OPEN DES ARTISTES DE MONACO «Le temps, sous toutes ses déclinaisons» Exposition Collective du 6 Février au 5 Mars 2014

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2 OPEN DES ARTISTES DE MONACO éme étape EXPOSITION COLLECTIVE DES ŒUVRES SELECTIONNEES Pour la présente quatrième édition, organisée par la Galerie L ENTREPÔT, en partenariat avec Monaco Telecom, le thème proposé aux candidats était : «Le temps, sous toutes ses déclinaisons» La première étape s est déroulée du 13 au 26 Janvier Elle a mis en compétition 130 œuvres, dont les artistes couvraient 11 nationalités. Cette étape a permis de sélectionner 28 œuvres de 28 artistes différents, pour la présente exposition. Elle était divisée en deux parties. D un côté, une sélection de 3 œuvres par le vote des Internautes et d autre part, 25 œuvres sélectionnées par le Jury. Cette étape est essentielle, non seulement pour sélectionner les œuvres de l exposition collective mais aussi ; pour donner une visibilité aux œuvres présentées dans le concours. Ce fut particulièrement le cas cette année où, la fréquentation du site de L ENTREPÔT, a battu tous les records depuis la création du concours. Ainsi en deux semaines (14 jours exactement), il y a eu : pages vues, contre , en 2013 Exposition Collective du 6 Février au 5 Mars visiteurs uniques ; contre 9.200, en votes. Il est à souligner également, l extension de la zone d attractivité du concours. Si la région Cote d Azur prédomine naturellement avec Nice visites et Monaco visites ; les internautes de nouvelles villes ont découvert les œuvres et le concours : Paris visites, Toulouse 585 visites, Toulon 579 visites, et également Menton 330 visites ou encore Montpellier ou Hyères. Par ailleurs, l internationalisation du concours se confirme, avec l Italie, 4% des visites, l Europe du Nord (Belgique, Nétherlands, Germany) 3,5 % les Usa Canada, 2,5 %, la Grèce, 1,5%,

3 La présente exposition collective se déroule du 5 février au 5 mars 2014 Pendant cette période trois prix seront attribués Le «Prix de l Open des artistes de Monaco 2014» sera attribué par le jury et proclamé au cours de la soirée de clôture. Le vainqueur gagnera une exposition personnelle à L ENTREPÔT, qui devrait avoir lieu en décembre Par ailleurs l œuvre retenue sera publiée sur la couverture de l annuaire de Monaco Telecom (page jaune) Anna Abbou vit et travaile à La varenne saint Hilaire «Amoureuse de peinture depuis toujours, j ai décidé de peindre ce que j aime, je voue un intérêt tout particulier à l abstraction géométrique. Initialement autodidacte, il m a semblé naturel de m inscrire dans un atelier d art afin de m aider dans la voie que je me suis fixée, c est-àdire, peindre. Je ne le regrette pas et cette expérience enrichissante m a confortée dans mon objectif Je travaille principalement le noir, du plus clair au plus foncé. Je peins le noir dans son ensemble, dans sa grande générosité sans le cantonner à une valeur mais essayant de le décliner dans toutes ses nuances. Ma préférence pour les toiles de grands formats alliée à cette dominante noire, pigmentée par la matière, me permet d habiter l espace en toute simplicité mais je l espère de façon pertinente.» Le «Prix du Public», au cours de cette exposition les visiteurs pourront voter, dans la galerie, pour l œuvre de leur choix et participer ainsi à attribuer le prix. L attribution du «Prix du Public» aura lieu le 5 mars. La fin du dépouillement se déroulera en public, lors de la soirée de clôture de l exposition. L oeuvre du gagnant sera publiée sur la couverture de l annuaire Monaco Telecom (page blanche) Le «Prix Monaco Telecom», le partenaire de L Open des artistes de Monaco 2014 qui sectionnera une œuvre photographique, qui sera également dévoilée lors de la soirée de clôture. Le vainqueur aura son œuvre publiée sur la couverture de l annuaire de Monaco Telecom (édition «collector») Cette année la concours est placé sous le patronage de Yan-Pei Ming Le jury est composé de : - Claude Rosticher (Président) - Francine Carrère - Martine Meunier - Paul Emmanuel Dubois - Gérald Panighi - Jean- Pierre Pastor - Martin Perronet - Nicole Laffont It s time 100 x 73 cm Technique= mixte acrylique et modeling past. Prix : «La réalisation de la toile est dans une dominante de noir Essayant sans relâche de faire sortir la lumière de l obscurité... La lumière n existe que grâce à l obscurité, sans ce contraste, la lumière ne serait pas nommable. It s time, c est le moment, l opportunité pour moi de faire sortir de l ombre toute la luminosité intrinsèquement liée au noir.»

