Période : L époque Contemporaine

Transcription

1 Période : L époque Contemporaine L'époque contemporaine Le XIXème Le XXème Naturalisme Ingres ( ) Fauvisme Matisse, André Derain Kis Van Dongen Surréalisme Réalisme Cubisme René Magritte Gustav Courbet Pablo Picasso Max Ernst ( ), Millet, Georges Braque Salvador Dali Honoré Daumier Juan Gris Paul Delvaux Romantisme Abstraction Francis Picabia Delacroix Piet Mondrian Constructivisme ( ) Frank Kupka ( ) Camille Corot Kasimir Malevitch Tatline ( ) Robert Delaunay Pevsner Gabo Impressionnisme Theo Van Doesburg Franz Kline El Lissitzky Edouard Manet, Serge Poliakof Abstraction lyrique Claude Monet, Pierre Soulages Camille Pissarro, Auguste Renoir Tâchisme Dadaïsme Art Informel (1951) Symbolisme Marcel Duchamp Expressionnisme abstrait (fin 2e guerre aux USA) Puvis de Chavanne Francis Picabia Jackson Pollock, Wols Gustave Moreau Jean Arp Georges Mathieu, Gustav Klimt Expressionnisme Bryen, Atlan, Hartung, Riopelle, Wols Fernand Khnopff Van Gogh POP ART Paul Gauguin ( ) ( ) Andy Wharol James Ensor Robert Rauschenberg Pointillisme Edvard Munch Jasper Johns Seurat ( ) Emil Nolde Richard Hamilton John Constable ( ) Georges Rouault Roy Lichtenstein William Turner Chaïm Soutine David Hockney ( ) Oskar Kokoschka Action Painting Otto Dix ( ) Sommaire Période : L époque Contemporaine Repères historiques Trois grandes tendances ont marqué ce siècle Trois grandes tendances ont marqué ce siècle Histoire de l art Les pionniers Entre-deux-guerres Après guerre Les mouvements artistiques Le Naturalisme Le romantisme en peinture Le réalisme Le romantisme en peinture L Impressionnisme Le Symbolisme Le pointillisme Le Fauvisme : Cubisme Art abstrait Le mouvement Dada L Expressionnisme Surréalisme Conclusion : ISFEC Jacques Sevin 2010 / 2011 Céline Laignel Page 1 sur 34

2 Période : l époque contemporaine 1. Repères historiques Pour l'europe, les historiens font généralement commencer le XIXe siècle en 1815 (fin de l'empire Napoléonien et Congrès de Vienne) et le font terminer en 1914 (début de la Première Guerre mondiale) Trois grandes tendances ont marqué ce siècle L'industrialisation La démocratisation Le nationalisme Ce siècle a connu une explosion démographique, on parle de révolution démographique Trois grandes tendances ont marqué ce siècle On peut dire que le XIXe siècle est le siècle de l'europe. Après la Révolution française ( ) et les guerres de l'épopée napoléonienne ( ), l'europe connut de nombreuses autres guerres qui dessinèrent sa nouvelle carte géopolitique. Parmi les phénomènes les plus importants de ce siècle figurent : l'effondrement des vieux Empires espagnol et portugais (principalement en Amérique ; l'empire portugais reste intact dans le reste du monde), la formation du second Empire colonial français et du premier Empire allemand et surtout l'expansion de l'empire britannique ; la construction de l'unité italienne et la libération des provinces balkaniques ; l'émergence de consciences nationales et de sentiments patriotiques très puissants. C'est aussi pour l'europe, le siècle de la deuxième révolution industrielle, qui va bouleverser le paysage européen et apporter d'immenses richesses, mais aussi casser les anciennes structures sociales. Enfin, pour l'europe, c'est le siècle où ses élites intellectuelles vont la transformer, en un immense chaudron, dans lequel vont bouillonner toutes les idées et tous les arts. Ses savants, ses artistes, ses intellectuels, vont porter la recherche technologique, la recherche scientifique, la recherche artistique, la recherche des idées 2. Histoire de l art Au début du XXe siècle, Henri Matisse et d autres jeunes artistes ont révolutionné le monde artistique parisien avec une peinture «sauvage», multicolore et expressive que les critiques ont appelé le fauvisme. Pablo Picasso a réalisé sa première peinture cubiste en se fondant sur une idée de Cézanne selon laquelle toute représentation de la nature peut être réduite à trois solides : un cube, une sphère et un Cône Les pionniers Le début du XXe siècle est marqué par le développement du fauvisme avec des artistes tels que Henri Matisse, Georges Braque, André Derain, Raoul Dufy et Maurice de Vlaminck qui ont profondément bousculé le milieu artistique de l époque. ISFEC Jacques Sevin 2010 / 2011 Céline Laignel Page 2 sur 34

3 Avec Les Demoiselles d'avignon en 1907, Pablo Picasso crée un style de peinture nouveau et radical en représentant crûment et de façon primaire une scène de bordel avec cinq prostituées, des masques tribaux africains et contenant ses propres inventions cubistes. Le cubisme analytique, qui a été conjointement développé par Pablo Picasso et Georges Braque entre 1908 à 1912, est la première manifestation claire du cubisme. Lui a succédé le cubisme synthétique avec Braque, Picasso, Fernand Léger, Juan Gris, Albert Gleizes, Marcel Duchamp et d innombrables autres artistes dans les années Le cubisme synthétique se caractérise par l introduction dans la peinture de différentes textures, de surfaces, d éléments de collage, de papier collé et d une grande variété de thèmes fusionnés. Guitare, livre et journal de Juan Gris (1919) Des années 1910 jusqu à la Première Guerre mondiale, après l apogée du cubisme, plusieurs mouvements ont émergé à Paris. En juillet 1911, Giorgio De Chirico est venu à Paris où il a joint son frère Andrea (poète et peintre connus sous le nom d Alberto Savinio) qui lui a permis de rencontrer Pierre Laprade, un membre du jury au salon d'automne où il a exposé trois de ses œuvres : Énigme d'un soir d'automne (1910), Énigme de l'oracle (1910) et un autoportrait. En 1913, il expose son travail au salon des Indépendants où il est remarqué par Pablo Picasso et Guillaume Apollinaire. Ses peintures mystérieuses sont considérées comme le début du Surréalisme. Moscou I de Wassily Kandinsky (1916) Au cours des deux premières décennies du XXe siècle, hormis le cubisme, plusieurs mouvements importants ont émergé : le futurisme (Giacomo Balla) l art abstrait (Wassily Kandinsky, Le Cavalier bleu) le Bauhaus (Kandinsky, Paul Klee) l orphisme (Robert Delaunay, František Kupka) le synchromisme (Morgan Russel) ISFEC Jacques Sevin 2010 / 2011 Céline Laignel Page 3 sur 34

