1 Le sport et l art (Dossier d accompagnement) Myron Discobole Le Discobole. Copie d une œuvre attribuée à Myron, marbre, 155 cm, vers 460 av. J.-C., musée national des Thermes, Rome, Italie. Le discobole s'apprête à lancer le disque. Son geste est saisi sur le vif. Le mouvement se développe en spirale sur plusieurs plans : les jambes, le torse, les bras, la tête. Tous les muscles sont tendus dans un effort souple et continu. Le corps de l'athlète est représenté avec une extrême précision anatomique. Le sculpteur Myron était célèbre pour ses sculptures de gymnastes en action. Ce mélange de réalisme, d'équilibre et d'harmonie annonce la grande époque de la sculpture grecque classique. On peut s'en rendre compte en le comparant avec l'aurige de Delphes, légèrement plus ancien, dont la posture, plus hiératique, et le dessin, plus stylisé, conservent encore des caractéristiques archaïques. Cette statue d'un aurige, soit un conducteur de char grandeur nature (1,80 m de hauteur)
2 Jeanette Mundt Lors des Jeux olympiques de 2016 à Rio de Janeiro, le New York Times a publié une série de photos décrivant les mouvements gagnants de l'équipe de gymnastique féminine des États-Unis, image par image, en une seule image. Jeanette Mundt, dont les travaux traitent souvent de l'examen minutieux du corps des femmes, a créé une série de peintures inspirées par ces photographies. «Je pense qu elle s intéressait tout d abord à la tension entre l accent mis sur la force et la puissance de ces gymnastes, puis simultanément sur leurs cheveux et leur maquillage, qui devaient être aussi vierges et féminins», déclare Panetta. Ici, la routine de la poutre d'équilibre de Laurie Hernandez est décomposée du début à la fin, attirant l'attention sur son aspect physique jusqu'à un degré presque anatomique. La technique de superposition des cadres côte à côte fait également écho, comme le souligne Hockley, les photographies d Eadweard Muybridge au XIXe siècle, qui documentent la mécanique du mouvement des animaux (La chronophotographie). Au milieu de cet examen technique, Mundt attire toujours l'attention sur la féminité de Hernandez, ajoutant des paillettes à son body sur le tableau.
3 Gustave Caillebotte Gustave Caillebotte, dont les œuvres personnelles furent, jusqu'à peu, oubliées, fut à la fois un peintre reconnu et un mécène généreux du mouvement impressionniste. Il naquit en 1848 dans une famille très aisée qui bâtit sa fortune dans les textiles puis dans les biens immobiliers à l'occasion du redéveloppement du Paris du Baron Haussmann. Ingénieur de profession, mais aussi ancien élève de l'ecole des Beaux-Arts de Paris où il fut l'élève de Léon Bonnat, il rencontra Edgar Degas, Claude Monet, et Pierre Auguste Renoir dès 1874 et les aida à organiser la 1ère exposition des Impressionnistes à Paris cette même année. En 1873, il hérite de la grande fortune de son père et sera financièrement indépendant pour le restant de ses jours. En 1875, souhaitant faire ses débuts publics comme peintre, il soumit une œuvre au Salon Officiel qui fut refusée, ce qui l'incita à exposer, soutenu par Renoir, dans le cadre - plus favorable- de la deuxième exposition du groupe impressionniste, en 1876. Ses œuvres et en particulier les "Raboteurs de parquet" y furent remarquées et appréciées. Il participera dès lors aux expositions ultérieures des Impressionnistes. Riche et généreux, Caillebotte aidera financièrement tout au long de sa vie ses amis impressionnistes en leur achetant leurs œuvres à des prix élevés et en supportant les frais de leurs expositions. Il sera co-organisateur et co-financier des 3ième, 4ième, 5ième et 7ième expositions impressionnistes, auxquelles il participera. En 