4 Abdelouahab Mahiddine vit et travaille à Menton «Tout a commencé dans mon pays natal, l Algérie, alors que j étais gamin. Dans mon quartier, un artiste peintre réalisait pour les salles de cinéma, des affiches de films en peinture. J étais impressionné et même émerveillé par son travail. Il a suscité en moi un intérêt certain pour le dessin, la peinture. Je me suis très vite essayé à mon tour et je me suis découvert plutôt doué C est comme cela, qu à l âge de 14 ans, j ai réalisé et vendu mon premier portrait. À 20 ans, j ai quitté l Algérie, et cette fabuleuse découverte... C est bien plus tard, avec du temps à ma disposition, qu aussitôt j ai renoué avec cet art. La passion et l esprit créatif, la beauté, l harmonie des couleurs, ont toujours fait partie de mon univers, malgré tout. J ai visité de nombreuses galeries, échangé avec beaucoup d artistes, lu, observé, avec une certaine avidité, j ai absorbé comme une éponge tout ce que je voyais, ce que j entendais. C est donc en 2011, que j ai commencé à peindre. Je me suis rapproché progressivement de cet art, libéré mon imagination, créé des personnages sûrement lié au besoin de découvrir un monde nouveau, Je sentais un énorme besoin de m exprimer par la peinture, ma sensibilité était à fleur de peau, comme s il y avait un manque à combler, une lacune, avec ce retard, J ai peint, expérimenté des techniques, des matériaux différents, et j ai découvert mes capacités intérieures. J ai très vite trouvé mon style. Je réalise toujours mes sujets directement sur la toile. Ils se dévoilent à moi, au fur et à mesure. À chaque fois, c est une découverte, un étonnement, une vibration! Perfectionniste autodidacte passionné de fantastique, «un surréaliste imprégné de science-fiction qui flirte avec le mythe», Eden Adams se situe dans la lignée des peintres visionnaires. Il peaufine longuement ses toiles monumentales, baroques et mythiques. Les personnages conquérants et tourmentés évoluent sur fond d épopée antique. «Du bout de son pinceau, avec une infinie patience, il invente des univers parallèles et énigmatiques. Les regards de ses Atlantes sont fascinants. Beaux, lointains, semblables aux héros de l antiquité Viennent-ils de la mythologie? Sont-ils projection du futur ou envers du miroir?» L artiste expose dans l ouest de la France et à Paris entre 1984 et 1992 dont le Salon des indépendants au Grand Palais et l Espace AGF rue de Richelieu où son talent d illustrateur est remarqué. Entre 1989 et 1992, il crée une affiche pour le festival international de Paris du film fantastique et de science- fiction et collabore à différentes maisons d éditions pour réaliser des couvertures de romans «fantastiques» et de revues. L artiste ne s arrête pas à l univers de la science-fiction. Avec le «Monaco Riviera», un journal imaginaire relatant les aventures du Saint contre le Masque Noir à Monte Carlo, il mêle vues de Monaco, art graphique et photos de Roger Moore qui incarna Le Saint dans les années 60. Il expose au Café de Paris en 2008 grâce à la SBM et l acteur britannique dédicace ses premières œuvres. Les Arches du temps Je ne marcherai plus sous les arches du temps Et je traverserai les portes d outre-monde D un marbre vert, ancien, aux veinures d or fin. Je serai à la fois le veilleur ciselé des temps immémoriaux Et l archonte éternel des cités matricielles. Dans un souffle de temps, je verrai flotter parallèlement au sol Les portes d outre-monde d où surgiront les dieux. Leurs prunelles électriques et l absence d iris Evoqueront le tourment de leur rêve génésiaque, leur délire abyssal. De leur bouche nacrée, jaillira un flot luminique sonore, Un chant subatomique éclairera l espace des arches temporelles. Emplissant de leur verbe les cités d obsidienne, Les néocréateurs sculpteront la mémoire d un peuple sans limite. Les dieux me parleront et mon front traversé par leur faisceau de voix Brillera sous les arches La trace de mes pas s arrêtera pour toujours aux portes d outre-monde. Je ne marcherai plus sous les arches du temps... Temps Réalisée sur papier peinture à l huile et collage. (sélection internet) 102 x 70 cm Prix : Chrysalide trans-temporelle des dieux endormis (sélection internet) 93 x 66 cm Acrylique sur toile Prix : Pour traiter ce thème (le temps ), une horloge qui en mesure son écoulement,des chiffres (secondes, minutes, heures, mois, années...), des effets sur la matière, et une femme très sensible au temps qui passe et qui laisse des traces... L art visionnaire entraîne l homme sur les rivages des mondes infinis. Les œuvres deviennent des portes permettant de franchir le seuil des éternités perdues d où l on ne revient pas. Ainsi, l artiste a la capacité de créer des paysages intemporels.

5 Francois Bel est né à Lyon, il travaille et vit à Toulouse. «Ma démarche est issue du street art et de ses principes de répétition et de déclinaison. Les groupes, les grouillements, les multitudes me fascinent. Mais je suis une photocopieuse cassée qui ne copie son environnement que suivant une certaine sensibilité. Ma pratique s exerce en sculpture, sur toiles, et sous forme d installation. Mon médium est le fil de fer, ce dernier est principalement utilisé dans la vie courante pour la confection de clôtures, d enclos, pour délimiter des propriétés privées. La symbolique de ré-appropriation de ce matériau n est donc pas anodine. Je travaille actuellement des objets issus de notre société de consommation pour les décomposer, les fragmenter, les fractionner.» Cette démarche et les sculptures qui en résultent, suggèrent une double problématique: La première est celle des indignations que symbolisent ses explosions d objets figées dans des systèmes complexes (de fil de fer), à la manière de nos révoltes et colères emprisonnées dans des contextes économiques, sociaux, culturels, politiques Ce procédé me permet de réaliser des compositions de ces décompositions, ces fragmentations ; comme le ferait un paysagiste du produire/consommer/jeter/recycler La seconde correspond au questionnement et la fascination de l humain face au temps et au mouvement qui leur échappent et contrarient son besoin de contrôle. Photographe de formation, Sandrine Berthon s est d abord spécialisée en prises de vues aériennes par hélicoptère en Ile de France. Aujourd hui, elle crée des tableaux à partir de photos. Son univers est onirique et haut en couleurs. Chaque tableau raconte une histoire, chaque histoire est un voyage, un rêve ou une émotion qui se dévoile. Elle aime jouer en travaillant sur la transparence, les contrastes, laisser les couleurs se fondre et s enchevêtrer pour mieux se révéler. Sur certains elle ajoute de la peinture, du vernis, des pastels, des feuilles d or, du texte Ces créations sont ensuite imprimées sur Dibond ou aluminium brossé et recouverts de résine comme une seconde peau qu elle pose elle-même et qui apporte profondeur et intensité aux couleurs. Pour cela je suspends le mouvement dans mes sculptures pour donner la sensation, l illusion que le temps est lui aussi «cristallisé» et satisfaire l utopie de l arrêter. De manière plus générale, je m emploie à «saisir» en sculpture le temps et l espace» O Clock 80 x 34 x18 cm Fil de fer galvanisé Dans cette sculpture je m interroge sur la fascination de l humain face au temps qui lui échappe et contrarie son besoin de contrôle. Je suspends le mouvement pour donner l illusion que le temps se «cristallise» et satisfait l utopie de l arrêter. En même temps j exprime la violence de l éclatement de l objet; symbolisant nos colères et nos indignations prisonnières et figées dans des systèmes (dans ce cas de fil de fer). Evanescence 100 x 70cm Création graphique numérique, peinture or, finition vernis époxy, piece unique Prix : Une ambiance onirique avec en trame une réflexion sur la temporalité le ciel, la vie et la conscience. Des couleurs qui s enchevêtrent pour mieux se révéler, à la recherche de transparence et de vibration. Cette transparence est en fait la révélation de secrètes pensées que d aucuns nomment l imaginaire. Ce tableau requiert la collaboration du spectateur, un effort d interprétation, dix fois regardé, il raconte dix fois une histoire, un voyage ou un rêve différent. Un indice le fond de voute céleste a été créé à partir de vieilles coques de bateaux patinées par les embruns, les années