4 le De Stijl (Piet Mondrian) le suprématisme (Kasimir Malevitch) le constructivisme (Vladimir Tatline) le dadaïsme (Marcel Duchamp, Francis Picabia, Jean Arp) le surréalisme (Giorgio de Chirico, André Breton, Joan Miró, René Magritte, Salvador Dalí, Max Ernst) La peinture moderne a influencé tous les arts visuels, de l architecture et le design moderne au film d avant-garde, en passant par le théâtre et la danse moderne. Elle est également devenue un laboratoire expérimental pour les formes d expressions visuelles tels que la photographie, le calligramme, la mode ou la publicité. La peinture expressionniste de Van Gogh a influencé la peinture du XXe siècle, comme cela apparaît dans la peinture fauve de Die Brücke (un groupe mené par la peintre allemand Ernst Ludwig Kirchner) ou chez d Edvard Munch, Egon Schiele, Marc Chagall, Amedeo Modigliani, Chaim Soutine Wassily Kandinsky, un peintre russe, imprimeur et théoricien de l art, l un des plus célèbres artistes du XXe siècle, est généralement désigné comme le premier peintre important de l art abstrait moderne. En tant que moderniste, à la recherche de nouveaux modes d expression visuelle et spirituelle, il a théorisé la peinture comme l ont fait les occultistes et les théosophistes. Kandinsky a développé plusieurs de ses théories sur l art abstrait dans son livre Concernant «la spiritualité dans l art» Robert Delaunay était un artiste français associé à l orphisme dont les contributions à l art abstrait se traduisent par une utilisation audacieuse de la couleur et une volonté d expérimenter la profondeur et la tonalité. En 1911, à l invitation de Kandinsky, Delaunay et son épouse l artiste Sonia Delaunay, a rejoint Le Cavalier bleu (Der Blaue Reiter), un groupe d artistes abstraits de Munich. Parmi les autres pionniers de la peinture abstraite il faut citer le peintre tchèque, František Kupka et le mouvement synchromisme, proche de l orphisme, fondé en 1912 par les artistes américains Stanton MacDonald-Wright et Morgan Russell Entre-deux-guerres En vacance de Kasimir Malevitch (1927) ISFEC Jacques Sevin 2010 / 2011 Céline Laignel Page 4 sur 34

5 Portrait de Friederike Maria Beer de Gustav Klimt (1916) La peinture de Piet Mondrian était intimement liée à ses études spirituelles et philosophiques. En 1908, il s est intéressé au mouvement théosophique lancé par Helena Petrovna Blavatsky à la fin du XIXe siècle. Elle considérait qu il était possible d atteindre une connaissance de la nature plus profonde que celle obtenue par des moyens empiriques. Une grande partie du travail de Mondrian a été inspiré par la recherche de cette connaissance spirituelle. Le peintre russe Kasimir Malevitch est un autre pionnier de l art abstrait qui, après la révolution russe de 1917 et après l oppression du régime staliniste en 1924, est retourné à une peinture figurative. On peut également citer le peintre suisse Paul Klee dont le travail sur la couleur a fait de lui un pionnier de la peinture abstraite du Bauhaus. Dans les États-Unis de l entre-deux-guerres les peintres ont eu tendance à se rendre en Europe pour y acquérir une certaine reconnaissance comme ce fut le cas de Marsden Hartley, Patrick Henry Bruce et Stuart Davis qui se sont faits une réputation en dehors de leur pays. L expressionnisme et le symbolisme sont des mouvements qui englobent plusieurs styles de peinture du XXe siècle et qui ont dominé une grande partie de l art avant-gardiste en Europe occidentale, orientale et nordique. L expressionnisme de l entre-deux-guerres s est principalement répandu en France, en Allemagne, en Norvège, en Russie, en Belgique et en Autriche. Les artistes expressionniste sont liés à la fois au surréalisme et au symbolisme. Le fauvisme, le Die Brücke et Der Blaue Reiter sont trois des groupes les plus connus de peintres expressionnistes et symbolistes. Parmi Les artistes les plus influents de ce mouvement on distingue Marc Chagall, Gustav Klimt, Egon Schiele, Edvard Munch, Emil Nolde, Chaim Soutine, Georges Gimel, James Ensor, Oskar Kokoschka, Ernst Ludwig Kirchner, Max Beckmann, Franz Marc, Otto Dix, Käthe Kollwitz, Georges Rouault, Amedeo Modigliani... Dans les années 1930 et la Grande Dépression, le surréalisme, le cubisme tardif, le bauhaus, le De Stijl, le dadaïsme et les peintres coloristes comme Henri Matisse ou Pierre Bonnard sont caractéristiques de la scène artistique européenne alors qu en Amérique le mouvement du réalisme social dominait le monde de l art. Des artistes ont émergé de cette nouvelle scène artistique comme Ben Shahn, Thomas Hart Benton, Grant Wood, George Tooker, John Steuart Curry, Reginald Marsh et bien d autres. En Amérique latine le mouvement du muralisme avec Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros, José Clemente Orozco, Pedro Nel Gómez et les peintures de Frida Kahlo sont une renaissance de l art dans cette région, avec l utilisation de la couleur et l expression de messages politiques. À la veille de la Seconde Guerre mondiale, plusieurs des artistes surréalistes ont été influencés par la politique radicale de gauche, parmi lesquels Pablo Picasso avec son célèbre tableau Guernica. Cette oeuvre dénonce les horreurs du bombardement de Guernica le 26 avril 1937, pendant la guerre civile espagnole, par la légion Condor de la Luftwaffe allemand. ISFEC Jacques Sevin 2010 / 2011 Céline Laignel Page 5 sur 34

6 2.3. Après guerre La seconde moitié du XXe siècle a été pour le monde artistique, et la peinture en particulier, une période de multiplication des courants artistiques, avec la naissance d une grande variété de mouvements en peinture. Peinture Pop Art Aucassiu et Nicolette de Charles Demuth (1921), oeuvre précisionniste Né dans les années 1950 en Angleterre, le Pop Art va surtout se développer en Amérique avec des artistes comme Jasper Johns, Larry Rivers ou Robert Rauschenberg dans les années 1960 même si, dès les années , les peintures de Gerald Murphy, Stuart Davis et Charles Demuth fondateur du mouvement précisionniste, marquaient déjà l avènement du pop Art. Il faut souligner qu au début des années 1950, la plupart des artistes qui s inscrivirent ensuite dans la mouvance du Pop Art, faisaient une peinture qualifiée d expressionnisme abstrait. Il faudra véritablement attendre le début des années 60 pour que le mouvement Pop Art prenne son essor. Parmi les artistes les plus réputés de ce mouvement pictural, il faut citer Andy Warhol, Claes Oldenburg, Wayne Thiebaud, James Rosenquist, Jim Dine, Tom Wesselmann et Roy Lichtenstein entre autres. Ce qui caractérise le Pop Art, c est sa volonté de fusionner la culture populaire de masse avec l art le plus raffiné, avec une dose d humour, d ironie et un langage figuré parfaitement reconnaissable. Lawrence Alloway, l inventeur du terme «Pop Art» désignait ainsi les peintures qui célébraient le consumérisme d après-guerre, c est-à-dire un mouvement qui rejetait l expressionnisme abstrait centré sur l herméneutique et la psychologique, en faveur d un art célébrant la culture, la publicité, et l iconographie de l ère de la consommation de masse. Nouvelle peinture abstraite Le mouvement colorfield Painting, qui s inscrit dans la continuité du suprématisme et de l abstraction lyrique, est apparu aux États-Unis dans les années Il marquait clairement une nouvelle orientation de la peinture américaine, loin de l expressionnisme abstrait, en cherchant à débarrasser l art d une rhétorique jugée superflue. Ainsi, des artistes comme Clyfford Still, Mark Rothko, Hans Hofmann, Morris Louis, Jules Olitski ou Kenneth Noland dépeignaient peu la nature, leur peinture reposant surtout sur une utilisation psychologique de la couleur. En général, ces artistes ont éliminé les formes reconnaissables. L un des tendances du mouvement colorfield painting est l utilisation de toile non rectangulaires, ce que l on appelle le shaped canvas. Ce fut le cas de peintre tels que Frank Stella, Kenneth Noland, Ellsworth Kelly, Barnett Newman, Ronald Davis, Neil Williams, Robert Mangold, Charles Hinman, Richard Tuttle ou David Novros au début des années 60. Cette tendance marquait une réaction contre le mysticisme et l hyper-subjectivité de l expressionnisme abstrait et contre l idée bien ancrée que l utilisation d une toile rectangulaire classique serait le signe d une peinture dite «sérieuse». ISFEC Jacques Sevin 2010 / 2011 Céline Laignel Page 6 sur 34