1881, il achète une maison avec jardin au Petit-Gennevilliers où il réalisera nombre de ses œuvres. Horticulteur émérite, il correspond avec Monet à Giverny et crée des orchidées dans ses serres. Personnage aux facettes multiples, Caillebotte est également un régatier qui se passionne pour la vitesse et cherche à perfectionner ses bateaux. Architecte naval, il les dessine et les construit luimême dans un atelier situé à l'emplacement actuel de la SNECMA. Il y créera de véritables pur sangs du fleuve, aux multiples innovations (voile en soie, lest extérieur, coques aérodynamiques, etc.) avec lesquels il remporte de nombreux titres internationaux. Caillebotte peignit quelque 500 œuvres dans un style souvent plus réaliste que celui de ses amis impressionnistes. Le peintre s'illustrera particulièrement dans des vues des rues de Paris faites depuis des balcons élevés, dans des scènes de la vie ouvrière, dans des paysages naturels de jardins et parcs, et dans des scènes nautiques (sur la Seine à Argenteuil et sur l'yerres). Son souci du détail, ses notes colorées, et son rendu de la lumière font bien de lui un grand peintre impressionniste à l œuvre originale et diverse. Caillebotte fera don, dans son testament rédigé en 1876, de sa collection en ces termes :
"Je donne à l'etat les tableaux que je possède ; seulement, comme je veux que ce don soit accepté et le soit de telle façon que les tableaux n'aillent ni dans un grenier ni dans un musée de province, mais bien au Luxembourg et plus tard au Louvre, il est nécessaire que s'écoule un certain temps avant l'exécution de cette clause jusqu'à ce que le public, je ne dis pas comprenne, mais admette cette peinture. Ce temps peut-être de vingt ans au plus. En attendant mon frère Martial, et à son défaut un autre de mes héritiers, les conservera. Je prie Renoir d'être mon exécuteur testamentaire..." Caillebotte devait décéder en 1894 d'une attaque d'apoplexie. Les académistes, conduits par Gérôme, essaient alors d'empêcher l'entrée dans le patrimoine artistique de la France d'œuvres impressionnistes qui furent constamment refusées au Salon Officiel - en particulier les œuvres de Cézanne qui faisaient partie de la collection -, et l'institut de France refuse dans un premier temps le legs Caillebotte aux Musées Nationaux français. 4 En février 1894, Caillebotte prend froid dans son jardin du Petit-Gennevilliers. Il ne parvient pas à se rétablir et une congestion pulmonaire se déclare. Selon certaines sources, il s agirait d un accident vasculaire cérébral. Il meurt le 21 février et est inhumé au cimetière du Père-Lachaise. Jeux grecs antiques Les Jeux Olympiques sont célébrés durant plus d un millénaire et connaissent de nombreux changements. A leur apogée (autour du 5e siècle avant J.-C.), ils durent cinq jours et les compétitions sportives occupent une place centrale. Le programme des Jeux Olympiques ne comporte que des sports individuels, les sports d équipe sont absents. Les compétitions ont lieu dans le stade et sur l hippodrome. Le stade à Olympie est rectangulaire et non pas ovale comme aujourd hui. Son sol est en terre battue. Il est délimité par des talus herbeux sur lesquels s assoient les spectateurs. Les officiels (organisateurs et juges, les Hellanodices) bénéficient d une tribune. Premier jour : Les athlètes ainsi que les juges prêtent le serment d agir dans le respect des règles. Ont lieu ensuite les concours pour les trompettistes et les hérauts, dont les gagnants auront l honneur de faire les annonces tout au long des Jeux. Précédés par la trompette, le nom de l épreuve, l arrivée des concurrents et le nom des vainqueurs sont proclamés bien fort par ces véritables «speakers» de l époque.