6 «Je suis Zaz Ginger Fur, plasticienne française. «Je suis née, vis et travaille à Toulouse. Je suis issue du monde de la communication et des arts graphiques. J y ai exercé comme assistante en communication dans de grosses structures, puis en tant que graphiste au sein de plusieurs studios de création et en free-lance. J ai toujours eu, autant que possible, une pratique artistique par ailleurs mais je disposais de trop peu de temps pour m y consacrer. Depuis un peu plus de 3 ans, je m oriente réellement vers une expression plastique personnelle. Après une série d œuvres numériques «fluides femelles 1 et 2», je travaille actuellement les techniques mixtes, en particulier la série «Torn & Caress» dans laquelle a pu s inscrire l œuvre «Tempus» réalisée pour la Galerie de l ENTREPOT. J ai exposé dans plusieurs galeries, essentiellement dans la Région toulousaine. Vous pouvez retrouver mon travail sur : Christian Bonavia est profondément ancré dans la tradition du POP ART et de la Figuration Narrative, dans un jeu de contradictions intentionnelles. Ses œuvres peuvent se lire comme une histoire qui développe une thématique où domine la femme et où chaque toile raconte une anecdote. Son style est tout en sobriété autant dans la composition que dans les masses de couleur. Ses peintures épurées, lisses et sans effets, donnent un caractère intemporel à ses compositions, influencées par la photographie où ses personnages restent figés dans l étendue indéfinie du temps et de l espace. Sa technique très neutre proche de l imagerie publicitaire se situe délibérément à part. Ce réalisme se pare de mystère et ses œuvres apparaissent comme des énigmes futiles et entêtantes. Bien qu il ait opté pour un chemin relativement discret, on le retrouve dans des expositions personnelles ou collectives : Il vit et travaille à Monaco. Monaco (Comité AIAP UNESCO, Jardin Exotique, Auditorium Rainier III, Open des artistes, Quai des ARtistes),France (Paris : Carrousel du Louvre et Grand Palais; Cannes; Ste Agnès), Italie (Milan), Espagne (Madrid, Barcelone), Tunisie (Tunis), Japon (Osaka, Yokohama, Sendaï), (2ème Biennale d Art Contemporain de Beijing, Exposition Universelle de Shangaï, Pavillon de Monaco)... Tempus 46 x 54,5 cm Techniques mixtes Prix : 600 Comme je travaille en ce moment sur une série d œuvres en techniques mixtes, (constituées de personnages composés de parties de corps issues de photographies personnelles et pillées de-ci, delà, d encre, de peinture, de lambeaux d affiches cueillis sur les murs des cités, salis, lacérés, vieillis naturellement et artificiellement) le temps est très présent dans ma démarche actuelle. C est pourquoi la thématique de cet appel à projet, «le TEMPS sous tous ses formes» a eu une évidente résonnance en moi et m a poussée à participer. Le temps et Baudelaire Dans le travail que je vous propose ici, mon désir a été totalement porté par un esprit baudelairien. Car le fameux «spleen» du fabuleux poète se nourrit bel et bien à la source sombre du Temps. La mélancolie face au temps qui passe, aux souvenirs anciens «j ai plus de souvenirs que si j avais mille ans», aux stigmates de ce temps sur les choses er les gens, au «ciel bas et lourd» qui «pèse comme un couvercle» Ce spleen est totalement enchevêtré à la notion de temps chez Baudelaire, et m a inspiré l œuvre présente. Il est la vie même. Ce concept de spleen face au temps est, paradoxalement, intemporel : En effet, il touche en particulier les jeunes de chaque génération en lutte avec leurs agitations et leurs mélancolies et donc renait perpétuellement de ses cendres pour habiter les plus jeunes d entre nous. Comment vas-tu après toutes ces années? Acrylique sur toile, encadré 62 x 100 cm Prix : Le destin est incontournable et intervient sans prévenir. Une voix se fait entendre, un visage apparait, brusquement le flot des souvenirs vous submerge, les images se brouillent, le présent, le passé, le passé au présent. Le vide est vertigineux, infranchissable, les pistes se confondent, cette route ne conduit nulle part, mais on rêve de la prendre. Dans un tourbillon qui engloutit la raison, l inconscient domine le rationnel et les marionnettes du destin sont prisonnières de la main qui les guide, incapables de s y soustraire, et seule la magie de l art dans son intemporalité peut donner un sens à cette situation improbable. L acteur devenu spectateur regarde défiler les images d un scénario invraisemblable où les acteurs sont perdus dans le temps.

