Le cinquecento, XVI e siècle

Transcription

1 Le cinquecento, XVI e siècle Introduction Entre 1480 et 1520, surtout à Rome, les artistes et architectes (qui sont souvent les deux à la fois) tentent de réaliser LA grande synthèse de toutes les recherches du quattrocento. C est un moment qu on étiquette comme étant classique et qui s appuie sur des personnalités extraordinaires (Léonard de Vinci, Raphael, Michel-Ange )! Ces personnalités arrivent de Florence à Rome au moment où les papes veulent redonner du blason à Rome grâce à une conjonction d argent et de pouvoir. A Venise, ce moment classique s épanouira aussi et surtout dans la peinture et là une grande personnalité donne le ton, c est Le Titien. Entre 1520 et 1560, les esprits et le climat sont plutôt troublés, des événements ébranlent les grandes certitudes! En 1517, c est la réforme de Luther, le début des guerres de religions. En 1527 le sac de Rome par les troupes de Charlequin à lieu. Dans ce contexte, les artistes vont exprimer cette espèce de doute qui s insinue dans tout. Ils vont faire des variations à partir des grands modèles classiques, Ils vont créer des effets, des torsions, des manières plus ou moins teintés de ces inquiétudes, c est ce qu on appelle le maniérisme A partir de 1563 le concile de Trente organise la contre-réforme catholique en réaction à la réforme protestante en mettant en place une machine de guerre très particulière : la propagande religieuse pour séduire. C est le début du Baroque et des ses grandes mises en scène. Les compositions, d'abord statiques et souvent triangulaires, tendent vers la complexité et le mouvement au XVIe siècle. Peinture : La lumière uniforme et claire traduit un espace abstrait au Quattrocento ; sa source artificielle provient de la partie supérieure droite et permet la mise en volume par le clair-obscur (chiaroscuro). Des effets d'ombre et de lumière plus contrastés au Cinquecento estompent les contours et créent un modelé illusionniste, dont le sfumato (enfumé) de Léonard de Vinci montre l'effet extrême. Les couleurs, mates au Quattrocento, se fondent ensuite grâce à la technique à l'huile qui permet aussi de traduire l'éloignement par la dégradation des tons et des contours (perspective atmosphérique). Ces innovations s'exacerbent ponctuellement au XVe siècle. Le XVIe siècle effectue la synthèse pour atteindre la sensation de la vie : qualité de la peau, vérité des poses, mouvement, présence psychologique, appelée «état d'âme» par Léonard de Vinci. Cependant, les artistes de la Renaissance recherchent moins le réalisme que la beauté et l'harmonie. Ils créent à partir de l'observation de la nature, mais ne l'imitent pas. L'étude de la civilisation gréco-romaine guide les artistes vers un idéal de perfection. Elle influence le décor architectural et les motifs appelés «grotesques». La philosophie fournit le type humain idéal dans ses proportions, sa musculature, l'ovale parfait du visage, le nez droit, le front triangulaire, l'expression mesurée et l'équilibre dynamique du corps par le hanchement Ce modèle débouche sur la pureté classique de Raphaël au Cinquecento. La lecture de Vitruve, architecte romain du 1 er siècle av. J.-C., apprend que la forme humaine peut s'inscrire dans des figures géométriques parfaites (carré, cercle). Les artistes enrichissent cet apport de leurs réflexions théoriques personnelles : Albrecht Durer, par exemple, déduit ses proportions en référence à un élément 1

