L art de la composition d une photographie
La composition La photographie est avant tout une question de choix. L une des premières décisions du photographe consiste à choisir où se tenir et dans quelle direction pointer son appareil. Si l exposition et la mise au point sont souvent automatiques, c est toujours le photographe qui décide du cadrage de l image dans le viseur. Là où le peintre peut prendre des libertés avec la réalité, par exemple en excluant les parties indésirables de la scène, l appareil photo saisit tout sans discrimination. C est pourquoi la composition est essentielle pour simplifier le monde encombré qui nous entoure. Bien que certains sujets puissent être déplacés physiquement, il n est pas toujours possible de maîtriser totalement une scène, en particulier si le sujet est imprévisible. Toutefois, les bons choix de composition et surtout du moment du déclenchement seront décisifs pour que le photographe obtienne le résultat escompté.
Un regard sélectif La composition ne concerne pas seulement le sujet, mais plutôt la manière de le mettre en valeur dans une scène en masquant ou dissimulant certaines parties de cette dernière pour la mettre en valeur. Ça revient à remettre les éléments en place pour décrire la scène à laquelle vous assistez ou faire passer le message que vous voulez que les gens reçoivent à partir de cette prise de vue. Les règles de composition ne manquent pas, mais il faut savoir qu il existe plusieurs manières classiques de cadrer une image. Chaque photographe aura son approche d une même scène. De même que chaque scène aura besoin d une approche distincte pour bien la faire ressortir. Une chose qu il faut garder en tête c est que la composition c est de l art, alors certains aimeront une approche et d autres n aimeront pas cette même approche. De plus, l état d esprit d une personne peut influencer sa création ou l appréciation qu on a d une photographie.
La place du sujet dans la composition La composition consiste en grande partie à déterminer la place du sujet principal dans l image. De nombreux photographes simplifient la composition en choisissant simplement un sujet principal et en disposant les autres éléments de sorte qu ils n aient aucun intérêt. Vous pouvez placer le sujet au centre de l image si vous souhaitez évoquer la tranquillité d une scène ou attirer l attention sur la symétrie que vous y avez remarquée. Toutefois, cette composition pourrait alors être jugée trop classique. Avec la plupart des sujets, il est intéressant de décentrer délibérément des éléments clés de la scène; le déséquilibre du cadrage donne plus de dynamisme à une photographie. Au fil des siècles, les artistes ont appliqué un certain nombre de règles classiques pour déterminer la composition exacte de ces éléments clés.
La règle des tiers vient d une directive beaucoup utilisée en art graphique depuis des siècles. Concrètement, on peut diviser horizontalement et verticalement une image en trois parties égales. On obtient ainsi des lignes de forces ainsi que des points forts aux intersections de ces dernières. La règles des tiers
En laissant de l espace devant le sujet, on rend le mouvement de la scène.
Situer son personnage dans un environnement permet d en savoir plus sur ce dernier et sa raison d être là ou ce qu il y fait. Ici on peut voir deux sujets dans la photographie. Le principal serait le monsieur et le secondaire serait la vieille scie à ruban. Le second sujet donne de la force au premier en le mettant dans un contexte.
La règle des tiers appliquée aux êtres vivants Lorsque l'on photographie un être vivant, il est intéressant de mettre les yeux au niveau d'un point fort et de laisser de l'espace dans la direction du regard. Par exemple : Ne pas coller contre le bord droit de l'image quelqu'un regardant vers la droite!
Laisser de l espace dans la direction du regard donne une image avec un peu plus de vie.
La règle des tiers appliquée aux paysages Une autre utilisation importante de la règle des tiers est pour la photographie de paysage. En plaçant l'horizon sur une ligne de force horizontale, on donne plus de poids au ciel ou au sol suivant la ligne choisie. Ce déséquilibre entre les deux éléments donne beaucoup plus de force à l'image!
Ici, c est le ciel qui prédomine. On donne une importance au ciel dans cette image.