7 Christine Cotinaud est née à Sainte-Adresse en 1965, elle est enseignante à Nice et membre du Collectif photographique PHOTON. «J ai suivi une formation artistique à l école nationale d art de Dijon (D.N.S.E.P. en 1994) et à l université Paris-Sorbonne (Master recherche en arts plastiques 2006). Ma démarche se situe dans la confrontation des pratiques artistiques peinture, dessin et photographie. J utilise des matériaux variés comme la colle de peau, le papier calque, la toile à beurre et mes photographies sont imprimés sur des papiers à grain ou de la toile. Le support se transforme en «peau», il devient une surface dépositaire de la trace, celle d une poésie de l architecture dans La couleur de l ombre où les ocres, orangés et sienne constituent quasiment un monochrome, ou bien signe graphique et surface de couleurs dans Esquisse photographique et La couleur de l intime. La référence à la peinture est présente dans certaines de mes photographies alors même que je m oriente de plus en plus vers le paysage. Le reflet et le flou brouillent la profondeur de champ et le paysage en photographie s abstrait pour nous rappeler certaines recherches picturales. Mes dessins sur papier calque sont une expression plus spontanée de ces recherches sur la trace, la transparence et la profondeur. Ils trouvent leur prolongement dans les Marines où la surface s irise comme une peau, le mouvement se perçoit comme un souffle. Ces images de la mer deviennent plus troublantes dans Méditerranée lorsque les pratiques et les emprunts se confondent dans la photographie. J aime beaucoup marcher parce que le rythme est naturel et doux. De plus en plus, je peux lier ce plaisir à mes recherches artistiques où la photographie, le dessin et la peinture se mêlent poétiquement dans Paysage initiatique». Anne Cuif : «En effet, je me donne pour mission première «d exprimer» à travers le prisme de ma propre sensibilité, la nature sous toutes ses formes... source infinie d inspiration. Mon expression d abord figurative et à l huile ( j ai fréquenté l École des Beaux Arts de Rouen) est devenue résolument abstraite grâce à une rencontre avec Jérôme Tisserand, de l Ecole des Beaux Arts de Toulouse et professeur en Arts plastiques de la ville de Paris, lui même Peintre abstrait. Fascinée par le pouvoir des formes et des couleurs qui ne sont pas «copies» mais «expressions.».. J ai résolument abandonné l huile pour l acrylique en y mêlant cependant parfois des matières donnant du corps à l oeuvre ( papier, feuilles d or etc..).je suis également très influencée par le travail photographique et la collaboration avec ma fille, Alpiniste de haut niveau, qui me donne à voir des sommets que je ne pourrais atteindre...autrement que par la pensée. Niçoise d adoption depuis plus de dix ans, je continue à travailler avec mon «professeur» et conseillé Pierre DERIE à qui je dois d avoir fait éclore ma personnalité picturale. J ai participé à de nombreuses expositions internationales ou européennes dont Rome au Palais Papal, en Septembre Deux expositions personnelles sont en préparation. Prix obtenu : Le prix du public lors du GEMLUC-ART de MONTE-CARLO.» «La Mission de l art n est pas de copier la nature mais de l exprimer» (Honoré de Balzac) Paysage initiatique 50 x 50 cm peinture et photographie sur châssis entoilé Prix : Ins-temps-tané 80 x 100 cm Acrylique sur toile Prix : Ma pratique se situe dans la confrontation de la peinture et de la photographie. Pour ce thème, j ai associé à ce paysage, peint et photographié, un vers de Marina Tsvétaïéva (Eloge du temps), pour mettre ensemble le temps spatial, atmosphérique et métaphysique. Dans le «temps spatial» représenté par le paysage, le temps de la nature «physique» avec le temps de la nature «spirituelle» devient une synthèse du temps du monde (hors de moi) et du temps de l âme (en moi), transcrit dans les brumes du «temps atmosphérique» et les névés du«temps métaphysique». C est une mise en scène du temps, dans son rapport à la vie et à l éternité. La photographie devient un autre support pour la peinture qui la recouvre. Le temps présent dans l acte de peindre s associe à une métaphore Quand le ciel et la terre semblent se toucher Le temps se fige en couleurs irréelles Avant que la nature par l orage envoûtée Ne déverse des éclairs en frissons de dentelle

8 Alexandre Dauly est né à Rouen en 1976 et vit depuis peu à Menton. Il développe dés son enfance une certaine sensibilité artistique principalement grâce à sa mère qui peint, modèle et dessine. Il faudra attendre fin 2012 pour qu il commence à produire une série de photos retravaillées uniquement dans le but d exorciser un passage difficile de sa vie. Il veut mettre en lumière par son travail consistant en une série de portraits, voire d autoportraits, le fait que le sentiment humain se transmet principalement par les expressions du visage, du regard et des mains. Son envie est de fusionner ces éléments pour qu au final, une nouvelle dimension d expression prenne naissance. Techniquement, le constat de vivre dans une époque ou tout est hyper défini dans le détail l incite à partir à contresens pour offrir un rendu diffus, parfois flou et pixélisé. Toutes ses photos sont prises à partir d un téléphone portable en faible définition, puis alternativement retravaillées numériquement sur ordinateur et via des applications de traitement d images sur le téléphone. Selon lui, l imperfection permet de préserver la magie et l âme de ce qui nous entoure, il a voulu y contribuer à sa façon. Simon Friot est un artiste, né à Montbéliard en Autodidacte, il découvre la photographie en Il commence tout d abord par la macrophotographie et la photo nature. Puis il réalise une série de portraits en noir et blanc, des personnalités du village de Bourguignon pour une première exposition personnel à l age de 16 ans. C est alors qu il découvre le pouvoir de l image et des messages qu elle diffuse. Simon participe alors à plusieurs expositions dans des lieux divers: bars ou galeries d art. Lors de l été 2008, il réalise une exposition au cœur de la citadelle de Besançon lors de la campagne internationale de préservation des amphibiens où il montre d une manière artistique ces animaux. Arrivé à Nice en 2010, il prend plaisir à parcourir la ville armé d appareil photo, c est alors que nait le livre «Un Jour à Nice». Il participe à plusieurs expositions en France et à l étranger où il aborde des sujets tels que l actualité, le sida, la religion... Le dernier souffle d un souvenir sur la route du temps 57,5 x 78 cm Montage photographique Impression Digigraphique. tirage unique Prix : 800 «Le long chemin du temps qui passe... cette route bordée par le néant que nous suivons sans pouvoir y échapper. Vous y croiserez les bribes de votre vie, l empreinte de votre jeunesse, des souvenirs en train de disparaitre... et au bout du chemin subsistera un seul souvenir,...celui de «l autre», de l amour éternel...» J ai composé cette œuvre à partir d une photo prise cet été au monastère de Cimiez à Nice, j ai eu la chance de capter cet instant magique où une véritable scène vivante s offrait à moi, tous ces personnages sont présents tels quel sur la photo d origine. Le portrait féminin central est celui d un de mes «souvenirs», je n avais pas croisé ce regard depuis 22 ans, j ai pris une série de photos le jour de nos retrouvailles pour travailler sur son portrait fusionné, pour qu ainsi il puisse nous parler de toutes ces années passées ICI, JADIS, IL Y AVAIT UN CHAMPS DE BATAILLE. 40 x 5O cm Photographie et feutre Piece unique Prix : 800 Le temps passe, l histoire s écrit, ses traces s effacent. On s allonge et on se repose sur ces pelouses en oubliant qu ici, jadis, sur ce seul endroit, il y eut plusieurs champs de bataille où des hommes sont morts en se battant pour notre liberté. Outre quelques plaques et monuments de commémoration, seule la transmission de souvenirs du passé ne nous fera pas oublier comment nos ancêtres ont façonné notre histoire, notre présent, notre avenir.