2 du corps pris pour module; la beauté des formes naît de leur interaction. Marsile Ficin, helléniste et philosophe au service des Médicis à Florence, concilie les idées de Platon avec le christianisme, cette doctrine néoplatonicienne inspire les créateurs comme Michel-Ange. Le dessin, vecteur de la création, prime sur la réalisation peinte au point que les grands maîtres, tels Raphaël et Véronèse, confient facilement l'exécution des tableaux à des collaborateurs. 1. Botticelli (néoplatonicien) Il veut célébrer la beauté, il crée les allégories, ce sont des récits symboliques, métaphoriques. Belle observation des fleurs, les visages sont très androgynes en trichant pour les rendre beaux Sandro Botticelli (v ), la Naissance de Vénus, v Tempera sur toile, 172,5 278,5 cm Poussée par les vents, Vénus arrive à Cythère (l île de l amour). Elle est accueillie par la déesse des fleurs. Cette beauté est artificielle, ce qui explique sans doute son succès, elle gagne le monde des idées. Pose en contraposto. 2. Léonard de Vinci Il est à la fois homme de science et artiste, c est un observateur aristotélicien et pour lui le dessin est un moyen d exploration du monde. L œil-la main-le dessin. Il écrivait de la main gauche et à l envers pour le lire il faut un miroir. Il «touche» aux sciences de l observation, de l anatomie, de la botanique, de l optique, de la physique mais aussi urbaniste, musicien, organisateur de fête, poète et évidemment peintre et théoricien de la peinture, de la perspective. Il représente une synthèse des savoirs. C est l homme de la renaissance par excellence. Dans ses carnets il y a un désordre incroyable, il y a pleins d idées mélangées. Il observe des tas de choses comme les expressions, l anatomie, 2

3 La dernière cène, peinture murale à la détrempe (tempera) de 460 x 880 cm, réalisée de 1494 à 1498 pour le réfectoire du couvent dominicain de Santa Maria delle Grazie à Milan Le sujet : moment où le christ dit que quelqu un l a trahit, les gestes des personnages traduisent à chaque fois d un type de sentiment, de réaction éprouvés par cette annonce : l étonnement, l objection, la demande La Joconde (1503), entre 1503 et 1506, Huile sur panneau de bois de peuplier, 77 cm 53 cm Une des inventions majeures de Léonard De Vinci est le sfumato (la fumée) De Vinci comprend que la nature ne dessine pas, nous percevons des masses travaillées par l ombre et la lumière dans une ambiance lumineuse. Il va noyer le contour et insister sur les nuances, chez lui les nuances infinies des modelés sont ahurissantes et plongent ses personnages dans une seule ambiance clair /obscur. On a à la fois un effet de masse, de climat de lumière et un discours sur le mystère. Léonard invente le sourire qu on dévoile à peine, avant on faisait des portraits neutres. Remettre de l ombre pour donner du volume, pas de lignes qui aplatissent, pas de cernes. La cosa mentale Léonard décrète le statut intellectuel de l artiste contre son statut d artisan. Depuis le M-A, ils sont dans la corporation jusqu'à la révolution française. 3

4 Par étape, son statut de penseur va être reconnu notamment par les académies. Léonard revendique la part de projet, de concept et donc d idées inhérentes à la démarche artistique. L artiste pense avant de faire et ça à l opposé de l artisan qui exécute. Idée reprise par Marcel Duchamp et puis par l art conceptuel, moment très important dans l histoire de l art. 3. Michel-Ange ( ) Il est avant tout sculpteur. Le pape Jules II (colérique et capricieux) voulait redresser Rome. Il va attirer des artistes à lui dont Michel-Ange. Les gens disaient à cette époque qu il était «tellement le meilleur que plus personne n en était jaloux». Une chose qui est claire c est que Michel-Ange est néoplatonicien à l opposé de Léonardo. La chapelle Sixtine ( ) L histoire de la création de la chapelle Sixtine est le résultat d une intrigue. Bramante, pour dévier Michel-Ange de la construction du Vatican, conseille à Jules II de lui faire peindre le plafond de la chapelle Sixtine. Michel-Ange est furieux car il est «sculpteur et non peintre». C était un homme torturé, compliqué, invivable. C est une œuvre qui s étale sur 4 ans, ce qu il va mener entièrement seul.ò Michel-Ange était avant tout un sculpteur. Au fur et à mesure qu il avance, la crise s installe à l intérieur de son œuvre et les caractères du maniérisme s inscrivent dans des formes de plus en plus malmenées, en torsion, en tension, en étirement bref, en expression de malaise. Piéta , Statue en marbre, 174 cm 69 cm, Basil!que St Pierre de Rome Lorsqu il a 22 ans, il exécute la Piéta qui est une expression de la souffrance. Il s agit de la descente de croix du christ, quand la vierge retrouve le corps de son fils mort. Le christ en en fait un apollon religieux qui n est plus dans la souffrance mais dans l acceptation. Le drame devient harmonie alors qu il était crise. C est une sculpture platonicienne. 4