7 Les années 1960 ont vu naître un autre mouvement, l abstraction lyrique, terme European qui a été reutilisé par Larry Aldrich en L abstraction lyrique, comme le mouvement Fluxus, cherche à repousser les frontières de la peinture abstraite et du minimalisme en se concentrant sur le processus de création, les nouveaux matériaux et les nouvelles formes d expression. Cette forme de peinture intègre souvent des matériaux industriels, des matières premières et des objets variés avec des références au dadaïsme et au surréalisme. Il existe des similitudes entre d une part l abstraction lyrique et, d autre part, le colorfield Painting et l expressionnisme abstrait particulièrement dans l utilisation très libre des couleurs,textures et surfaces. Cependant les deux styles sont nettement différents. Dans la peinture expressionniste abstraite ou l Action painting des années , l accent est mis sur la composition et le sens du drame, au sens théâtral du terme. En revanche, dans l abstraction lyrique il y a un sens de la composition très aléatoire et discret ainsi qu une priorité faite au processus de création, à la répétition et à la sensibilité. Pendant les années 1960 et 1970, de nombreux artistes influent ont adopté ces styles de peinture, notamment Robert Motherwell, Philip Guston, Cy Twombly, Josef Albers, Agnès Martin, Helen Frankenthaler, Gene Davis, Joan Mitchell ou bien encore des peintres plus jeunes comme Robert Mangold, Ronnie Landfield ou Susan Crile. Au cours des années , il y a eu une réaction contre la peinture abstraite. Des critiques n ont pas hésité à parler de «la mort de la peinture» en évoquant par exemple le travail d un peintre comme Ad Reinhardt. Les artistes ont alors peu à peu pratiqué une nouvelle manière de faire de l art et de nouveaux mouvements en peinture mouvements sont apparus comme le postminimalisme, le land Art, l Art vidéo, l installation, l arte Povera, l art performance, l art corporel, le fluxus, l art postal, le situationnisme ou l art conceptuel. Néo-expressionnisme, Figuration Libre Mesure du temps de Gianfredo Camesi Vers la fin des années 70 et du début des années 80, plusieurs mouvements sont apparus presque simultanément en Italie, Allemagne, France et Grande-Bretagne. Ces mouvements très similaires ont pris différents noms : Néo-expressionnisme ou Nouveaux Fauves en Allemagne, Trans-avant-garde en Italie, Bad Painting aux États-Unis et Figuration libre en France. Ce style de peinture se caractérise par des grands formats, une grande liberté dans l expression, la figuration, la référence au mythe et à l imagination. Les critiques d art se sont divisés sur ces mouvements, certains les considérant comme étant dictés par un souci commercial des grandes galeries d art. Ce style de peinture continue à être populaire au XXIe siècle. ISFEC Jacques Sevin 2010 / 2011 Céline Laignel Page 7 sur 34

8 Peinture contemporaine du XXIe siècle L Homme nu de Banksy Saint-Paul-de-Vence Lucas Suppin Au début du XXIe siècle, la peinture et l art contemporain ont continué à se développer à travers différents mouvements qui se caractérisent par les idées de pluralisme et de mondialisation. La «crise» de la peinture dans les années 1980 tend aujourd hui à se résoudre grâce au pluralisme. Il n existe aucun consensus sur un style représentatif de la peinture contemporaine. Des œuvres d art magnifiques et importantes continuent à émerger dans une grande variété de style tels que l abstraction géométrique, l hyperréalisme, le photoréalisme, l expressionnisme, le minimalisme, l abstraction lyrique, le pop Art, l Op art, l expressionnisme abstrait, le colorfield Painting, le Néo-expressionnisme, le collage, la peinture numérique, la peinture postmoderne, le shaped canvas, la peinture murale, le Global Style, le Realism Global ou encore le mélange de tous comme le grand maître du XXIe Vermeulen. 3. Les mouvements artistiques 3.1. Le Naturalisme En peinture, le naturalisme est un mouvement qui accorde notamment une importance primordiale au paysage. Au théâtre, le jeu naturaliste cherche à reproduire la nature humaine au plus près, par opposition au jeu expressionniste qui cherche à la styliser. En philosophie, le naturalisme est la thèse selon laquelle rien n existe en dehors de la Nature. Dans sa forme contemporaine, le naturalisme accorde une place essentielle aux sciences expérimentales dans la résolution des problèmes philosophiques. ISFEC Jacques Sevin 2010 / 2011 Céline Laignel Page 8 sur 34