9 Raimond Hommet est un artiste français né à Nice en Après ses études aux beaux arts de Paris et une formation d instructeur de Taï Chi Chuan (Art martial chinois) il réalise trois œuvres publiques : La création d une mosaïque ornementale de 4x2m dans les locaux du musée du Louvre (Paris), une sculpture monumentale d un mémorial sur la déportation dans L Essonne, une fresque - mosaïque de 850 m2 pour la ville de Saint Laurent du Var. C est principalement en se servant de dessins tirés de carnets de voyages, que Raimond Hommet crée peintures, sérigraphies, sculptures, mosaïques Il met en relation l art et le mouvement, ainsi que ses recherches personnelles, orientées vers la compréhension de l énergie au travers d un symbolisme issu de traditions millénaires. David Gabriel Kavafy est né en 1961 en Roumanie. Il vit et travaille dans le centre de la France Il écrit et publie depuis Bien qu établi en France depuis 1990, il entretient des relations étroites avec les milieux artistiques roumains. Il développe une activité de plasticien, photographe et vidéaste et travaille sans relâche pour permettre aux artistes et écrivains roumains de dialoguer avec leurs confrères du reste de l Europe. En 2011, pour sa première exposition à L Entrepôt, Kavafy s était attaqué au mythe du communisme par une série d installation- sculptures réunies sous le titre de «L. Aventure rouge». «L» en même temps article de l aventure et initiale de Lénine, image qui lui a servi de guide emblématique pour ce parcours. En 2013, une deuxième exposition personnelle, à L Entrepôt dans lequel il s attaque à un autre mythe, celui du temps. Il vient de publier Le premier roman de sa trilogie Chronique des Anges démunis : «Le Lieutenant» L horloge des Ames 57 x 57 cm Techniques mosaïque de montres et d éléments d horloge. Prix : Synchronisation 30 x 40 cm Photographie couleur sur dibond Prix : 500 L Ame en s incarnant dans sa forme corporelle est soumise au temps chronologique. Dans l œuvre, les différentes montres qui forment le cœur le symbolisent. Le cœur est l horloge temporelle de l Ame. Mais quand il est aligné à l esprit, il est relié au divin, et par ce chemin, il devient intemporel. L œuvre nous renvoie à notre enfance par l accumulation ludique des montres et l observation au travers d une loupe qui change notre échelle, et nous plonge dans un regard d enfant. Le temps chronologique laisse place à la vitesse de la lumière, à celle de l esprit. Au cœur du temps réside le temps du cœur. En route vers ce point où l horizon rejoint le temps. Je pense que la photo n a pas besoin de plus...

10 JHANO Jean LAVAT a 36 ans, il est né en région parisienne, vit et travaille à Toulouse. Artiste protéiforme, peintre et sculpteur. Artiste toulousain d adoption, Jhano se passionne depuis de nombreuses années pour l étude des corps. Son travail puise son inspiration à la fois dans la recherche d une représentation harmonieuse, présente dans les sculptures antiques, mais aussi dans des œuvres contemporaines où les corps apparaissent plus crus et torturés. Schiele comme Rodin viennent parfois se mêler à un univers influencé par les comics américains, afin de nous livrer une œuvre surprenante d une douce violence. Après une formation en sculpture aux Arts appliqués, Jhano s est ouvert au cours des années à une plus large palette technique, avec comme fil directeur l envie de transformer en oeuvres d Art des objets et des matières considérés jusque-là comme des déchets. Avec, notamment, ses sculptures, assemblages de cintres, Jhano s inscrit de manière emblématique dans la mouvance Récup art. Julien Lecointe est un jeune peintre normand, né en 1985, Il peint depuis l enfance de manière autodidacte, évoluant au gré des années en s imprégnant des œuvres d artistes qu il admire. Il travaille sur les multiples facettes des sports mécaniques et de leur histoire, sur le rapport à l héroïsme, la vitesse, l ingénierie, ou encore la mort, tout en inscrivant une touche de glamour par des couleurs tranchantes et sensuelles. Il expose à partir de 2007, dans des collectifs d artistes, ou seul lors de participations à des évènements auto et moto. Affectionnant l illustration, il est aujourd hui autant sollicité pour des expositions que pour des logos ou affiches de soirées et rassemblements. Il va faire beau mon amour... 26,5 cm / 32,5 cm /10 cm encre, peinture acrylique et aérosol sur un assemblage bois et modelage plâtre Prix : 800 Childhood memories : Le voyage dans le temps par le souvenir encadré 50 x 70 cm Encre de couleur, pinceaux et plume Prix : Je souhaitais illustrer la fugacité du temps qu il fait et du temps qui passe, tout en l inscrivant dans une certaine immortalité à travers son titre: «il va faire beau mon amour...» Trois vieillards se remémorent leur fascination pour la Ferrari 312 de 1967, l auto fonctionne comme un miroir, les confrontant à un temps révolu... La vision rêvée, fantasmée depuis leur enfance est renforcée par une gamme de couleurs limitée à celle de l automobile, elle isole les protagonistes en éclipsant tout autre détail du souvenir. Ces couleurs (comme l automobile en question pour les connaisseurs) apportent une tension funeste, un héroïsme prêt à basculer dans la tragédie appuyant le caractère irréversible des évènements, et du temps.

11 Nathalie A. Lecuyer est née au coeur du bassin Parisien et vit actuellement à Nice. Elle est, dès l enfance, touchée par l Art. Elève au conservatoire de musique et danseuse classique puis moderne pendant 15 ans, elle s initie à l aquarelle en famille. Elle étudie également les sciences humaines et psychologiques, la philosophie de l esprit, l énergétique puis met ses connaissances au service des autres en tant que thérapeute puis consultante et formatrice en développement personnel et professionnel. La peinture fait aujourd hui partie de sa vie, comme symbole de plaisir, de joie et de partage. Elle utilise principalement l acrylique et l encre de chine. Nathalie participera notamment cette année à la vente aux enchères au profit des Philippines et à l exposition «Océans» au musée océanographique de Monaco avec le collectif d artistes «Sarasvati». Nathalie Leger «Mon aventure artistique commence au fil de l eau dans la région des châteaux de la Loire. Ce paysage est un point d ancrage avec mes origines puis avec l épanouissement de mon travail en tant qu artiste autodidacte au départ. Le processus de la pratique artistique libre me transporte peu à peu vers un un voyage initiatique avec le monde des formes, de la couleur puis avec la rencontre des êtres. J ai transmis cette expérience auprès de personnes fragilisées en tant qu intervenante en art plastiques dans les milieux qui soignent pour la plupart en psychiatrie. Ce chemin, en corrélation avec ma pratique artistique a été pour moi, une voie ouverte à la connaissance. «En tant qu artiste, je suis sensibilisée à l exploration de tous les possibles dans l évolution de mon travail, dans les interstices de mon imaginaire» J utilise dans ma pratique divers matériaux. La peinture acrylique, à l huile, le pastel, l encre,la poudre de marbre mais aussi le charbon, les papiers déchirés, les matériaux de récupération Actuellement je travaille sur la représentation poétique des paysages urbains déchus d après plusieurs images photographiées et/ou mémorisées comme celles d un hôpital désaffecté, de maisons incendiées, de stations de métros dépouillées de leurs affiches, de mur. Akasha 70 x 70 cm Acrylique sur toile Prix : 800 Il existe une énergie, une essence subtile qui crée l espace et le temps, l Akasha, là où réside la matrice, l éther universel de la Terre. En lui nous avons la Vie, le mouvement de l Etre, les mémoires et l énigme du temps... L instant figé 85 x 97 cm Technique mixte sur papier (Peinture acrylique, liant ) Prix : L oeuvre et la durée, le moment du geste : Le moment du geste est inscrit dans la matérialité de l œuvre achevée ( le ) Le temps...le temps est un mouvement continu ou le présent devient le passé. Ici il est représenté figé...c est le moment ou tout s arrête