5 Rimes plastiques ; grand S, le corps du christ est raide car mort, le drapé est souple, plein de vagues. Cette œuvre l a directement propulsé au sommet! cette sculpture est en grandeur nature. Détail corps du christ Corps grec incroyablement maîtrisé au niveau de l anatomie. Détail main et corps qui tombent : Détail visage de la vierge : David, Pour lui, la sculpture surpasse la peinture. Il s agissait d un bloc de marbre pur de 4metre de haut donc rare, Ceci peut symboliser l orgueil florentin. C est un sujet biblique mais le traitement est antique, c est une synthèse antique. Ce qui était antique c était le déhanchement de Praxitèle. David contre Goliath, c est David le frêle berger qui gagne. Ici, Michel-Ange représente David juste avant le combat C est déjà un peu maniériste car Michel-Ange déforme pour donner de l effet. C est une sculpture publique qui doit être mise sur la place de florence. Classique : beau en soi, nombre d or. Maniériste : effet, pour le regard, mise en scène. Ça peut aller jusqu au trouble de l inquiétude (torsion). Ce qui est exagéré : L œil est trop grand, trop enfoncé, il y a une énorme zone d ombre entre l œil et le nez. Le nez est exagéré c est une muraille! 5

6 Michel-Ange est mélancolique jusqu'au bout, il est adulé, vénéré et il va quand même dire : «en choisissant l art, je me suis trompé, j aurais du choisir Dieu et rien désormais ne pourra apaiser mon âme», c est quelque part le premier romantique, c est un homme en crise. C est un géant colossal de l art! 4. Raphaël : ( , il meurt donc vers 35 ans) Raphael tente LA plus grande synthèse possible, il est LE peintre officiel par excellence. Il va fonder tous les principes de l académie qui seront valable jusqu au début du 20ème dans les écoles. Il fait le lien entre le classicisme grec et la peinture occidentale. Le Mariage de la Vierge, 1504, huile / toile, 170 x 117 cm Marie avait une série de prétendants, en venant se présenter à la vierge ils ont tous une branche d olivier et le rabbin dit qu il mariera celui qui aura le bâton où l oiseau (messager du ciel) viendra se déposer et celui-ci se déposera sur le bâton de Joseph. Tout est en équilibre, la perspective est centrée, c est une architecture idéale, Il y a de la stylisation mais il y a aussi du naturel, le geste est naturel mais noble. L exemple type c est le personnage à droite qui casse son bâton de rage car il n a pas été choisi ; son corps est parfait et idéalisé, sa pause est plausible tout en restant noble. Raphaël ( ), l'école d'athènes, Fresque, à la base : 770 cm, Vatican 6

7 Commande de Jules 2, chambres du Vatican, vers Raphael va réunir les grands penseurs de l Antiquité. et en faire jouer certains rôles par des personnalités de la Renaissance, ses contemporains. Léonard de Vinci est pris pour Platon, Michel-Ange représente Héraclite, philosophe de l éphémère, il est vraiment platonicien, il touche vraiment aux idées pures. Bramante joue le rôle d Euclide, grand géomètre. Les personnages sont placés dans un bâtiment idéal, on est dans un espace qui serait le futur saint Pierre. Maitrise extraordinaire du dessin d académie, de l anatomie, de la perspective, des raccourcis, des formes idéales. 7