Et ici, c est le sol qui est mis en évidence. Alors, on donne une importance moins marqué au ciel et plus au sol.
Ici, le sujet est plutôt centré. Dans un premier temps, il n y a pas tellement de décor à exploiter avec ce type de lumière très concentrée. De plus, dans cette scène le mouvement se fait en rotation sur l axe central de la demoiselle. Pour finir, pour restituer la position du sujet au complet et montrer la symétrie de l espace que le sujet utilisait. Il était judicieux de centrer la scène.
Ici, j ai exploité justement la symétrie de la forêt et de son reflet dans l eau pour créer cette photographie. C est même le sujet de cette photographie, car c est ça qui fait qu elle est intéressante.
La composition d une photographie
Identifier le sujet principal de la scène Dans un premier temps, il est important d identifier le sujet principal de la photographie, car ça vous permettra de faire les choix postérieurs. Par exemple, cela vous permettra d éliminer les éléments périphériques trop envahissants et qui détournent l attention des gens de votre vrai sujet. Parfois, on focalise trop sur le sujet sans raconter son histoire. On a tous déjà vu la photo d un touriste en gros devant un monument sans trop savoir où il a été, car le monument n est pas assez présent.
En ayant fait un plan d ensemble où on voit une très grande partie du bâtiment qui forme l arrière-plan, on peut mieux situer le site que le touriste a visité. Ce qui raconte mieux l histoire de cette dernière.
Épouser l orientation du sujet Une fois qu on a identifié le centre d intérêt, il faut savoir si la scène est en horizontal (paysage) ou en vertical (portrait). Cela peut paraître simple dans bien des situations, mais malheureusement ce n est pas toujours le cas. Mon premier conseil dans ces situations plus ardues, c est de prendre une prise en mode paysage et en mode portrait. Malheureusement, ce n est pas toujours possible, alors je préconise l horizontale. Car c est la vision naturelle qu on a du monde et de plus par expérience, il est plus facile de recadrer une photographie horizontale vers verticale que l inverse.
La photographie originale Je n ai pas eu le temps de faire un changement d orientation en voyant cette scène. Vous remarquez qu une grande partie de l espace n apporte rien à l image. La photographie recadrée Par contre en posttraitement, je l ai faite. Vous pouvez alors voir la différence, ici presque tout l espace est utile.
Maintenant, je veux vous montrer que le changement d orientation change aussi beaucoup l impact que la prise de vue donne. Dans la première, on voit plus son environnement, mais dans la deuxième on semble plus entrer dans la scène.
Choisir la taille du plan La taille des plans est basée sur le découpage de la silhouette humaine. On utilise plus souvent cette notion de plan dans le langage cinématographique, mais il convient également à la photographie pour identifier les différents types de cadrage.
Plan général (PG) Le plan général consiste à prendre le sujet dans son environnement général. Le sujet est donc vu avec un certain recul puisqu il est intégré à ce grand espace. C est le plan idéal pour insister sur l étendue de l endroit photographié et sur la forte relation entre le sujet et le lieu où il se trouve. Il faut utiliser une petite ouverture pour obtenir une zone de netteté qui s'étend du premier à l arrière plan (grande profondeur de champ). Le sujet n est pas mis en valeur.
Plan d ensemble (PE) Le plan d ensemble est un cadrage plus resserré que le plan général. Le sujet occupe une plus grande partie de l image, il est devenu identifiable mais sa relation avec son environnement reste toujours prépondérante. On utilise, là aussi, une petite ouverture. Le sujet et son environnement sont aussi importants l'un que l'autre
Plan moyen (PM) Le plan moyen est un cadrage resserré sur le sujet principal. Il doit apparaître en entier sur la photo. Dans ce genre de plan, on s intéresse beaucoup moins au décor. Il faut soit se rapprocher du sujet soit utiliser une longue focale. L e sujet est plus important que le décor.