9 En musique, le naturalisme regroupe différents compositeurs proposant des œuvres nouvelles ou renouvelées. Ce qui permet la formation de groupes de différents genres ou de style assez original. Alfred Bruneau est un compositeur que l'on peut apparenter à ce courant musical. Valentin de Boulogne, Les quatre âges de la vie, National Gallery, Londres. La peinture de genre a eu beaucoup d'importance pour les artistes français du début du XVIIe siècle. Le «naturalisme» (selon une expression du XVIIe siècle) prend sa source chez le Caravage et une certaine extension avec le peintre hollandais Pieter Van Laer ( ) dit Bamboccio. Celui-ci donna naissance au style de peinture appelé bambochade. Ce genre de peinture était à l'époque considéré comme secondaire et convenait plus à des commandes d'amateur qu'aux commandes officielles. Le style même de Caravage et l'étude directe de modèle étaient assez critiqués à l'époque. Malgré cela Valentin de Boulogne ( ) réussit une carrière à Rome dans un style résolument caravagesque (il reçut par exemple une commande pour la basilique St Pierre à Rome en 1630 : Le Martyre des St Processe et Marticien) ; il sut surtout donner à son style naturaliste toutes les subtilités de l'expression cohérente (nécessaire à la peinture d'histoire). Le succès du naturalisme en France fut favorisé par un retour de la religion et d'une certaine spiritualité. Le baroque italien fut considéré en France comme le «style jésuite» (mouvement pas très apprécié en France), au contraire le naturalisme par sa simplicité entretenait un rapport étroit avec le jansénisme (mouvement religieux de grande aura en France). Georges de La Tour, Le nouveau-né, vers 1648, Musée des Beaux-Arts de Rennes. Les Frères Le Nain arrivent de Laon à Paris vers la fin des années 1620, ils commencèrent à peindre des sujets religieux (v. Bacchus et Arianne v. 1630) mais s'orientent assez vite vers la peinture de genre (ce changement est sans doute dû à la concurrence). On peut observer cette transition dans : Venus dans la forge de Vulcain de Les deux chefs-d'œuvre des "Le Nain" sont : La Famille de paysans (v. 1647) et Le Repas des paysans, ils sont ici au sommet de leur art en soulignant la dignité et la simplicité des paysans avec un certain caractère religieux. ISFEC Jacques Sevin 2010 / 2011 Céline Laignel Page 9 sur 34

10 Enfin, celui qui a donné sa marque au naturalisme français est Georges de La Tour ( ). Il donna à son œuvre une sensibilité très particulière, on parle «d'abstraction soustractive» pour qualifier l'aspect rigoureux et simple de ses compositions qui ont toujours comme préoccupation principale l'expression d'un sujet religieux. Son œuvre est divisé en deux périodes : les tableaux diurnes et les tableaux nocturnes ; ses plus grands chefs-d'œuvre appartenant à la seconde, par exemple : Le Nouveau-né, v Le réalisme Le réalisme est un mouvement artistique du XIXe siècle qui se déroule environ de 1830 à Il fait la transition entre le romantisme et l'impressionnisme. Il étudie la réalité dans son authenticité. La révolution de Juillet contre la Seconde Restauration a des répercussions dans le domaine artistique : les conventions néoclassiques alors en vigueur sont rejetées et le réalisme s'affirme. Là où le néoclassicisme se référait à la pensée antique d'un idéal parfait, équilibré, mesuré, le réalisme veut montrer ce qu'il perçoit de manière objective. On peut rapprocher cette pensée des avancées techniques qui avaient alors lieu lors de la Révolution industrielle. Appliquant une méthode dérivée de la méthode scientifique, l'artiste s'attache alors à représenter ce qu'il voit et non plus des sujets académiques. Les paysans ou les gens du peuple deviennent des sujets de tableaux. Il y a trois peintres fondamentaux : Camille Corot, Gustave Courbet et Jean-François Millet, dont Champfleury défendra l'esthétique. Jean-Baptiste Corot, né en 1796, fils de commerçant que rien ne prédestinait à la peinture, il fut inspiré par Nicolas Poussin et cherchera constamment son inspiration dans la nature, non pas la nature consolatrice du romantisme, car la sentimentalité laisse les réalistes indiffèrents, mais dans la nature telle qu'elle est. Gustave Courbet, né en 1819 à Ornans, il va à l'académie de Besançon. On lui reprochait à l'époque de peindre comme un paysan «Courbet peint comme un paysan laboure», disaient les critiques de l époque [réf. nécessaire]. Courbet adhère aux idées de Proudhon et participe à la Commune de Paris après l'écrasement de laquelle il est contraint de s'exiler en Suisse. Courbet est un des artistes les plus représentatifs du réalisme. Jean-François Millet, né en 1814, fils de fermier, part à Cherbourg à l'âge de 18 ans pour apprendre la peinture. En 1837 il rentre aux Beaux-arts. Ne gagnant pas le prix de Rome, il quitte l'école et s'installe à Barbizon jusqu'à sa mort. Millet est le peintre de la vie paysanne Le romantisme en peinture Le romantisme français est l'expression en France du mouvement littéraire et artistique appelé romantisme. L'art romantique, comme la littérature, prenait avant tout le contre-pied de l'art classique. Il était une réaction contre la formule d'art antérieure, et cette réaction était la conséquence logique de cet individualisme qui, brisant les moules étroits des anciennes doctrines, avait créé la pensée moderne. En art comme en littérature, il fallait bien reconnaître que les anciennes règles ne reposaient sur aucun fondement solide, et que le seul agent vital c'était la liberté. Et le romantisme artistique, comme le romantisme littéraire, proclamait que «tout ce qui a vie a droit».pour la première fois, la vie naturelle grisait et enfiévrait l'art ; pour la première fois, l'art quittait la serre chaude de l'atelier pour vivre de l'atmosphère commune et respirer l'air du temps. En quête de rajeunissement, il s'adressait à tout ce qui pouvait lui infuser une sève nouvelle : à l'histoire, fraîchement exhumée ; à la nouvelle littérature, parée de son éclat étrange ; aux mondes fabuleux, réels ou imaginaires ; aux rêves de l'orient, aux fictions germaniques. ISFEC Jacques Sevin 2010 / 2011 Céline Laignel Page 10 sur 34

