La composition d une photo. Philippe BERY Novembre 2016

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1 La composition d une photo Philippe BERY Novembre 2016

2 Règles pour composer une photo Bien évidemment, les règles artistiques qui se sont imposées au fil des années sont aussi là pour être bousculées. Sentez vous libre de les ignorer, de les violer ou de les oublier. C est l image finale qui est importante et vous êtes libres de faire ce que vous jugez bon de faire pour exprimer de l émotion ou une idée du monde qui vous entoure. Mais avant de balancer ces règles à la poubelle, apprenez à les maîtriser pour que ces oublis soient volontaires et non imposés. D un coté je vous présente des règles pour cadrer une photo et de l autre, je vous dis des les oublier parfois, vous allez trouver cela très paradoxale, mais avant toute chose c est vous qui aller exciter l œil de celui qui va regarder votre photo, puis l interpréter, et vos choix vont lui donner ou pas sa valeur. Il est a préciser avant tout que la composition d une photo, c est en fait la façon dont vous allez arranger les différents éléments de la scène que vous photographiez. Notamment en bougeant vous-même, voire en déplaçant des objets. Elle est donc forcément dépendante du format du cadre, c est-à-dire de la forme du rectangle que vous voyez dans le viseur. Cadrage horizontal ou vertical? Ca y est, vous vous retrouver en situation de prendre une photo. Vous prenez votre appareil en main, l allumez, et Dans quel sens prendre son appareil? Horizontalement, ou verticalement? De manière classique, une image paraît mieux équilibrée et plus stable lorsqu elle est prise en largeur. Ce cadrage correspond à la vision humaine puisque nos yeux ont tendance à balayer l espace de gauche à droite et que les appareils photos sont construits pour être intuitivement pris en main de manière horizontale. Oui mais Ce n est pas aussi simple.

3 La composition de votre photo La composition, c est donc la façon dont vous allez cadrer, mais pas seulement. Elle joue avec : la présence ou l absence dans le cadre de certains éléments la place donnée à chaque élément (est-il petit ou grand sur le cliché?) la netteté de tout ou partie de l image (et donc la profondeur de champ) les perspectives les lignes de force de l image qui vont guider l œil les couleurs, ou les contrastes entre les couleurs, ou entre les zones sombres et claires (et donc sur l exposition) Comme vous le voyez, composer une photo implique de travailler sur de nombreux facteurs, dont certains ont un lien avec l exposition du cliché. Il serait trop lourd d aborder tous ces points. La composition est soumise à certaines règles qui avaient déjà cours avant l existence même des appareils photo. En effet, la plupart des règles classiques de la composition sont directement issues de la peinture! Elles sont issues de notre culture, et nous permettent de mieux comprendre les photos, puisque nous ne sommes pas neutres face à une image : nous avons été influencés par tout ce que nous avons regardé avant. Ainsi, nous lisons les images comme nous lisons un texte, c est-à-dire de gauche à droite et de haut en bas. Il faut insister cependant sur deux points : Les règles sont faîtes pour être transgressées. De nombreuses excellentes photographies transgressent franchement certaines des règles que nous abordons ensemble. Avant de transgresser les règles, il faut les maîtriser. En effet, les excellentes photographies les transgressent volontairement et dans un but précis. Si vous débutez, il vaut mieux apprendre à les respecter, avant d apprendre les situations dans lesquelles vous pouvez vous en passer.

4 Le format Paysage Ce format convient parfaitement aux scènes dite «générales» (paysage, groupe de personnes, etc). Pour élargir son champ d utilisation et faire comprendre son intérêt, je préfère dire qu il convient aux actions qui se déroulent en largeur. Ce cadrage exprime la tranquillité et le calme, il rend l image stable, paisible, équilibrée. Avec ce format on peu jouer sur les perspectives, sur les éléments situés sur les différents plans de la photo ( au premier et à l arrière-plan). Mais vous pouvez faire un portrait avec un cadrage horizontal, ou un paysage avec un cadre vertical, parce qu on est en démocratie