Plan rapproché (PR) Plan rapproché poitrine Il y a deux types de plans rapprochés : le plan rapproché taille (PRT) et le plan rapproché poitrine (PRP). On ne voit que la partie supérieure du sujet (coupé à la taille ou à la poitrine comme leur nom l indique). On utilise là une grande ouverture. Vous remarquerez aussi que le sujet est souvent assez centré. Un cadrage rapproché permet d isoler le sujet. Plan rapproché taille
Gros plan (GP) Le gros plan consiste à cadrer une partie importante du sujet pour la mettre en valeur. Le décor est alors inexistant. Il faut rester vigilant sur les détails car le moindre défaut sera visible sur la photo. Il est primordial de bien travailler l éclairage du sujet. On utilise là aussi une grande ouverture. Vous remarquerez aussi que le sujet est souvent assez centré. On met en valeur une partie du sujet.
Très gros plan Le très gros plan consiste à remplir son cadre par une petite partie du sujet (cette partie doit avoir son importance bien évidemment). On isole donc un détail (une bague de fiançailles par exemple) ou une partie du corps humain (un œil par exemple). Le photographe va rechercher une forme pure, une texture intéressante. Il ne faut pas oublier de se mettre en mode macro et de bien exposer son sujet. On montre ici un simple détail du sujet.
Choisir son angle de prise de vue Ce choix influencera énormément la vision de la scène. Cela vient de l incidence d un phénomène optique qui induit la troisième dimension dans une image en deux dimensions. Plus un objet est loin, plus il semble petit par rapport à un objet proche du photographe. Cela peut provoquer des déformations sur des objets dont une partie est près du photographe et une autre beaucoup plus loin.
Exemple : Si vous prenez une photographie au pied d un gratte-ciel, la base semblera plus grosse que son sommet. Bien qu en réalité il soit aussi large en bas qu en haut. Ici, ça ne pose pas problème, mais dans d autres situations ça devient plus problématique. Par exemple, avoir le même effet sur un portrait plein pieds d une personne, je ne suis moins sûr qu elle aime ça.
Prise de vue en plonger On a tendance à écraser notre sujet ou à donner l impression qu il est vu par une personne plus grande que lui.
En choisissant cet angle de prise de vue ici, je montre le contenu des marmites. Ce qui m a permis de montrer le thème de cette série de photographies qui étaient «Le Blé d inde». Ce choix me vient du sujet principal qui est le blé d inde qui cuit.
Prise de vue en contre-plongée On a tendance à grandir notre sujet ou à donner l impression qu il est vu par une personne plus petite que lui. À faire attention en contreplongée le pare soleil ne fait plus aussi bien son travail et il est fréquent que si on ne porte pas attention à cela on se retrouve avec un halo lumineux (Flair).
Prise de vue au niveau du sujet Il est généralement conseillé de se mettre au niveau de notre sujet pour mieux entrer dans son monde et aussi éviter toutes les déformations non voulues.
Aussi, changer de point de vue peut éliminer des éléments gênants dans le cadrage. En plus, d apporter de la nouveauté dans vos images. Cette image est un gros plan en très forte contreplongée. Cette prise de vue sous cet angle apporte de la variété au thème de la tulipe.
Pour cette prise de vue, je me suis couché sur le quai. Ce qui m a donné un angle de prise de vue près de l eau. Cela apporte une vision de la scène très différente que si j étais demeuré debout.
Ici, on a un bel exemple d une prise de vue où le déplacement horizontal pour avoir un angle vertical précis a influencé énormément l impact de l image. En choisissant de superposer le plus possible les deux danseuses et en choisissant aussi le moment où elles intercalaient leurs têtes. Sans parler une certaine chance qu elles répètent souvent ce même mouvement. Je suis arrivé à un résultat semblable.