12 Née en 1966, Nathalie Matheudi vit et travaille dans les Alpes Maritimes. Après plusieurs années de formation en autodidacte dans de nombreux ateliers académiques de dessin, de volume, de céramique, Nathalie Matheudi exerce essentiellement son activité artistique autour de la pratique de la sculpture, de la terre et de l émaillage. L œuvre de Nathalie MATHEUDI nous immerge immédiatement dans un univers artistique qui implique le passage du conscient à l inconscient. Une force mystérieuse agit en elle et anime sa recherche en parfaite connexion avec ses sensations et sa sensibilité artistique. Elle n imagine, pas elle ressent...elle exprime le travail des formes, des textures et des couleurs au travers de la terre (l argile). Elle complète ce travail par la maîtrise de la matière et du feu (RAKU).Une matrice est pensée (big bang), l origine du monde, de l explosion des sens, de notre destinée. Faire émerger ces paroxysmes au moyen des rondeurs sensuelles et féminines, vers l engagement singulier et fort de cette œuvre de joie, de vie, notre quintessence Elsa Milanesio, «Agée de 23 ans, je suis originaire de Monaco. Depuis petite je suis passionnée par l art, surtout par la peinture et par la photographie. J ai eu la chance de voyager et cultiver ma passion en visitant différentes expositions. Si je devais en retenir une, ce serait l exposition sur Pierre Soulages qu il y a eu l an dernier à la villa Medecis de Rome. Ce fût un réel choc esthétique. Je suis actuellement étudiante aux beaux arts de Pau en 3 ème année. Mon univers plastique repose sur une pratique picturale orientée vers le monochrome, c est-à-dire l expression même de la radicalité livrant des subtilités inédites. Je m intéresse à la matière de certains éléments : ici cendre pour sa qualité chromatique. Il s agit d extraire du réel un élément que l on ne pourrait pas reproduire. Je travaille cette matière comme de la peinture, non pas comme un matériau mais comme un élément pictural Je cherche ainsi à créer un équilibre reposant sur un ordre et un chaos.» Météorite 39 cm diamètre argile chamotée cuisson raku Prix : Une sensation, une émotion fulgurante qui traverse l espace-temps. Le besoin urgent de mettre mes mains dans la terre, l argile. Le temps s arrête, moment intense, je rejoins l inconnu submergée par mes ressentis, la genèse est en route Je donne enfin naissance à ma création. Puis c est le séchage, l attente La première cuisson à 1000, ensuite le calme avant la tempête, je suis en suspens, c est l instant de la réflexion ; de l émaillage La deuxième cuisson à 980, toujours attendre Enfin c est l action! Je sors ma pièce du four, choc thermique! L émail se fendille, après c est le mariage avec le dernier élément de cette métamorphose, la sciure qui enveloppe ma sculpture ; puis le feu, la fumée qui s infiltre dans toutes ses craquelures. C est l explosion des sens, réactions alchimiques Une météorite, issue d un big bang, le raku, la joie, le bonheur, la vie, notre vie, notre quintessence Vie 50 x 80 cm Techniques mixtes sur toile (cendres;liant,acrylique) Prix : 750 Concernant le sujet «temps» j ai souhaitais y répondre en faisant un diptyque. Celui-ci questionne la temporalité, d une part, sa réalisation et d autre part, sa lecture. J ai voulu traiter ce diptyque comme une narration, qui traduit un début et une fin. Pour cette peinture je me suis intéressée sur la matière de la cendre. En ce qui concerne la 1er toile, il s agit de travailler la cendre comme de la peinture, et d en faire ressortir sa chromatique. Ce qui m intéresse dans ce travail, c est les nuances apportées par la cendre, ainsi que sa matière. Le choix de cet élément représente le cheminent de la vie et traduit pour moi la notion «temps». J ai travaillé la cendre avec une répartition non maîtrisé. Le fait de la confronter à cette peinture grise me permet de renvoyer la cendre à de la peinture a proprement parler. Ce gris me permet également, de faire ressortir toutes ces nuances. Je le considère comme élément neutre, qui permet à d autre chose de devenir visible. Ce gris traduit également le coté vaporeux qui se dégager autour de la cendre.

13 Néa Oget, est une artiste plasticienne.née en région parisienne en 1981, Néa Oget passe son enfance en bateau, un pied sur terre, deux pieds dans l eau. De sa vie entre ciel et mer, naît une vision bien à elle de notre réalité, qu elle n a de cesse d exprimer: dessin, peinture, sculpture et collage. Son parcours est atypique. En 2008, après des études supérieures en Lettres, Sciences politiques et Communication, et un avenir professionnel semblant tout tracé, elle s évade et quitte la région parisienne pour retrouver l océan et s installer en Normandie, à Honfleur, où elle ouvre son atelier en Elle vit aujourd hui entre Paris et Honfleur. Dans un climat surréaliste où se téléscopent des siècles d images, Néa Oget nous conte des histoires, nous livre son monde avec humour et poésie. Au fil de ses oeuvres, l artiste nous entraîne à la lisière du fond et de la forme, nous emporte quelque part entre le rêve et le voyage. Michael ALESI Né à Monaco, Maxime Peregrini est photographe autodidacte depuis une dizaine d années. Après quelques expositions individuelles et collectives, son travail photographique sur la Principauté a été publié dans le livre photos «Reflets sur Monaco». Ce portfolio présente Monaco de manière originale au travers de reflets dans les flaques, vitrines ou autres carrosseries. Après 10 années de pratique, la passion de la photographie est intacte et Maxime a encore de nombreux projets à développer. Photographe engagé, Maxime est membre fondateur de l association Photomenton qu il préside depuis Cette association organise des évènements photographiques (festivals, expositions, projections ) au profit d Organisations Non Gouvernementales. QUOI? L ETERNITE. Collage sur mannequin en résine et sculpture électronique. Hauteur : 68 cm Largeur : 35 cm Profondeur : 25 cm Poids : 3,2 kg Prix : Le temps d un instant format A2 59,4 cm x 42 cm dans un cadre 70 cm x 50 cm Temps d exposition : 6 secondes Prix : 300 Une révolution métaphysique du temps humain est en marche; la bionique s attache à remplacer de plus en plus efficacement des membres ou organes du corps humain par le biais de greffes de parties mécaniques et de systèmes électroniques. Ces progrès de la science permettront peut-être un jour à l Homme de vieillir à l infini, et d accéder à l immortalité. La vie éternelle constitue l un des rêves les plus anciens et les plus fous de l histoire de l humanité. Cet hybride homme-machine, cette fusion de l organique et du mécanique, fait donc référence à ces évolutions de la techno-médecine.une question métaphysique en découle à mon sens; elle est la suivante: que feront les Hommes de cette immortalité??? Comme l a dit Woody Allen, l éternité, c est long. Surtout vers la fin! Au large de Monaco, le temps maussade, matérialisé par un éclair venu d ailleurs et d un autre temps, est figé par un long temps de pose de 6 secondes mais qui n est finalement qu un temps très court...