5 Format vertical (portrait) On va demander à l œil de balayer la photo verticalement, ce qui est un exercice moins habituel. Il donne la sensation d agrandir l image. L œil accorde moins d importance à ce qui se trouve dans le haut et le bas de l image et ce type d image donne ainsi une impression d action et de proximité. Il faut donc que votre photo «mérite» un cadrage portrait : votre sujet est étiré en hauteur, (monument, personnage, cascade, ) ou l action se déroule verticalement. Par nature l œil humain est moins habitué aux compositions verticales car il doit balayer la photo de haut en bas et non de gauche à droite. Pour ce format vertical on parle également de format Portrait car utilisé le plus souvent pour les portraits, puisqu une personne étant généralement plus haut que large, le cadrage vertical lui convient mieux. Le format vertical accentue les diagonales, les perspectives, il évoque la force, la fierté, l énergie. De même, les éléments verticaux paraissent plus grands. Ce format convient également aux prises de vue mettant en scène une action qui se déroule sur la hauteur. Que vous utilisiez un cadrage vertical ou horizontal, il est important de s assurer que les lignes verticales sont bien parallèles au bord du cadre. Savez-vous quand prendre votre photo à la verticale? Immédiatement après voir pris celle à l horizontale. C est une bonne habitude à adopter. Ceci incitera votre regard à voir autrement. Relevez le défi, de temps à autre, et prenez des photos à la verticale.

6 Le sens de lecture d une photo Que cela vous plaise ou non, il est un fait établi : en découvrant une photo, nous avons tous le même réflexe oculaire. Nous balayons la surface d une image d un mouvement continu extrêmement rapide. De cette manière, nous avons l impression de percevoir un image de manière nette alors que notre œil a un champ de vision net très réduit. En sachant cela, il faut se servir de ce mécanisme pour inviter le spectateur à regarder le sujet principal en le guidant à l aide de l ensemble des éléments de l image. L œil est attiré par les points forts d une image, comme vu précédemment. Mais d autres éléments peuvent inciter l œil à s attarder sur une partie de l image ou faire abstraction d un autre : la netteté, l importance du premier plan, les couleurs, etc. Concernant le sens de lecture, il se fait habituellement de gauche à droite et de haut en bas, sur le modèle de ce schéma.

7 La règle des tiers La règle des tiers vous invite à considérer vos photos comme découpées en tiers horizontaux et verticaux : Les lignes horizontales et verticales marquent les tiers, on les appelle lignes de force. Les points aux intersections sont les points forts. Le principe est de laisser un tiers de l image à un élément, les 2 autres tiers à un autre. Élément au sens large, le plus souvent on oppose le sujet principal et son environnement, mais cela peut être une opposition de luminosité, de forme, de couleur,

8 La règle des tiers est simple : si vous voulez une image plate, ratée et sans vie, vous cadrez votre sujet au centre de l image. Si vous voulez une photo puissante, moins banale, mieux équilibrée Placez votre sujet sur un des 4 points d intersection imaginaire des droites, dans un des tiers de votre viseur. Ces quatre points sont les endroits d une image vers lesquels l œil humain est le plus attiré. On les appelle les «points forts». Attention : évitez de placer deux éléments importants de votre image sur la même ligne de force, ils auront moins d impact. Evitez aussi de placer un élément sans importance sur un point fort : il brouillera le sens de votre image. En portrait, placez les yeux de votre sujet sur un point fort et laissez de l espace dans le sens du regard. D une manière générale, (et ça vaut aussi en sport), laissez de l espace vide devant le sujet (immobile ou en action).

9 Exemples d'application La règle des tiers ne se limite pas à la photo, on la retrouve dans la peinture, le cinéma, la pub,... c est un principe puissant et très utilisé. Partant d une toile blanche, le peintre a tout loisir de composer ses peintures à sa guise, le recours fréquent à la règle des tiers prouve s il en est besoin ses vertus esthétiques. Ce paysage signé Van Gogh est un cas typique d utilisation de la règle des tiers, on a une opposition : De sujet : le ciel sur les 2 tiers du haut, le sol sur le tiers inférieur De couleur : bleu contre vert. Ici c est le ciel qui est mis en avant, avec une place spéciale pour le gros nuage dans le tiers haut-gauche. Exemples de règle des tiers en peinture

10 Sur cet exemple, la ville est offerte à notre regard, en mobilisant les deux tiers droit. La rambarde se contente du tiers inférieur (avant plan). La ville se trouve en arrière plan Le ciel occupe le tiers supérieur Ici aussi il y a une répartition de la luminosité selon les tiers. Les personnages sont mis en valeur sur le bord gauche du cliché en apportant une note sombre par rapport au reste de la photo.

11 Dans la photo de coucher de soleil, le soleil est positionné au niveau d un point d intersection entre une ligne horizontale et une ligne verticale. Il a été judicieusement placé la séparation mer/ciel le long d une ligne de tiers horizontale. C est une composition classique, mais elle a le mérite d être efficace! La règle des tiers indique que vous devez positionner les éléments les plus importants de votre scène le long de ces lignes ou à leurs points d intersection.