Surveiller l arrière-plan Une fois que le sujet est trouvé, il faut surveiller ce qui l entoure pour le mettre en valeur. Il y a deux manières de travailler l arrière-plan. Soit on l utilise pour mettre le sujet en contexte ou soit on cherche à l atténuer pour isoler le sujet. Dans la première option c est en jouant sur l angle de prise de vue que vous trouverez le meilleur arrière-plan. Pour la deuxième option, il y a quelques options, je vais vous parler que de trois pour le moment. Premièrement en créant soi-même son arrière plan, deuxièmement en utilisant une profondeur de champs réduite et pour finir l isolement du sujet par un éclair de flash.
Dans cette prise de vue j ai cherché à éliminer le plus d éléments distrayants de mon arrière-plan tout en gardant l arrière-plan visible pour situer le personnage dans son décor. En cadrant serré et sous un angle où il n y avait le peu d éléments attirant le regard et surtout le moins d anachronisme possible.
Une manière de contrôler l arrière-plan est de le faire soi-même. Ici, le photographe a simplement utilisé un tissus uni pour former l arrière-plan. Une pratique très utilisée en studio, mais que j ai rarement vu à l extérieur.
Ici c est la technique de la faible profondeur de champ qui isole le sujet. Cette technique consiste à ouvrir grandement l ouverture de l objectif pour créer un sujet net à son focus et un environnement flou en avant et en arrière de lui. Dans cette image vous pouvez remarquer que les pétales en avant et en arrière sont quelque peu flous. Profondeur de champs Zone où l image est nette. Plus on ouvre l ouverture de l objectif, plus la zone est petite. Plus la distance est petite entre vous et votre sujet plus vous pouvez exploiter une profondeur de champ réduite. Plus votre longueur focal est longue plus vous pourrez utiliser une profondeur de champs réduite. Les règles énoncées ici sont des généralités qui sont utiles sur le terrain. Il y a bien d autre facteurs, mais ils sont très techniques et peu utiles dans la photographie de tous les jours.
Dans cette prise de vue, c est l utilisation de la technique l isolement par flash. Cette technique consiste à fermer l ouverture de l objectif (trou par lequel la lumière entre dans l appareil lors de l exposition), puis d utiliser une vitesse très rapide pour la prise de vue et de laisser le flash éclairer seulement le sujet près du photographe. Cette technique marche bien quant le sujet est très près du photographe et que les éléments perturbateurs sont sur des plans suffisamment décalés du sujet. Les ambiances sombres sont plus propices à cette technique. Nous allons le voir plus en détail dans mon atelier sur l utilisation du flash dans environ 2 mois.
Techniques de composition Comme dans tous les arts, il existe diverses techniques classiques de compositions. En les découvrant, vous serez plus en mesure de varier vos prises de vue.
Les lignes pour guider le regard Une technique de composition est d utiliser les lignes naturelles pour emmener le regard des gens vers le sujet principal. Cette dernière donne de la profondeur à la scène. C est pourquoi, elle est très souvent utilisée en photographie de paysage.
Ici, le regard a tendance à suivre le cours d eau du coin inférieur gauche de l image pour remonter la rivière jusqu à dernière, l île de gauche.
Utiliser un cadre naturel L un des inconvénients de la photographie, sur le plan de la composition, c est qu on est limité à une forme précise de support qui est toujours pleinement rempli à la prise de vue. Certes, vous pouvez toujours rogner les photos après tirage ou en utilisant certain montage numérique. Mais, une méthode très répandue en photographie consiste à exploiter un cadre naturel présent dans la scène. Les arches, les colonnes, les arbres, les portes et les fenêtres sont couramment utilisés ainsi, offrant un moyen artistique de limiter la zone utile de l image. En étant un peu attentif, vous trouverez un peu partout des cadres naturels. L imbrication de cadres a également d autres applications. Par exemple, elle permet de masquer des détails gênants de premier plan. Elle donne également une impression de profondeur. Elle peut aussi montrer la vision qu on a de la scène vue d un endroit particulier.
Dans cette image le sujet serait le ponceau et la porte. Les branches feuillues formeraient une sorte de cadre naturel à la scène.
Dans cette prise de vue où le cadrage naturel rappelle une tête de cheval. On peut dire que c est lui le sujet principal de la prise de vue.