14 Michel Recoules est architecte et peintre, Monégasque, il vit et travaille à ALBI «Regagner sa liberté d expression» Après 30 ans d exercice de mon métier d architecte années d enthousiasme mais aussi de contraintes, 2010 a marqué pour moi le besoin de créer autrement et de mener de front deux types d expression. Encres, huile, papier, carton, toile autant de supports qui me sont nécessaires pour dessiner librement, imprimer des traces, des textures, des couleurs, des transparences et des opacités. Sculpture pour le plaisir du volume et de l accroche de la lumière, mais aussi sculptures pour le plaisir du trait et de la couleur. Joséphine Rutherford a grandi dans le Yorkshire, un région d Angleterre qui a un riche passé historique en rapport avec l industrie textile. Elle y a fait des études et elle est partie en Italie pour travailler à Côme, ou elle s est spécialisée dans le création d imprimés pour des tissus de mode. Elle a toujours aimé les beaux-arts. Attirée par la côte d Azur, elle a travaillé à Monaco, avant de se consacrer à la peinture et à l écriture. Son art est un voyage où s exprime les expériences et les mystères de la vie. Grace à les tableaux ou se retrouvent tous ses sentiments, elle cherche à créer un véritable dialogue avec le spectateur. Pour elle une image, plutôt qu un millier de mots, est porteuse d un message de partage. Expositions personnelles : Collections particulières : MONACO, ESPAGNE, COLOMBIE mais aussi PARIS, ALBI, BORDEAUX, LA ROCHELLE Prisonniers du temps 35 x 35 x 95 cm Verre, béton fibré, bambous, photos, encres Prix :1 000 Cosmos 70 x 50 cm encadré Techniques mixtes Prix : 580 «Entre frissons et tourments...traces de l éternel à l instant...prisonniers du temps» Certains phénomènes semblent bien suivre une «flèche» du temps. Depuis le Big Bang le cosmos se dilate et se métamorphose irréversiblement, le Vivant évolue vers toujours plus de complexité. Mais d autres phénomènes sont indifférents à une orientation du temps.

15 Kaza «Fascinée par l urbanisme, je recherche les moyens plastiques pour rendre compte des phénomènes générés par les mégalopoles : la densité des structures architecturales et les effets lumineux. L accumulation de fragments de pages de magazines me permet d exprimer le foisonnement et la multitude. La pratique du collage n est pas anodine : je veux prendre la couleur là où elle se trouve. Le recyclage des magazines me permet de faire un lien entre l art et la société de consommation puis citer mes artistes favoris du Pop Art, comme Richard Hamilton, les affichistes Villeglé, Rotella, le photographe Andreas Gursky. J ai étudié aux Beaux Arts Municipaux de la Seyne sur Mer (Var), l histoire de l Art à la Sorbonne (Paris), l archéologie à la Faculté des Sciences Humaines d Aix en Provence avant d enseigner les Arts Plastiques pour l Education Nationale. Née en 1975, je vis et travaille à Hyères dans le Var» Patricia Schroeter est née le 4/02/1961, fruit de la brassée de cultures méditerranéennes émigrantes, grandi au milieu des livres et des souvenirs de baroudes familiales... le fantôme d un grand père érudit, dessinateur et géographe a énormément influence mes choix... très tôt intéressée par le milieu artistique sous toutes ses formes de la musique à la danse et de la gravure à la photographie... passionnée de livres anciens rares et d incunables... marquée par les maîtres incontestés de l instant donné de Cartier Bresson à David Burnett... j aime montrer le monde en images, saisir les moments de vie... aujourd hui plus axée sur un monde fantasmagorique souvent violent mais toujours sensible... mes clichés se veulent messages d espoir Mes voyages hors des sentiers battus m amènent à côtoyer les populations les plus diverses... mon engagement dans la cause humanitaire me permet de m immerger dans un quotidien noir mais fait de valeurs partagées... Times square of my life (Sélection internet) 100 x 100 cm. Collage sur châssis. Prix : Chronos 2014/ tirage argentique/ contre collé sur forex/ 400x600 / traitement Holga 30 x 40 cm encadré Prix : 300 Voici un paysage urbain entièrement composé de papiers magazines. Au fil de mes lectures, je collectionne des morceaux d images que je ré-interprète afin qu ils se transforment en éclats de lumière. Cette vue s inspire de Times square, néanmoins on s aperçoit que dans le détail ce n est pas New York, mais un amas disparate de papiers recyclés. Le temps est ici évoqué non seulement par la présence de motifs explicites ; une montre, une bougie, l évolution d un embryon, les chronophotographies de Muybridge et d autres moins évidents comme les éléphants de la galerie de l évolution à Paris, une oeuvre de Dali, l archéologie, les traînées lumineuses des voitures Il n y a pas un tewmps pour tout et ces images retrouvent une seconde vie en s harmonisant entre elles pour nous offrir cette vision de la ville. Le Temps sous toutes déclinaisons: atmosphérique, spatiale, métaphysique «Dans un même temps, dans un temps unique, dans un temps enfin, toutes choses deviennent» Alain Demain est l ensemble des présents à venir, mais plus particulièrement ici, il est l objet dans son entier. D après Aristote, la chose fabriquée est le produit de l activité humaine qui lui survit. Enfin, l objet répété n est autre qu une Vanité. Vanité, objet représentant de manière symbolique la fragilité et la brièveté de la vie, du temps qui passe, de la mort, de demain ; ici le crâne humain, sa forme la plus courante. Elle dénonce la relativité de la connaissance soumise à la fuite du temps : «Vanitas vanitatum, omnia vanitatis.»

