contemporain, le Prix Découverte de Rouge-Cloître a pour objectifs la découverte et la promotion de talents artistiques qui n ont pas encore la place qu ils méritent sur la scène culturelle. Ce concours a pour vocation de découvrir des artistes prometteurs et de les soutenir en leur offrant l espace et les moyens de présenter leur travail au public. Le concours s étale sur deux ans : la première année, chaque candidat présente deux œuvres accompagnées d un dossier explicitant sa démarche artistique. Un jury, composé de personnalités du monde des arts plastiques, sélectionne plusieurs candidats parmi l ensemble des participants. Une exposition collective est alors organisée. Dans un second temps, les membres du jury visitent les ateliers des artistes sélectionnés afin d approfondir la connaissance de leur parcours et de l ensemble de leur production et d être ainsi à même de sélectionner le lauréat final. Celui-ci se voit offrir, outre un prix d un montant de 3.000, l organisation d une exposition de ses œuvres au Centre d Art de Rouge-Cloître, ainsi que la rédaction par un spécialiste d un cahier illustré sur son travail. En cette année 2016, nous avons le plaisir de vous présenter les travaux de Monica Gallab et Julien Brunet, lauréats ex aequo de la onzième édition du Prix Découverte. Centre d Art de Rouge-Cloître Rue du Rouge-Cloître 4 Bruxelles 1160 T : info@rouge-cloitre.be Directeur : Vincent Vanhamme Collaboratrice : Olivia Bassem Service éducatif : Émilie Debauve Design : Thierry Verbeeck