11 La prose harmonieuse de Chateaubriand, ses visions exotiques, son Amérique, sa Germanie, ses bardes celtiques, ses cathédrales, son «christianisme de cloches», réveillent chez les artistes une âme qu'ils ne connaissaient pas, et qu'ils vont s'appliquer à traduire. Atala, René, le Génie du Christianisme, les Martyrs, est pour Girodet et ses émules une mine inépuisable de thèmes artistiques Le réalisme Le réalisme est un mouvement artistique du XIXe siècle qui se déroule environ de 1830 à Il fait la transition entre le romantisme et l'impressionnisme. Il étudie la réalité dans son authenticité. La révolution de Juillet contre la Seconde Restauration a des répercussions dans le domaine artistique : les conventions néoclassiques alors en vigueur sont rejetées et le réalisme s'affirme. Là où le néoclassicisme se référait à la pensée antique d'un idéal parfait, équilibré, mesuré, le réalisme veut montrer ce qu'il perçoit de manière objective. On peut rapprocher cette pensée des avancées techniques qui avaient alors lieu lors de la Révolution industrielle. Appliquant une méthode dérivée de la méthode scientifique, l'artiste s'attache alors à représenter ce qu'il voit et non plus des sujets académiques. Les paysans ou les gens du peuple deviennent des sujets de tableaux. Il y a trois peintres fondamentaux : Camille Corot, Gustave Courbet et Jean-François Millet, dont Champfleury défendra l'esthétique. Jean-Baptiste Corot, né en 1796, fils de commerçant que rien ne prédestinait à la peinture, il fut inspiré par Nicolas Poussin et cherchera constamment son inspiration dans la nature, non pas la nature consolatrice du romantisme, car la sentimentalité laisse les réalistes indiffèrents, mais dans la nature telle qu'elle est. Gustave Courbet, né en 1819 à Ornans, il va à l'académie de Besançon. On lui reprochait à l'époque de peindre comme un paysan «Courbet peint comme un paysan laboure», disaient les critiques de l époque [réf. nécessaire]. Courbet adhère aux idées de Proudhon et participe à la Commune de Paris après l'écrasement de laquelle il est contraint de s'exiler en Suisse. Courbet est un des artistes les plus représentatifs du réalisme. Jean-François Millet, né en 1814, fils de fermier, part à Cherbourg à l'âge de 18 ans pour apprendre la peinture. En 1837 il rentre aux Beaux-arts. Ne gagnant pas le prix de Rome, il quitte l'école et s'installe à Barbizon jusqu'à sa mort. Millet est le peintre de la vie paysanne Le romantisme en peinture Le romantisme français est l'expression en France du mouvement littéraire et artistique appelé romantisme. L'art romantique, comme la littérature, prenait avant tout le contre-pied de l'art classique. Il était une réaction contre la formule d'art antérieure, et cette réaction était la conséquence logique de cet individualisme qui, brisant les moules étroits des anciennes doctrines, avait créé la pensée moderne. En art comme en littérature, il fallait bien reconnaître que les anciennes règles ne reposaient sur aucun fondement solide, et que le seul agent vital c'était la liberté. Et le romantisme artistique, comme le romantisme littéraire, proclamait que «tout ce qui a vie a droit».pour la première fois, la vie naturelle grisait et enfiévrait l'art ; pour la première fois, l'art quittait la serre chaude de l'atelier pour vivre de l'atmosphère commune et respirer l'air du temps. En quête de rajeunissement, il s'adressait à tout ce qui pouvait lui infuser une sève nouvelle : à l'histoire, fraîchement exhumée ; à la nouvelle littérature, parée de son éclat étrange ; aux mondes fabuleux, réels ou imaginaires ; aux rêves de l'orient, aux fictions germaniques. ISFEC Jacques Sevin 2010 / 2011 Céline Laignel Page 11 sur 34

12 La prose harmonieuse de Chateaubriand, ses visions exotiques, son Amérique, sa Germanie, ses bardes celtiques, ses cathédrales, son «christianisme de cloches», réveillent chez les artistes une âme qu'ils ne connaissaient pas, et qu'ils vont s'appliquer à traduire. Atala, René, le Génie du Christianisme, les Martyrs, est pour Girodet et ses émules une mine inépuisable de thèmes artistiques. Delacroix : Femmes d'alger dans leur appartement (1834). Cette peinture orientaliste, réalisée au retour d'un voyage au Maghreb, s'oppose à l'orient idéal des Odalisques d'ingres. (musée du Louvre) De son côté, Mme de Staël découvre l'enthousiasme, l'installe en roi dans le domaine de l'esprit, et fait de l'exaltation le synonyme de l'inspiration. D'autre part, poussant à bout l'idée du Génie du Christianisme, elle invite nos artistes à se détourner de l'antiquité pour chercher des sujets qui appartiennent à notre propre histoire ou à notre propre religion ; elle les jette dans la vie, les pousse vers l'allemagne et l'italie. Géricault : Le Derby D'Epsom. Géricault aima toujours peindre les chevaux, comme son maître Carle Vernet. Le galop de ceux du Derby d'epsom n'est peut-être pas tout à fait conforme à la réalité que la cinématographie nous permet d'analyser, mais il est d'un mouvement superbe. (musée du Louvre) Littérature et art ne font qu'un à cette époque, tant la cohésion est grande alors entre les diverses formes de la pensée, ce qui ne s'est pas vu chez nous depuis le Moyen Âge. Victor Hugo, venu plus tard et lançant son manifeste lorsque Géricault et Delacroix ont déjà gagné la bataille décisive, assure les positions de l'art romantique en renforçant d'une autorité de doctrine les effets que les peintres avaient trouvés d'instinct, et scelle l'accord définitif de la littérature et de l'art sur le principe essentiel que tout ce qui est dans la nature est dans l'art.à ces influences françaises s'ajoutent des influences étrangères. Faust, à peine traduit par Albert Stapfer, trouve en Delacroix un illustrateur magistral. Le même Delacroix puise à pleines mains dans Shakespeare, en compagnie de Chasseriau et de bien d'autres. Quant à Hoffmann, dont les Contes fantastiques ont halluciné toute une génération, son humour passe dans les frontispices grouillants de Nanteuil et dans les compositions de Gigoux et des Johannot.Le malheur de l'art romantique fut qu'il tomba vite de l'inspiration à la routine. Dès 1827, Jal, dans son compte rendu du Salon, pousse le cri d'alarme ; plus d'études, le peinture est lâchée, la composition molle, la science nulle ; «la couleur n'est pas plus, chez la majorité des novateurs, un sentiment intime, que le dessin ne l'était chez les élèves de l'école du style.» ISFEC Jacques Sevin 2010 / 2011 Céline Laignel Page 12 sur 34

13 Delacroix : Prise de Constantinople par les Croisés. Tableau bien romantique par son inspiration moyenâgeuse, sa composition tourmentée, ses couleurs heurtées, son faste tragique. (Musée du Louvre) Les artistes n'ont fait que changer de conventions ; ils en ont adoptés seulement des plus faciles. C'est alors que le relâchement des études suscite au romantisme l'utile adversaire qui va montrer la nécessité d'un solide enseignement. Ingres ( ) se désignait pour ce rôle avec l' Apothéose d'homère. «Cette œuvre rétablissait ouvertement dès 1827 tout ce que la nouvelle école affectait de mépriser. Ce n'était plus, il est vrai, la peinture davidienne en style de bas-relief, le faux grec, l'emphase académique ; c'était l'école romaine réintégrée comme exemple, Raphaël désigné comme le maître à suivre, les lois de la composition remises en vigueur, le dessin prôné comme l'âme de la peinture, la couleur traitée comme un accessoire, l'élévation du style et la pensée assignées comme le but suprême de l'art» (Rocheblave). Ingres : L'Apothéose d'homère. Par ce tableau, Ingres donnait une utile leçon aux peintres de la jeune école. Il tâchait de les ramener au culte du dessin et tentait de modérer une fougue parfois excessive par un retour vers la sérénité et l'idéalisme de l'art grec. (musée du Louvre) Delacroix est à lui seul le romantisme fait art. Du bout de son pinceau, il remue l'humanité jusqu'aux entrailles. Il a vraiment, seul en son temps, le don de magie, d'évocation à la Shakespeare, soit qu'il crée ces formes douloureuses, terribles, comme sa Médée, qui arrachaient à Victor Hugo ce cri : «Soyez fières, vous êtes irrésistiblement laides!» soit qu'il écrive la légende des siècles à sa façon en des pages telles que la Bataille de Taillebourg» (Rocheblave). ISFEC Jacques Sevin 2010 / 2011 Céline Laignel Page 13 sur 34