Deuxième jour : Les compétitions hippiques se déroulent sur l hippodrome. L épreuve reine est la course des quadriges, chars tirés par quatre chevaux. Il y a aussi les courses de chars tirés par des poulains et une course de chevaux montés. Les vainqueurs ne sont ni les jockeys, ni les auriges (conducteurs de chars), mais les propriétaires des chevaux. Le pentathlon a lieu dans le stade pendant l après-midi. Il comporte cinq épreuves : lancer du disque, saut en longueur, lancer du javelot, course et lutte. Ces trois disciplines se pratiquent uniquement dans le cadre du pentathlon. La course et la lutte, en revanche, se pratiquent également hors pentathlon, comme discipline particulière. Troisième jour : Ce jour est considéré comme le point culminant des Jeux. Il est réservé au grand sacrifice : cent bœufs sont abattus en l honneur de Zeus et d autres divinités. La viande est partagée lors d un repas auquel assistent tous les participants aux Jeux. Quatrième jour : Les courses à pied se déroulent dans le stade. Il existe plusieurs types de courses : La course du stade couvre une longueur de stade, soit environ 192 m. Le diaulos comporte deux longueurs ou double stade. Le dolichos est une course de longue distance (de 7 à 24 stades). La course en armes (à Olympie, il s agit d un diaulos), est une course où les athlètes sont revêtus d un casque et de jambières et portent un bouclier. Les concurrents prennent place sur une ligne de départ signalée par des pierres en calcaire blanc. Une barrière s abaisse pour signaler le départ. La course s effectue en ligne droite. Pour les longues distances, les concurrents contournent une borne ou un poteau à chaque fin de stade. L après-midi est consacré aux sports de combat : pugilat (boxe), lutte et pancrace. C est par tirage au sort que les concurrents savent avec qui ils vont combattre. Il n existe pas de catégories de poids comme aujourd hui. Pour mettre fin au combat, un des adversaires peut lever le doigt, scène représentée sur certains vases. Le pugilat : Les mains des pugilistes sont protégées par de longues lanières de cuir. Ces ancêtres des gants de boxe subissent de nombreuses modifications au cours des Olympiades. Des pièces de métal sont même ajoutées sur les jointures des mains, rendant ainsi les coups beaucoup plus violents. La lutte : les lutteurs combattent debout, à mains nues. Il existe différentes prises. Celui qui touche le sol à trois reprises au moins a perdu. Le pancrace : sorte de lutte qui autorise tous les coups à part mordre, arracher les yeux et introduire les doigts dans le nez de l adversaire. Cinquième et dernier jour : Les vainqueurs sont à l honneur. Dans le stade, ils sont couverts de rubans et reçoivent des palmes. On leur remet ensuite des couronnes d olivier lors d une cérémonie solennelle. Enfin, les vainqueurs sont conviés à un banquet avec les politiciens et les juges. 5 Courses en armes
Nicolas de Stael Nicolas de Staël est un des artistes les plus influents européens de la période de l'après-guerre; Partant du figuratif il parvient à pénétrer le fond du réel de la nature jusqu'à l'assainir pour la présenter comme une ébauche abstraite. Pris en tenaille entre les tenants de l'abstraction et ceux de la figuration il finit sa vie dans la tragédie. De nombreux spécialistes considèrent Nicolas de Staël comme le peintre le plus raffiné de l'art moderne du XXe siècle. Nicolas de Staël se tue en se jetant par la fenêtre de son atelier le 14 Mars 1955. Voici un créateur qui a vécu en dix années le problème de la peinture tel qu il se pose aux lendemains de la guerre à Paris. Son succès, l évolution rapide de son art, sa mort semblent illustrer le conflit qui divise alors les tenants de l abstraction et ceux de la figuration. Ce débat, qui peut paraître bien limité et superficiel, était issu des influences contradictoires des maîtres de l art moderne présents en France, Picasso, Kandinsky, Braque, Bonnard et Matisse 6 Les footballers En 1952, le peintre Nicolas de Staël sort ébloui d un match en nocturne au Parc des Princes et décide de consacrer une vingtaine de tableaux sur le football. En effet, le 26 mars 1952, le match amical entre l équipe de France et la Suède se déroule au Parc des Princes dans un contexte un peu particulier : Il se joue pour la première fois en nocturne, sous les projecteurs. Il se trouve que le peintre Nicolas de Staël est présent à ce match avec son épouse. Il en est ressorti ébloui, à tel point qu il passa toute la nuit à tenter de reproduire sur toile ce qu il avait vu. C est le début d une série d une quinzaine de toiles à l huile qu il intitulera «Les Grands Footballeurs». Puis une autre série baptisée «Le Parc des Princes» Le peintre décrit ce qu il ressent dans une lettre adressée à son ami le poète René Char : «Entre ciel et terre, sur l herbe rouge ou bleue, une tonne de muscles voltige en plein oubli de soi avec toute la présence que cela requiert en toute invraisemblance».