12 Ici, le photographe a aligné la fin des colonnes avec la deuxième ligne verticale. (Notez l usage de la perspective).

13 Sur cette photo d anémone, la tige n est pas tout à fait alignée avec la ligne verticale, mais la fleur (en tout cas la partie sombre) est presque entièrement incluse dans le rectangle. Un bon exemple pour une photo différente de paysage ou de portrait, mais aussi qui prend un tout petit peu de liberté par rapport à la règle. Dans certains cas, Il faut donc ne surtout pas centrer votre sujet ni même les éléments qui l entourent! Cette règle est particulièrement parlante en photo de paysage, voire en portrait, mais elle utile dans toute photographie!

14 Remplir le cadre Il arrive souvent qu une photo manque d intensité car le sujet principal n occupe pas suffisamment de place dans le cadre. Il se retrouve alors «perdu» au milieu d éléments qui n apportent rien à la composition et qui attirent le regard au détriment du sujet. En remplissant le cadre, vous concentrez l attention du spectateur sur votre sujet et uniquement sur lui. En réalisant un cadrage serré pour photographier cet enfant, le photographe a su mettre l accent sur l intensité de son regard. Un cadrage plus large aurait certainement produit une image moins forte. N hésitez pas a zoomer sur un élément pour le mettre en valeur! La règle des tiers a été respecté les deux yeux très expressif sont placés sur deux points d intersections la valeur artistique en est profondément augmentée et notre regard y est tout de suite attiré.

15 Le cadre dans le cadre Il est possible d utiliser les éléments présents dans la scène pour créer un cadre dans l image. Placer un cadre supplémentaire dans la composition permet d attirer l œil naturellement vers le point d intérêt principal. En entourant la tour Eiffel avec le feuillage d arbres, il est créé un cadre interne dans l image. Cette technique a permis de diriger le regard vers le sujet principal et aussi d obtenir une composition originale.

16 La symétrie Qu ils soient naturels ou artificiels, les éléments symétriques peuvent être à la base de compositions intéressantes. Il n y a souvent pas besoin d aller chercher très loin, la symétrie est omniprésente dans notre environnement quotidien! Les bâtiments, les monuments et plus généralement l architecture se prêtent bien à ce type de composition. En choisissant une composition centrée pour prendre ce bâtiment en photo, on peut constater que cette image ressort bien équilibrée.

17 Le cadrage d un portrait On ne peut pas arrêter ce cours sans parler des portraits. Voyons donc ensemble les 5 différents types de cadrages utilisés classiquement pour le portrait, et qui fonctionnent donc bien pour mettre en valeur votre sujet. Attention : ce ne sont bien évidemment pas les seuls cadrages possibles, et couper à tel ou tel endroit du corps ne garantit pas un bon portrait évidemment, de la même façon que ça ne vous empêche pas de trouver des poses un peu originales. Prenez donc cette liste plutôt comme de grands principes que comme des règles à respecter absolument. 1. Le portrait en pied ou plan moyen Comme son nom l indique, l idée est de prendre le sujet en entier, de la tête aux pieds. Ce type de cadrage peut être utile si vous souhaitez présenter votre sujet dans un certain contexte, quand vous souhaitez donner des informations sur le sujet grâce au décor. Il est évident que le visage jovial d un marchand de légumes bios sur un marché aura un impact différent en très gros plan centré sur le visage que si vous racontez son histoire en cadrant également son étal. Vous n êtes évidemment pas obligé de le cadrer en entier pour ça. En effet, le principal défaut de ce cadrage, c est qu en plus de saisir une bonne expression, il faut également une bonne position du corps d une manière générale pour qu il soit harmonieux, ou tout au moins qu il ne gêne pas le regard. Si vous faites poser votre modèle, il faudra donc aussi gérer cet aspect.

18 2. Le plan Américain Appelé ainsi en raison de son utilisation dans le cinéma américain (pensez aux westerns) ce cadrage coupe le modèle à mi-cuisses. C est une option intermédiaire intéressante si vous souhaitez montrer l environnement du modèle sans pour autant vous embêter avec la position des pieds et des genoux. Vous pouvez aussi jouer avec pour faire passer un message particulier. Jouer sur un aspect western un peu caricatural pour ajouter un peu d humour par exemple. Mais ce cadrage peut aussi convenir à mettre en valeur une silhouette féminine dont la taille et les hanches sont un élément important (vous allez me dire, les jambes aussi ) En tout cas, si vous souhaitez cadrer un peu large, c est une option à considérer sérieusement.

19 3. Le plan taille Un peu moins courant et classique, le modèle est coupé à la taille, au niveau de la ceinture. Ce cadrage peut mettre en valeur une élégance naturelle (pensez à un homme qui porte très bien le costume) ou une silhouette intéressante à elle seule. C est un conseil qui vaut pour tous les cadrages, mais veillez bien à ne pas couper les mains. En effet, on peut facilement le faire en cadrant comme ceci, les mains étant naturellement à peu près au niveau du bord du cadre. Pensez donc à guider votre modèle sur ce point, ou à attendre le moment décisif.