14 La sculpture romantique Barye : Thésée et le Minotaure. Barye donne à ses figures humaines inspirées des modèles grecs, tel ce groupe en bronze de Thésée et le Minotaure, une énergie et un mouvement propres à la vision romantique. (Musée du Louvre) Tandis qu'en peinture la dispute s'élevait entre le dessin et la couleur, en sculpture la question se posait entre l'antique et le moderne. Nos sculpteurs aussi cherchaient un rajeunissement. Jean-Pierre Cortot : le Coureur de Marathon. Le modèle en plâtre de ce coureur de Marathon fut présenté au Salon de (Musée du Louvre). Mais le romantisme en sculpture n'apparut qu'assez tard, vers 1830, et dura peu. Jusque-là les artistes, n'osant pas rompre avec le canon traditionnel, tentaient seulement d'accentuer le mouvement des lignes ou de leur donner plus de souplesse : le quadrige du Carrousel de Bossio, le Spartacus de Foyatier, le Coureur de Marathon de Cortot ne manifestent encore qu'un timide acheminement vers la liberté. Les sculpteurs vraiment romantiques se trahissent à leurs sujets : la littérature moderne, le Moyen Âge et la Bible les fournissent presque tous. Jehan Duseigneur expose en 1831 un Roland furieux nu et épileptique, et en 1833 un Quasimodo et Esméralda ; Étex donne en 1833 un Caïn hirsute, et une Françoise de Rimini ; Préault, le type du sculpteur romantique, au ciseau truculent, a des trouvailles funèbres, comme son célèbre Masque du silence, ou des effets shakespeariens comme l' Ophélie noyée du musée de Marseille ; Drouet sculpte en 1836 un Chactas curieux par la recherche des particularités ethniques ; la même année, Rude fait éclater sur l'arc de Triomphe sa Marseillaise hurlant l'hymne de la liberté, sculpture frémissante de vie, une des plus grandes pages sculpturales du siècle ; en même temps, Barye crée une sculpture animale telle que n'en possède aucune nation. ISFEC Jacques Sevin 2010 / 2011 Céline Laignel Page 14 sur 34

15 Mais le sculpteur romantique, c'est David d'angers ( ) l'artiste exalté par Vigny, célébré par Hugo, et si étroitement uni au Cénacle qu'il a laissé en marbre l'effigie de tous ses membres. Romantique, il l'était de cœur et de tête, lui qui, dès le salon de 1824, livrait à côté de Delacroix le combat romantique avec sa Mort de Bonchamp, classique encore par le nu, mais romantique par l'accent et le geste ; lui qui dressait en marbre ou coulait en bronze Victor Hugo, Balzac, Gœthe, Géricault, Lamartine et Gautier. L'architecture romantique L'architecture ne pouvait échapper entièrement aux influences qui avaient transformé la peinture et la sculpture. Dans ce domaine, plus rigide, et se prêtant moins à des transformations immédiates, le romantisme eut surtout pour effet de montrer la sécheresse et la stérilité de l'architecture académique, et d'amener la résurrection de l'architecture française du Moyen Âge, de l'art dit «gothique», qui est l'art le plus logique et le plus homogène que le monde ait connu depuis l'époque de Périclès. Ce qui n'était dans Notre-Dame de Paris qu'instinct poétique et admiration romanesque, se transforma en science, en doctrine féconde. Faisant de Notre-Dame un chantier où il reprenait pièce par pièce tous les rouages d'une cathédrale, Viollet-le-Duc démontrait que l'œuvre d'architecture est un organisme complet, qui doit s'adapter aux temps, aux lieux, aux mœurs, aux besoins, retrouvait les méthodes de nos vieux bâtisseurs, qui étaient la logique et la perfection mêmes, et inauguraient ce vaste mouvement de restauration qui permit à nos grandes cathédrales et à nos vieux châteaux de reprendre toute leur imposante beauté L Impressionnisme Impression, soleil levant de Claude Monet qui a donné son nom à l'impressionnisme L'impressionnisme est un mouvement pictural français, né de l'association de quelques artistes de la seconde moitié du XIXe siècle. Fortement critiqué à ses débuts, ce mouvement se manifesta notamment de 1874 à 1886 par huit expositions publiques à Paris, et marqua la rupture de l'art moderne avec l'académisme. L'impressionnisme est notamment caractérisé par une tendance à noter les impressions fugitives, la mobilité des phénomènes, plutôt que l'aspect stable et conceptuel des choses, et à les reporter directement sur la toile. L'impressionnisme eut une grande influence sur l'art de cette époque, la peinture bien sûr, mais aussi la littérature et la musique Renoir, La Grenouillère, Metropolitan Museum of Art, New York ISFEC Jacques Sevin 2010 / 2011 Céline Laignel Page 15 sur 34

16 Les peintres impressionnistes, qui se veulent aussi réalistes, choisissent leurs sujets dans les paysages ou dans la vie contemporaine, dans un quotidien librement interprété selon la vision personnelle de chacun d'eux. Travaillant «sur le motif», comme souvent les peintres de l'école de Barbizon, comme certains paysagistes anglais, comme Boudin ou Jongkind, ils poussent très loin l'étude du plein air, font de la lumière l'élément essentiel et mouvant de leur peinture, écartant les teintes sombres pour utiliser des couleurs pures que fait papilloter une touche très divisée. Peintres d'une nature changeante, d'une vie heureuse saisie dans la particularité de l'instant, ils sont indifférents à la recherche, chère aux classiques, d'un bel idéal et d'une essence éternelle des choses. Parmi les principaux représentants du courant impressionniste il faut citer Monet, Pissarro et Sisley, qu'accompagnent d'autres artistes dont les personnalités respectives évolueront de façon nettement distincte : Auguste Renoir, Paul Cézanne, Edgar Degas, Berthe Morisot, Armand Guillaumin, Édouard Manet, Cassatt, Caillebotte, etc. ainsi que Frédéric Bazille qui mourut avant la reconnaissance du public. Alors que Camille Corot prétendait rester étranger au mouvement, il est souvent considéré comme le premier impressionniste : «Il y a un seul maître, Corot. Nous ne sommes rien en comparaison, rien» Claude Monet, «Il est toujours le plus grand, il a tout anticipé» Edgar Degas, L'impressionnisme est un point de départ pour Georges Seurat et Paul Signac, maîtres du pointillisme, pour Paul Gauguin, Henri de Toulouse-Lautrec, Vincent Van Gogh ainsi que pour de nombreux «postimpressionnistes», en France et à l'étranger comme Jean Peské. Le terme d'impressionnisme est aussi employé, par extension, dans le domaine de la littérature, pour caractériser par exemple les romans du chantre de Monet, Octave Mirbeau, qui sont marqués au coin de la subjectivité. Il gagne même la critique musicale (1887), qualifiant les œuvres de Claude Debussy et, plus généralement, celles de tous les compositeurs préoccupés par la perception subjective des couleurs sonores et des rythmes : Ravel, Dukas, Satie, Roussel, etc. Les musiciens impressionnistes mirent à l'honneur la liberté de la forme, de la phrase et du langage harmonique. Edouard Manet, Olympia (1863), Musée d'orsay, Paris L'impressionnisme se singularise par le fait que l'on peut parler de l'œuvre sans avoir besoin de références extérieures, à la différence de l'art antique qui est basé sur la mythologie, et de l'art roman sur l'histoire sainte. Citons en exemple le tableau Olympia de Manet qui explore un thème traditionnel mais de manière choquante pour cette période : Vénus est représentée en demimondaine de l'époque et le peintre travaille uniquement la peinture (Couleurs). Cette vision non réaliste fera sa naissance avec l'art moderne Le Symbolisme Le symbolisme est un mouvement littéraire et artistique apparu en France et en Belgique vers 1870, en réaction au naturalisme et au mouvement parnassien. Ce mouvement s'est exporté jusqu'en Russie, en particulier grâce à Valéry Brioussov, poète et fondateur du symbolisme russe. Voir aussi les Préraphaëlites en Angleterre. ISFEC Jacques Sevin 2010 / 2011 Céline Laignel Page 16 sur 34