Dans cette image les deux monolithes forment un certain cadrage sur un paysage un peu dilué, montrant le retour vers le bateau. On pourrait même dire qu ils forment en quelque sorte le sujet de l image montrant les sentiers étroits qu on retrouvaient sur cette petite île de l archipel- de-mingan.
Porter attention à la ligne horizon Faire attention pour avoir un horizon bien horizontal semble en théorie facile, mais ce l est beaucoup moins dans la réalité. Certains appareils ont des aides pour cela, comme une grille ou encore plus poussé un horizon artificiel comme celle des avions. Bien qu une légère inclinaison ne soit pas dramatique dans une photographie, ça reste un petit peu gênant pour le photographe qui recherche la prise la plus parfaite. Personnellement, je fais de mon mieux sur le terrain pour être le plus horizontal possible, mais je ne me casse pas trop la tête dans mes images en général. Car, pour moi, c est une chose que je peux très facilement corriger en post-traitement. Concernant ce point, un conseil que j aimerais partager avec vous. En photographie sportive et de scène (où il y a beaucoup de mouvement), on cadre généralement un peu plus large que la normal pour s assurer de tout avoir et pouvoir corriger un désaxement du photographe lors de la prise de vue. Car dans le feu de l action, il n est pas rare de ne plus être horizontalement à la suite d une poursuite du sujet dans le viseur. Ce conseil me vient de photographes expérimentés en photographie de ce type et qui n ont pas eu peur de me dire ce petit secret.
Cette image a été prise en roulant, alors je n ai pas été capable d avoir une précision sur l horizon. De plus, on peut remarquer que lorsqu un objet référence est inclus dans une image, on voit immédiatement ce défaut. Par exemple, si le garde de boue en bas de mon image n aurait pas été là probablement que je n aurais même pas remarqué la faible inclinaison de l image.
Dans cette image j ai gardé le garde de boue pour vous montrer la différence, car personnellement je ne trouve pas cet élément utile dans cette prise de vue. C est aussi un exemple où un cadrage bien fait aurait éliminé cet élément gênant en premier plan.
Dans cette exemple, je veux vous montrer qu il est aussi important de porter attention à l horizon dans le portrait particulièrement s il y a dans l arrière-plan des éléments de ligne droite parallèles au sol. Il se peut, que plusieurs d entre vous n auraient peut-être pas remarqué ce défaut à première vue, mais vous verrez qu après cet atelier plusieurs remarqueront plus facilement ces petits détails en regardant des images.
Dans cette image la correction est beaucoup plus subtile. J ai choisi ici de me baser sur la base de la statue pour la rectification, car il y a ici un effet de perceptive sur la statue. Pour les petit curieux, oui les personnages on été éclaircis. Je profile aussi de cet exemple pour dire qu il est souvent intéressant que les personnes ne soient pas figées droit devant un monument, mais montrant une certaine interaction avec leur environnement.
Utiliser les diagonales De même que si vous placez le sujet en plein centre d une photo, elle sera quelconque. Vous constaterez que si les lignes de l image sont parallèles aux bords, les photos seront tout aussi dépourvues de vie. Bien entendu, il est parfois souhaitable qu il en soit ainsi. Par exemple, sur une photographie prise de face à un bâtiment, on s attend à voir les lignes verticales tendrent vers le haut ou les lignes horizontales courir perpendiculairement aux bords du viseur. Comme j en ai parlé tout à l heure, une photo incluant un horizon plat ne doit pas être inclinée. Toutefois, il peut être intéressant, si possible, de cadrer la photo pour qu au moins certaines lignes la traversent en diagonale. Ces lignes inclinées donnent du caractère à la photographie et guident l œil d un angle à l autre. Elles introduisent aussi du mouvement dans la scène. Ce qui rend les diagonales si intéressantes dans une composition, c est leur opposition avec le cadre rectangulaire de la photo. Elles rendent aussi une image dynamique simplement par l angle qu elles forment par rapport aux bords horizontaux et verticaux du médium.