Laurent Berbos Le travail ludique et décalé de Laurent Perbos englobe des supports diversifiés et s'applique aux activités sociales de masse. En pervertissant la matière ou la forme de l'objet premier, Laurent Perbos parvient à le détourner d'une manière inédite, se jouant avec humour de son aspect anecdotique et dérisoire. Avec son Ballon de football en béton, il met en place une réédition brute et improbable de l'objet initial, version déroutante pour le spectateur navré. Ainsi, s'appropriant les jeux pour leur ajouter une dimension absurde, il transforme une cible à fléchette en objet conique ou une table de ping-pong en terrain cylindrique. Bien que rendus caducs dans leur utilisation usuelle, ces jeux non-homologués éveillent l'imagination et incitent à de nouvelles pratiques. Le travail n'est par ailleurs pas dépourvu d'une dimension critique ; Aussi, le titre Le plus long ballon du monde, 2006 tourne en dérision cet univers du record qu'est le sport, favorisant des extrêmes dépourvus de tout sens. 7 Ballon Si l artiste contemporain Laurent Perbos se joue des formes et déconstruit les objets, c est pour mieux nous interroger sur la notion de record. Le plus long ballon du monde certes mais à quoi bon? Alberto Giacommetti Sculpteur et peintre né en Suisse en 1901, Alberto Giacometti est le fils du peintre impressionniste Giovanni Giacometti. Il suit des études aux Arts et Métiers de Genève puis s installe à Paris en 1922, date à laquelle il intègre le mouvement surréaliste dont il est exclu en 1934. Il expose en 1927 ses premières œuvres et organise sa première exposition personnelle en 1932. Il est initialement influencé par l art primitif africain et s inspire également des œuvres de l âge cycladique (entre 3200 à 2880 avant J.C.) qui sont construites autour de personnages-objet. On retrouve cette influence flagrante dans sa «Femme à la cuillère» de 1926. Ses «couples» sont aussi inspirés des statuettes africaines, très allongés et dont les visages sont en forme de masques. A la fin des années trente, domine dans les sculptures de Giacometti une violence assez prononcée qui s illustre dans des sculptures de «femme égorgée» ou des images abstraites de «viols». Les années quarante sont alors une époque intermédiaire pour le sculpteur qui crée des sculptures de plus en plus petites, atteignant 1 à 2 cm. Il va ainsi prendre le contre-pied de ces quelques années en travaillant sur des sculptures de plus en plus allongées et squelettiques. Dans les années cinquante, la notoriété de Giacometti est indéniable, sa production artistique présente dans de nombreuses institutions, à New York, Londres, Berlin Il obtient de nombreux prix comme en 1962, le Grand Prix de la sculpture de la Biennale de Venise. En 1965, un an avant sa mort, il reçoit le Grand Prix national des arts en France.
8 L homme qui marche Pour symboliser l homme, Alberto Giacometti modèle un personnage filiforme réalisé de manière stylisée, dont les membres paraissent s étirer jusqu à l extrême. Ce personnage irréel mêle à la fois une étrange fragilité et une solide détermination. Impénétrable et pourtant si troublant, l homme de Giacometti ne possède aucun trait personnalisable. Il n est vêtu que de sa peau étrangement bosselée. Par cette absence d identification de son visage, le personnage exalte une portée universelle qui exerce sur le spectateur une intrigante fascination. A travers cette sculpture, l artiste a su capter ce moment décisif d un homme qui révèle en lui une force fondée sur son propre élan. L homme d Alberto Giacometti ne se pose pas de question. Il vient de quelque part et se dirige vers un ailleurs. D un pas décidé, les yeux rivés vers l horizon, il semble s élancer pour découvrir, comprendre et aller de l avant, comme s il avait un but à poursuivre. Sa conscience en éveil, il traverse le temps pour observer le monde. Ses pieds, ancrés dans le sol le relient inéluctablement à la terre avec qui il ne fait plus qu un. Ici, c est tout l être entier qui se déplace à travers une force oblique, vers un avenir à créer. La chronophotographie (du grec kronos, temps, photos, lumière, et graphein, enregistrer) Elle désigne une technique photographique qui consiste à prendre une succession de photographies, permettant de décomposer chronologiquement les phases d un mouvement (humain ou animal) ou d un phénomène physique, trop brefs pour être observés convenablement à l œil nu. De nos jours, la chronophotographie est toujours utilisée, aussi bien dans les domaines scientifiques que dans la publicité ou la photographie d art. Le mode de prise de vues en rafale moderne est de la chronophotographie.