17 Le mot est proposé par Jean Moréas, qui utilise ici l'étymologie du mot symbole («jeter ensemble») pour désigner l'analogie que cette poésie souhaite établir entre l'idée abstraite et l'image chargée de l'exprimer. Pour les Symbolistes, le monde ne saurait se limiter à une apparence concrète réductible à la connaissance rationnelle. Il est un mystère à déchiffrer dans les correspondances qui frappent d'inanité le cloisonnement des sens : sons, couleurs, visions participent d'une même intuition qui fait du Poète une sorte de mage. Le symbolisme oscille ainsi entre des formes capables à la fois d'évoquer une réalité supérieure et d'inviter le lecteur à un véritable déchiffrement : d'abord voué à créer des impressions - notamment par l'harmonie musicale - un souci de rigueur l'infléchira bientôt vers la recherche d'un langage inédit. L'influence de Stéphane Mallarmé est ici considérable, ce qui entraîne la poésie vers l'hermétisme. Pierre Cécile Puvis de Chavannes, né à Lyon le 14 décembre 1824 et mort à Paris le 24 octobre 1898, est un peintre français, considéré comme une figure majeure du mouvement symboliste. Gustav Klimt Né le 14 juillet 1862 à Baumgarten près de Vienne, mort le 6 février 1918 à Vienne, XIXe-XXe siècles, est un peintre symboliste autrichien, et l'un des membres les plus en vue du mouvement Art nouveau de Vienne. Peintre de compositions à personnages, sujets allégoriques, figures, nus, portraits, paysages, dessinateur, décorateur, peintres de cartons de tapisseries, cartons de mosaïques, céramiste, lithographe Le pointillisme Georges Seurat - La Parade (1889) - détail montrant la technique du pointillisme Georges Seurat, Une baignade à Asnières (1884) ISFEC Jacques Sevin 2010 / 2011 Céline Laignel Page 17 sur 34

18 La calanque, peint en 1906 par Paul Signac Le pointillisme (ou néo-impressionnisme ou divisionnisme) est une technique de peinture issue du mouvement impressionniste qui consiste à peindre par juxtaposition de petites touches de peinture de couleurs primaires (rouge, bleu et jaune) et de couleurs complémentaires (orange, violet et vert). On perçoit néanmoins des couleurs secondaires, par le mélange optique des six différents tons seulement. Cette technique est née en France notamment sous l'impulsion de Georges Seurat ( ) puis de Paul Signac ( ), à la fin du XIXe siècle. La technique : A la fin du XIXe siècle, le groupe des impressionnistes voit ses œuvres régulièrement refusés au Salon. À partir de 1874, ils organisent leurs propres expositions. Le jeune artiste Georges Seurat admire leur technique picturale qui consiste à traduire l'espace et la lumière par la juxtaposition de «petites touches»seurat a lu les études sur la lumière des physiciens James Clerk Maxwell, Eugène Chevreul, Ogden Rood, Hermann Ludwig von Helmholtz et de son ami Charles Henry (directeur du laboratoire de physiologie des sensations à l'école pratique des hautes études, commentateur de Léonard de Vinci et de Léon Battista Alberti)Ainsi, en 1890, après une longue et complexe élaboration, Seurat écrit en tête d'un mémorandum «La pureté de l'élément spectral étant la clef de voûte de ma technique...». Il a enfin théorisé sa technique qui consiste donc à juxtaposer des petits points de peinture en utilisant des couleurs pures ou complémentaires, après avoir fait une étude de la composition à réaliser. En 1883, il commence l'étude pour sa première grande composition ( cm) qui s'intitule Une baignade à Asnières. Pour cette étude, il réalise une série de "croquetons" et de dessins (réalisé sur les rives de le Seine). Dans un second temps, dans son atelier, il «décompose» les couleurs de son modèle pour peindre avec ses petits points de couleurs primaires et complémentaires. En 1884, il l'expose à la buvette du Salon des artistes indépendants : le tableau déconcerte mais il retient l'attention de certains jeunes artistes. Durant l'été de cette même année, il entreprend la réalisation d'une de ses peintures les plus connues : Un dimanche après-midi à l'île de la Grande Jatte. Pour ce tableau, il réalisa 38 croquis à l'huile et 23 dessins préparatoires. Il exposa cette toile en mai 1886, lors de la huitième et dernière exposition impressionniste de peinture Le Fauvisme : Le fauvisme est un courant de peinture du début du XXe siècle. Tiré d'une expression du journaliste Louis Vauxcelles, il débuta historiquement à l'automne 1905, lors d'un salon qui créa un scandale, pour s'achever moins de dix ans plus tard, au début des années En fait, dès 1908, il est déjà à son crépuscule. Son influence marqua néanmoins tout l'art du XXe siècle, notamment par la libération de la couleur. Le précurseur du fauvisme était Henri Matisse, mais d'autres grands artistes, comme André Derain, Maurice de Vlaminck ou encore Georges Braque en ont fait partie. Le fauvisme est caractérisé par l'audace et la nouveauté de ses recherches chromatiques. Les peintres avaient recours à de larges aplats de couleurs violentes, pures et vives, et revendiquaient un art fondé sur l'instinct. Ils séparaient la couleur de sa référence à l'objet afin d'accentuer l'expression et réagissaient de manière provocatrice contre les sensations visuelles et la douceur de l'impressionnisme. Matisse a dit : «Quand je mets un vert, ça ne veut pas dire de l'herbe; quand je mets un bleu, ça ne veut pas dire le ciel.» ISFEC Jacques Sevin 2010 / 2011 Céline Laignel Page 18 sur 34