20 4. Le plan poitrine Coupé à mi-bras, entre l épaule et le coude. Très classique et efficace, ce cadrage sied à quasiment tous les modèles, et permet d apprécier la corpulence et d une manière générale l attitude du modèle. En effet, le plan poitrine permet à la fois de visualiser suffisamment le visage et les yeux sans forcément le voir de trop près (pensez aux défauts de la peau), tout en donnant une idée de l allure générale de la personne. Ce plan peut également bien mettre en valeur une silhouette féminine aux jolies épaules (enfin d une manière générale, mettez en valeur la silhouette de vos modèles ). Avec des modèles féminins, il vous faudra faire attention à la poitrine et cadrer très précisément : vous le verrez vous-même si vous essayez, mais vous ne pouvez pas couper n importe où sans risque que ça paraisse bizarre. Il est plus naturel de placer le bord du cadre nettement en dessous de la poitrine (on arrive presque au coude, à environ 2/3 du bras), ou alors de n en laisser paraître que la naissance (environ 1/3) du bras. Comme une image vaut mieux qu un long discours, voici une photo pour vous montrer. En vert, les cadrages qui passent, et en rouge, celui qui paraît moins naturel (vous avez le droit de ne pas être d accord, c est juste un truc qui est à remarqué

21 5. Gros plan / Très gros plan On regroupe ces deux cadrages très proches, qui se différencient uniquement par la présence ou non du haut des épaules dans le cadre. Ces deux cadrages mettent surtout l accent sur le regard, les traits du visage et l expression faciale. Ils fonctionnent très bien sur les personnes aux traits marqués, que ce soit par l âge, les conditions de vie, ou autre. Mais attention, ce type de cadrage très serré a tendance à révéler tous les défauts du visage : à utiliser avec parcimonie donc selon vos modèles et le but de la photo. J attire également votre attention sur la focale à utiliser. En effet, avec une focale relativement courte (80mm, c est-à-dire ce que vous obtenez en utilisant un 50mm f/1.8), vous allez pas mal vous rapprocher de votre modèle. Plus vous vous rapprochez, et plus vous déformez les perspectives (en pratique, ça fait un gros nez à votre modèle. C est pour cette raison qu on évite le plus souvent de faire des portraits au grand-angle, car il force à se rapprocher pour resserrer le cadrage. On peut difficilement parler de grand-angle pour un équivalent 80mm, mais en se rapprochant pour un très gros plan, on peut voir une déformation (pas forcément flagrante, mais présente). C est pourquoi je vous conseillerais d utiliser une focale plus longue 100mm, ou alors de faire attention à cette déformation (et peut-être de vous en tenir au plan poitrine, voire au gros plan).

22 Pour résumer, voici les différents plans, du plan moyen au très gros plan (TGP) La photographie est avant tout une question de plaisir, alors faites vous plaisir!

23 En conclusion, faut-il toujours chercher à appliquer ces règles de composition? Les règles de composition représentent un excellent point de départ pour s initier à la composition et obtenir des images percutantes. J espère vous avoir convaincu, à travers les exemples présentés, qu il ne faut pas grand chose pour apporter quelque chose en plus. Vous ne devez pourtant pas essayer de les appliquer de façon rigide. Si vous cherchez à utiliser une règle de composition pour chacune de vos photos, vous obtiendrez alors l effet inverse : des images répétitives et monotones. Même s il est couramment utilisé, le terme «règle» est d ailleurs un peu fort. Il sous-entend qu une photo ne serait pas réussie si elle ne respecte pas une règle de composition. Rassurez-vous, les règles de composition n ont rien d obligatoire : la photographie n est pas seulement une technique, c est aussi un art! Il peut donc être intéressant de les contourner ou carrément de les prendre à contre-pied. Je vous recommande juste de vous entraîner et de bien les maîtriser dans un premier temps pour pouvoir ensuite vous en affranchir. N hésitez surtout pas a reprendre ce cours de temps en temps, pour bien vous en imprégner cela deviendra un reflexe par la suite. Avant de shooter, posez vous la question «Cadrage horizontal ou vertical?», mais quoi qu il en soit je vous conseille également de toujours prendre des photos verticales et horizontales d un même sujet pour évitez de s en rendre compte qu il fallait le faire une fois rentrés chez vous. Bien évidemment ce ne sont que des aides, et rien ne vous oblige à les respecter. Certes ce cours est un «gros morceau» a assimiler, mais fort utile pour votre progression.