Dans cette image la ligne diagonale que forment ces demoiselles permet de voir dans un premier temps leurs visages, puis guide notre regard d un coin à l autre de l image.
Ici, la diagonale que forme le corps de ce jeune patineur induit le mouvement de ce dernier à notre cerveau.
La couleur La couleur est de loin l élément le plus marquant d une photographie, mais aussi celui qui exige le plus d attention. En effet, à la différence des autre éléments, chaque couleur provoque des émotions et des réactions. Les couleurs vives attirent aussitôt le regard, tandis que les couleurs discrètes se fondent dans l arrière-plan. Certaines couleurs sont apaisantes et d autres nous stimulent. Nous réagissons encore plus fortement aux couleurs lorsqu elles sont associées. Car elles se complètent harmonieusement ou se heurtent. Ce sont toutes ces réactions que le photographe doit prendre en compte, lorsqu il travail en couleurs. Personnellement, il y a une question que je me pose souvent concernant les couleurs durant mes prises de vue. Pourquoi, suis-je attiré par cette couleur? En répondant à cette question, je découvre souvent ce qui est intéressant de ma photographie.
Dans cette image, un fait intéressant côté couleur est le magenta assez saturé de la jupe et du ruban de la jouvencelle qui se marie assez bien avec la lumière ambiante aux couleurs pastelles. Ici, les couleurs et la luminosité de ces dernières inspirent un sentiment de fête chaleureux.
Dans cette image, on retrouve le blanc s opposant avec le noir. De plus, le rouge contraste bien sur les tons de brun. Ici, on retrouve un très bel exemple comment la lumière influence les couleurs. Où la lumière est forte on retrouve un rouge très vif et un brun clair et où la luminosité est plus faible le rouge est plus fade et les bruns très foncés. De plus vous remarquerez que le noir est beaucoup moins influencé par la luminosité.
Dans cette image, on peut remarquer que la clôture de la galerie ressort bien de l image par le contraste avec le reste de l image. Tandis que le rouge brique, le brun clair du bois de la chaise et la couleur de la galerie se marient presque ensemble.
Cette image camaïeu, c est-à-dire qu elle joue principalement sur une couleur avec des tons variés de cette dernière, ici une variation jaune-orangé vers un rouge-orangé.
Dans cette image, le jaune et le rouge attirent tout de suite le regard sur le sujet de la prise de vue en plus ils sont renforcés par un fond de couleur froide.
La forme La forme est le contour tridimensionnel d un objet. Si un contour suffit pour identifier un sujet, il ne renseigne pas sur son volume. Comment différencier une sphère d un cercle? C est sa forme qui montre s il s agit d un volume et non d une surface. Elle indique qu un objet peut être ramassé, fait apparaître les courbes du visage et renseigne sur la structure d un bâtiment. Ce qui nous permet de percevoir la forme, ce sont de subtiles différences de tons et les différentes sortes d ombres. Une pomme rouge, par exemple, n a pas la même couleur, ni la même teinte sur toute sa surface visible. Certaines parties sont plus brillantes, d autres présentent des niveaux d ombres variables. Les tons plus sombres indiquent une incidence de la lumière différente, par rapport aux zones qui sont éclairées sous un angle plus direct. Un changement progressif de la tonalité suggère une forme courbe, tandis qu un changement brusque révèle un angle vif.
Accentuer les formes Sur une photo, les ombres révélant les formes, souvent appelées modelées, dépendent de l angle et de la qualité de la lumière. Un éclairage directement devant ou derrière le sujet produit une ombre quasiment inexistante ou au contraire trop importante. Ce manque de contraste ne met pas les formes en valeur. L éclairage latéral en revenge donne du modelé. La lumière rasante éclaire certaines surfaces, créant des ombres plus marquées ici et plus faibles ailleurs. Ce sont ces nuances de ton qui révèlent la forme ou la texture du sujet. Pour un effet optimal, soyez attentif à la qualité de la lumière. Elle ne doit pas être trop directe: préférer les éclairages plus diffus offrant un changement de tonalité progressif révélant davantage les formes. C est pourquoi contrairement à la pensée de plusieurs débutants en photographie, les journées ennuagées sont plus intéressantes pour la prise de vue que les journées de soleil de plomb. Car, sous un ennuagement, la lumière est plus diffuse. De plus, les périodes du lever et du coucher du soleil sont les meilleurs pour révéler les formes et pour donner de belles ambiances.