19 Ses influences : Les impressionnistes constituent la première source d inflence. Leurs touches particulières, qui juxtaposent des couleurs pures au lieu de les mélanger, laissant à l'œil du spectateur le soin d'effectuer un travail de recomposition, sont reprises par Matisse, qui fut élève de Paul Signac à l'été 1904, et qui les transmet à son tour à Derain. Luxe, calme et volupté (1904) en est un exemple emblématique. Manguin lui-même est à la fois proche de Matisse et de Signac ou Cross, peintres divisionnistes s'il en est, tandis que Camoin fait directement référence à Manet par la concision de son dessin. Les couleurs cristallines impressionnistes sont également reprises, notamment par Manguin, dont la palette est dominée par des tons jaunes et orangés lumineux. Raoul Dufy, quant à lui, reprend fréquemment le thème de la Rue Montorgueil de Monet, dans ses 14 juillet au Havre ou rue pavoisée. Le déploiement des drapeaux en travers de la rue est prétexte au déploiement de la couleur, ce que Monet avait déjà remarqué, et que Marquet avait utilisé la même année (14 juillet au Havre). Néanmoins, la composition, avec les lignes des drapeaux qui s'entrecroisent, est très novatrice. C'est, de ce fait, une revanche forte des couleurs, des lumières et du plein air qui va éclater et qui va entrainer dans la peinture des bouleversements dont il est alors difficile de prévoir les conséquences. C'est donc au Salon d'automne, alors qu'une salle avait été réservée aux œuvres du nouveau groupe d'artistes, que les mots de : «scandale, fumisterie, démence, ignorance» avaient accueilli les tentatives tumultueuses de ces jeunes gens. Le critique Louis Vauxcelles, parlant de la petite tête d'un enfant d'inspiration florentine, œuvre du sculpteur Marque, la désigna comme : «Donatello au milieu des fauves». Cette expression fit fortune et fut utilisée pour définir ce mouvement de Fauvisme. Dufy, Marquet, Mérodack-Jeanneau ou Girieud utilisent plutôt la technique de Gauguin, avec de grands aplats. Matisse et Derain n'hésitent pas non plus à s'en servir, et oscillent parfois entre les influences pointillistes et de Gauguin. Dans Japonaise au bord de l'eau Matisse montre cette hésitation, en utilisant des touches assez longues quoique distantes l'une de l'autre, et même, à certains moments, des aplats. De même, Derain compose parfois ses toiles avec de larges rubans de couleurs (Le faubourg de Collioure, 1905), alors que, dans des œuvres contemporaines (Bateaux dans le port de Collioure, Effets de soleil sur l'eau), il n'utilise que de petites touches juxtaposées. Le style de Gauguin se retrouve dans un autre élément : l'utilisation du cerne autour des personnages. Celui-ci est particulièrement visible dans la danse d'andré Derain (1906) Il est également important de souligner l'influence que Louis Valtat ( ) eut auprès de Matisse et des futurs fauves, Rouault, Marquet, Camoin, Manguin, Puy et quelques autres qui suivaient en 1896 l'enseignement de Gustave Moreau à l'école des Beaux Arts de Paris. Valtat présenta d'ailleurs, aux côtés de Kandinsky et Jawlensky, cinq peintures dans la salle XV du Salon d'automne de 1905 ; mais dès le Salon des Indépendants de 1896, il exposa des peintures réalisées à Arcachon durant l'hiver , ainsi que quatre-vingts aquarelles, des dessins et des bois gravés qui comprenaient déjà des caractéristiques du fauvisme : des couleurs pures, des formes simplifiées, des perspectives abolies et des ombres supprimées. ISFEC Jacques Sevin 2010 / 2011 Céline Laignel Page 19 sur 34

20 Matisse serait, dans son enthousiasme prononcé pour la couleur et pour la matière, à l'origine de ce mouvement. Il s'attache à lui seul à développer en profondeur certaines données du Fauvisme, notamment lorsque ses compagnons de la première heure abandonnent la nouvelle esthétique pour retourner à des conceptions plus traditionnelles. L'influence de Matisse, autant en France qu'à l'étranger, sur sa génération autant que sur les suivantes, est due à l'universalité d'un art prestigieux qui déborda largement les données propres du Fauvisme plutôt qu'à sa position de chef d'école. C'est sous la conduite de Matisse et aussi sou l'influence de Van Gogh que les futurs fauves (Vlaminck, Derain, Manguin...) expriment dans leurs envois au Salon d'automne un farouche et virulent enthousiasme pour les joies dynamiques des tons les plus crus. Tout de même conscients de cette fragilité de la couleur, ils réagissent contre un Impressionnisme auquel ils reprochent comme Cézanne, Renoir ou Gauguin son manque de structure, son refus de la notion de permanence. D'autre part les fauves se proposent d'imaginer une réalité plus authentique que celle des apparences, construite solidement par les tons purs. Cette imagination de la réalité a comme source selon Matisse : des chocs émotifs, survenus comme des coups de foudre ou autres images dans le cerveau du Poète. La nouvelle esthétique s'appuie sur des thèmes précis comme l'opposition aux nuances de la palette impressionniste, le goût du monumental, le refus de l'évocation réaliste de la nature et les recherches de transpositions de la couleur. On trouve des visions féériques et multicolores de ciels verts, de fleurs rouges vermillon, d'arbres couleur citron, de visages vert émeraude et ceci, dans l'intention de substituer aux harmonies mesurées mais conventionnelles de l'écriture traditionnelles, des polyphonies colorées par l'emploi de la couleur telle que sortie des tubes que Derain comparera à des cartouches de dynamite. Van Gogh - Le Café de nuit, place Lamartine, Arles (1889, janvier) - Ses recherches sur les couleurs complémentaires se retrouvent chez les peintres fauves, tels Vlaminck Cézanne aussi est une source d'inspiration importante. Dans La Gitane de 1905, peinte à Saint- Tropez, Matisse reprend ainsi la géométrisation du corps des personnages caractéristique du solitaire d'aix. Derain quant à lui s'en inspire dans La danse, pour mener sa réflexion sur la place de la figure humaine dans un paysage, autant que dans Les baigneuses de 1907, pour styliser ses figures. De même, la composition du Port de Collioure, très réfléchie, fait beaucoup penser à Cézanne. Chez Vlaminck, c'est plutôt l'héritage de Van Gogh que l'on retrouve, comme le montre Partie de campagne réalisée en Bien qu'hostile aux institutions muséales, il avait découvert cet artiste lors d'une exposition en 1901 chez Bernheim-Jeune, ce qui avait définitivement orienté sa carrière vers la peinture. C'est d'ailleurs à cette même exposition que Derain le présenta à Matisse. "Je ne vais jamais au musée, j'en hais l'odeur, la monotonie. Je déteste le mot " classique". La science me fait mal aux dents. " (M. Vlaminck) Cette phrase est révélatrice de l'état d'esprit de l'artiste. Il a d'ailleurs toujours refusé de passer pour tel et décida de se former lui même. Il aime les séduisantes imageries pour leur évocation haute en couleurs, leurs oppositions décidées, pour ce lyrisme léger. Son sentiment de la nature s'affirme aussi comme condition populaire. Sa nature est romancée. Derain le qualifiait comme étant «le plus peintre d'entre nous». Bien plus que le roman, que la musique, la peinture correspondait chez lui au besoin d'une matière plus concrète capable d'exprimer toute la sensualité d'un empirisme naturel. ISFEC Jacques Sevin 2010 / 2011 Céline Laignel Page 20 sur 34