9 Le précurseur de la chronophotographie est en 1878 le britannique Eadweard Muybridge. Harold Edgerton Né le 6 avril 1903 à Fremont et mort le 4 janvier 1990 à Cambridge, Harold Edgerton est un photographe américain spécialiste de la photographie réalisée avec un stroboscope. Auteur en 1931 d'une thèse en ingénierie électrique au Massachussetts Institute of Technology, Harold Edgerton (1903-1990) reprend les travaux de Jules Marey sur la photographie du mouvement. Il met au point la stroboscopie, procédé de décomposition du mouvement qu'il applique à la photographie. La strobophotographie est un procédé qui permet de saisir et de représenter les phases du mouvement. L'apport essentiel de son invention est l'utilisation de flashs électroniques puissants qui permettent de capter les mouvements les plus rapides. L'un de ses clichés les plus célèbres représente ainsi le passage d'une balle de revolver à travers une pomme. La technique d'harold Edgerton surnommé "Papa Flash" dans le milieu de la photographie, connut de nombreux débouchés militaires, scientifiques et même esthétiques.
10 Henri Rousseau Le peintre naïf français Henri Julien Félix Rousseau, dit le Douanier Rousseau, naît à Laval le 21 mai 1844 de Julien Rousseau, ferblantier et d'eléonore Guiard. Il décède à Paris le 2 septembre 1910. Henri Rousseau est douanier à Paris. Après ses journées de travail, il peint. À 49 ans, il prend sa retraite pour se consacrer entièrement à la peinture. Henri Rousseau ne reçoit pas de formation artistique. Sa technique est assez naïve et maladroite mais ses amis peintres l encouragent à garder son style. Le Douanier Rousseau continue dans cette voie, et c est ainsi qu il parvient à exprimer sa vraie personnalité. Vers la fin de sa vie, Rousseau commence enfin à être pris au sérieux : son style naïf ou primitif, presque enfantin, est désormais reconnu. Henri Rousseau décède au début de sa célébrité. Après lui, la peinture naïve, avec ses traits nets et ses formes simples, devient un genre à part entière. C'est Alfred Jarry (1873-1907), poète et écrivain français, qui lui attribuera le sobriquet Douanier Rousseau resté célèbre par la suite. Rousseau reste à l'octroi de Paris jusqu'à 1893. Il commence à peindre en amateur dès le début des années 1870 et obtient en 1884 une carte de copiste du musée du Louvre. Un salon sans jury, le Salon des Indépendants, ayant été créé à Paris, il y est présenté par le peintre pointilliste Paul Signac (1863-1935). Il expose pour la première fois à ce salon en 1886 et continuera chaque année jusqu'à sa mort, sauf en 1899 et 1900. Le Salon des indépendants permet à Henri Rousseau d'acquérir une certaine notoriété dans le milieu artistique. Mais n'ayant reçu aucune formation académique, son travail n'est pas pris au sérieux, comme le rappelle Guillaume Apollinaire dans un article publié après la mort du peintre : «Peu d'artistes ont été plus moqués durant leur vie que le Douanier, et peu d'hommes opposèrent un front plus calme aux railleries, aux grossièretés dont on l'abreuvait. Ce vieillard courtois conservera toujours la même tranquillité d'humeur et, par un tour heureux de son caractère, il voulait voir dans les moqueries mêmes l'intérêt que les plus malveillants à son égard étaient en quelque sorte obligés de témoigner à son œuvre. Cette sérénité n'était que de l'orgueil bien entendu. Le Douanier avait conscience de sa force.» Sa femme meurt en 1888. Sur ses sept enfants, seule lui reste une fille qu'il confiera