16 Dany Tulkens, artiste belge né à Louvain en 1953, travaille avec des matériaux divers tels que la pierre, l acier et le cuivre, mais affectionne particulièrement le bronze. Il a commencé par des Études de sculpture et graphisme à Bruxelles, puis entame une carrière de professeur de dessin. En 1984, il abandonne cette voie pour se vouer entièrement sa passion pour la sculpture et devient un sculpteur professionnel son propre compte. Il utilise des plaques de bronze qu il martèle, forme et soude avec une technique qui lui est propre, unique au monde. Les œuvres de Dany racontent une histoire à travers leurs formes et symboles. Ses sculptures nous emmènent vers un subtil mélangé de beauté choquante, cynique, et quelques fois humoristique! C est une œuvre relatant un conte d aujourd hui à travers des statues réalistes, qui sont toutes uniques. Dany expose régulièrement, surtout en Belgique et aux Pays-Bas. Son exposition la plus récente a eu lieu au Novotel à Monaco jusqu en Mai Son œuvre la plus connue se trouve dans sa ville natale à Louvain, sur la place Hoover, et s intitule Le Ballon de l amitié»... On retrouve aussi une de ses œuvres, à la faculté d économie de l université Catholique de Louvain. Nathalie Verdier, originaire de la Drôme, a suivi ses études à l Ecole Nationale des Arts Décoratifs de Nice, où elle choisit sa voie, délaissant volontairement les nouvelles technologies alors privilégiées, pour se consacrer aux techniques plus classiques de la peinture et de la lithographie. A la fin de ses études, elle poursuit son apprentissage au sein du prestigieux atelier du lithographe Pierre Chave, où elle assiste le Maître. Dans cet atelier, elle apprend à maîtriser la couleur et la matière, deux éléments qui ne la quitteront plus, dont elle se nourrit, et qu elle sublime. Ses choix chromatiques s affirment dans le temps. Le bleu appelle la rêverie et l abandon, guidés par des mouvements enjôleurs. Les rouges plus gras, nous projettent au coeur de l intrigue, sur la scène d un opéra ou d une salle de concert La maîtrise du trait et du mouvement est magnifiée par un travail éprouvé sur le fond et la matière. Nathalie Verdier aime l intimité que procure le dessin, avec comme principal protagoniste, l encre de chine noire, comme un prolongement de sa sensibilité jetée sur le papier» Crédit photo Emmanuel Juppeaux Le Sous-Marin, Sculpture en bronze, soudée et martelée, pièce unique. 114 x 107 x 40 cm Prix : Face aux changements climatiques, ce sous-marin disproportionné, pourra-t-il, tel une arche de Noé moderne, nous sauver des ravages des catastrophes naturelles de plus en plus meurtrières en nous abritant dans les fonds marins immenses et vides que l Homme a contribué à détruire et ainsi assurer la pérennité de l espèce humaine? Ceci rappelle que si nous n arrivons pas à vivre en symbiose avec la nature, une telle symbiose pourrait bien nous être imposée! Métronome Encres sur papier japonais 25 cm x 100 cm Prix : La musique rythme le temps dans mon atelier. Avec lui, les silhouettes se dessinent et courent sur le papier ; la course du temps. J égrène mes histoires sur la toile comme le temps égrène ses secondes, ses minutes Sophie Latil écrivait dans mon catalogue : «Les doubles croches dévalent furtivement l escalier de guinguois. Elles jouent à saute mouton avec les rondes et la clé d Ut, les noires et les croches pointées. Les plus espiègles, à cheval sur la rampe de vieux chêne toute rafistolée, n en finissent plus de glisser narguant les bémols endormis. Il ne faudrait surtout pas les bousculer en trébuchant sur les marches trop hautes. Il suffit de ralentir le pas.»

17 Alexis Yebra, né à Buenos Aires-Argentine en Peintre et sociologue. Il a étudié à l Ecole de Beaux-Arts de Mendoza- Argentine et suivi une solide formation pratique en peinture avec le maître Argentin Orlando Pardo. Alexis Yebra a participé à plusieurs salons et expositions d art et a obtenu en 1989 la mention d honneur du jury du Salon d arts plastiques Vendimia, Prix régional le plus prestigieux de Mendoza-Argentine. Ses œuvres sont présentes dans des galeries et des collections privées d Argentine, du Brésil, du Paraguay (CAV / Museo del Barro) et de France. Le travail de Yebra s élabore à partir d un nombre succinct d éléments rhétoriques : la couleur, la composition et le geste, présentés à la fois de manière très simple. Il ne nous offre pas des images évidentes mais obtient des figures poétiques dont la fragilité les rend plus puissantes. Son langage n est pas dogmatique mais entièrement expérimental, plein de pauses et avec l apparence d un discours élaboré à partir de fragments. Ses ressources nous parlent de la délicatesse de la peinture mais aussi de son incroyable pouvoir. Alban Martínez Gueyraud, critique d art, membre du Directive Board of AICA International The time is out of joint 53,3 x 46 cm acrylique et peinture à l aérosol sur toile Prix : Il y a toujours quelque chose du temps, du monde et de la représentation qui se joue dans l art. J ai donc voulu que ma peinture propose cette problématique en tissant une trame entre la peinture ellemême et le titre. The time is out of joint est la phrase prononcée par Hamlet (Acte 1, scène 5) après avoir parlé avec le fantôme de son père et découvert qu il avait été assassiné par son oncle. A présent les choses ont changé, elles sont devenues folles. Mais Hamlet est toujours destiné à hériter. Bien qu il n ait pas pris part lui-même au désajustement, il en est responsable. Selon le philosophe Jacques Derrida la formulation d Hamlet, The time is out of joint n est pas spécifique à la pièce de Shakespeare ni à l époque d Hamlet. Elle tient à l impossibilité du présent. Le temps fissure la possibilité d une simple identité à soi. Dans cette désarticulation, ce changement continuel, il faut, pour exister dans le présent, le remettre en place. Alors si le temps est désarticulé et déstabilise la possibilité de devenir identique à soi-même, est il donc possible de représenter ce qui n a jamais été présent? Et plus particulièrement dans la peinture, n en n a t il pas toujours été ainsi? C est peut-être autour de tout cela, qu elle n a jamais cessé de nous interpeler.