Dans cette image, on observe que les ombres et les changements de tonalité nous révèlent les formes assez arrondies de ces rochers.
Dans cette image, les formes sont beaucoup plus révélées par les lignes que l on sait être droites dans la réalité et qui forment des vagues dans cette prise de vue. C est par cela qu on remarque les variations dans le relief de ce paysage-là.
Ici, même si je n ai pas fait un très gros plan sur les rochers, on peut voir la texture raboteuse des roches sédimentaires que forment ces îles. De plus, on remarque aussi les stries de ce type de minéral.
Dans cette image c est par les changement de ton de vert qu on peut observer les variations de relief dans chaque montagne.
La texture À bien des égards, la texture peut être vue comme une forme en miniature. La forme indique qu une pêche est plus ou moins sphérique, mais ce sont la texture et les ondulations de la surface vue en gros plan, qui montrent que ce n est pas une nectarine, ni un autre objet rond. La texture permet de distinguer le jade poli de la pierre brute. Elle indique qu une pomme est flétrie et ridée plutôt que ferme et mûre. La texture est ainsi un bon moyen de donner une illusion tactile. Elle donne une idée de la sensation que procurerait l objet photographié si on pouvait le toucher. C est très souvent par l éclairage qu on révèle la texture d un objet. Par exemple, l éclairage rasant forme des ombres et des hautes lumières indiquant si une surface est lisse ou inégale. La photographie de texture demande une mise au point très précise et une profondeur de champs adapté à la situation. De plus, généralement on cadre serré pour que la surface occupe toute l image.
Cette image est un classique dans la photographie de texture. Les textiles sont très souvent de bons sujets pour les textures.
Les Motifs La nature abonde en motifs, qu ils s agissent des contours répétitifs des feuilles d un arbre, de la forme hexagonale d un nid-d abeilles ou des quartiers d une orange. Certains sont également l œuvre des humains, des briques des maisons au tissu des vêtements. Les motifs sont nombreux, dès qu on y porte attention. Un motif, est avant tout la répétition d un élément spécifique. L essentiel étant qu il attire le regard. Ce dernier a deux conséquences importantes pour le photographe. D abord, si vous isolez un motif dans une photographie, vous obtenez une image forte, surtout si le motif est inhabituel. Ensuite, le motif peut envahir toute une composition. Il peut être difficile de voir autre chose, le motif risque alors d occulter les autres éléments. Par exemple, il tend à brouiller les informations sur la forme et la profondeur du sujet; ainsi, les photos comportant des motif semblent souvent plates et s apparentent à un papier peint.
Dans cette image, les motifs sont créés par la répétition d éléments semblables rassemblés ensemble.
Conclusion En conclusion, la composition c est principalement le côté artistique de la photographie. Il y a tellement de choses qui composent la composition qu ici c était simplement un survole de ce sujet. De plus, c est principalement une question de créativité du photographe. Alors, il y a une bonne part du travail de composition qui est une recherche personnelle pour trouver son style et découvrir de nouvelles manières d aborder un sujet ou un thème de photographie. Pour cela, il n y a pas réellement de secret, il faut faire énormément d expérimentations et observer ce que les autres ont fait. C est pourquoi, je visite souvent des expositions de photographies ou je vais voir des galeries Internet de photographies pour voir ce que les autres font. Par la suite, quand j aime une image, je m attarde plus longtemps sur cette ou ces dernières pour découvrir ce que j aime et comment le ou la photographe a réalisé cela.