à la famille de son frère à Angers. L'Exposition universelle de Paris en 1889 a sans doute joué un rôle dans le choix de ses thèmes picturaux. Il peut en effet y observer des paysages africains ou asiatiques reconstitués pour l'occasion. Rousseau écrira même un vaudeville, Une visite à l'exposition de 1889, pour évoquer son enchantement devant cet exotisme. En 1893, il prend sa retraite de l'octroi de Paris et peut se consacrer entièrement à la peinture. Il se remarie en 1899 avec Joséphine-Rosalie Nourry qui mourra en 1903. Au début du 20 e siècle, sa peinture suscite l'intérêt de l'avant-garde artistique qui se passionnait déjà pour les arts primitifs (aujourd'hui premiers). Alfred Jarry, originaire de Laval comme Rousseau, et devenu son ami, l'introduit dans le milieu artistique. Rémy de Gourmont, Guillaume Apollinaire, Paul Signac, Robert et Sonia Delaunay, Picasso et bien d'autres commencent alors à s'intéresser à ce peintre naïf. L'art naïf On appelle art naïf la production de peintres autodidactes dont le premier et le plus célèbre fut Henri Rousseau. Les tableaux de Rousseau nous touchent avec la même spontanéité que des dessins d'enfants : pas de perspective linéaire, pas de technicité de haut niveau, mais l'expression d'une géniale sensibilité artistique immédiatement accessible à tous. En ce sens, l'art de Rousseau rejoint les arts premiers en évitant le détour de l'éducation artistique. La sensibilité suffit.
11 Charlie Chaplin Les joueurs de football Charles Spencer Chaplin, plus connu sous le pseudonyme Charlie Chaplin, naît le 16 avril 1889 à Londres. Fils d une artiste du music-hall, il fait ses débuts d acteur à l âge de 5 ans. Rapidement, il se sent une vraie vocation sur les planches et rejoint une compagnie théâtrale avec laquelle il joue Repairs, une comédie à sketchs. Grâce à son frère, il rejoint la troupe Karno et part en tournée aux États-Unis, où son talent comique fait mouche auprès du cinéma. La New York Motion Picture Company l embauche en 1913 pour devenir la nouvelle star des studios Keystone. L année suivante, il tourne L étrange aventure de Mabel et Charlot est content de lui, où apparaît pour la première fois le célèbre personnage de Charlot. Immédiatement, ce rôle, reconnaissable grâce à sa petite moustache, remporte un franc succès auprès du public et Charlie Chaplin devient une superstar du cinéma. Ses films deviennent des chefs-d œuvre acclamés par la critique à l instar du Dictateur, La ruée vers l or, Les temps modernes ou encore Le Kid. Malgré tout son succès, les années 50 marquent le déclin de sa carrière car il se retrouve au cœur de la chasse anti-communistes menée par le sénateur McCarthy. L acteur, comme beaucoup d autres personnalités d Hollywood, est accusé d être un communiste et est mis sur une liste noire. Se sachant menacé, il quitte les États-Unis avec sa famille et s installe en Europe, où il décède en 1977 des suites d un AVC. Un soir à l Eldorado L irrésistible combat de boxe des Lumières de la ville de Chaplin, où le frêle Charlot parvient à
tenir tête par sa souplesse et sa ruse à un géant du ring, compte parmi les scènes de sport les plus célèbres du cinéma muet. 12 Kota Ezawa Kota Ezawa est un artiste germano-japonaise basé à San Francisco, en Californie. Il est surtout connu pour ses films d'animation par ordinateur mettant en scène des événements historiques recontextualisés, qui sont communiqués au moyen d'images stylisées aplaties, influencées par le pop art. National Anthem