GRASSO DOBROWNER ADACH

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1 Laurent GRASSO Né en 1972 à Mulhouse Studies into the past 2012 Huile sur panneau de chêne Collection privée Amorcée en 2009, la série des études sur le passé montre combien les œuvres de Laurent Grasso sont traversées par une réflexion sur le temps. Il s agit d un ensemble d œuvres au style et à la facture inspirés des peintres flamands et italiens des XVe et XVIe siècles, tels que Fra Angelico, Piero della Francesca, Paolo Uccello, Andrea Mantegna, Sandro Botticelli ou Pieter Bruegel l Ancien. Les références narratives caractéristiques de l époque, qu elles soient mythologiques ou religieuses, ont été remplacées par des phénomènes célestes dont il existe peu de représentations picturales avant le XIXe siècle éclipses, aurores boréales, météorites ainsi que par un étrange nuage de fumée, un rocher en lévitation au-dessus d un paysage ou une envolée d oiseaux incongrue dans une forêt. L insertion de ces éléments du futur dans une peinture du passé ne génère pas que des effets d anachronisme. Studies into the Past est à comprendre comme un vaste projet conceptuel visant à reconstruire l idée que l on se fait de la réalité à une autre époque. Conçues comme si elles appartenaient à un autre temps, les œuvres sont réalisées selon des méthodes du passé avec une attention scientifique. En mélangeant ainsi les temps, Laurent Grasso cherche à créer ce qu il nomme une «fausse mémoire historique», de telle sorte qu il devienne impossible, dans un avenir lointain, de situer l époque dans laquelle ces œuvres auront été produites. Mitch DOBROWNER Né à Long Island vit et travaille Los Angeles Rope Out 2011 Photographie originale, tirage aux pigments d encre Courtesy Gad Edery / Gadcollection Après une enfance du côté de Long Island, à New York, Mitch Dobrowner s initie à la photographie. Accaparé par la création d un studio de design, il ne se remet qu en 2005 à la photographie. Avec des clichés noir et blanc d une rare intensité, le photographe réussit à restituer la magie et la beauté parfois surréaliste des paysages qui nous entourent. Il capture la force mystérieuse qui irrigue la nature. En véritable artisan de la photographie, l artiste revendique volontiers l héritage de grands photographes du passé et en particulier celui d Ansel Adams, qui fut toujours pour lui une vraie source d inspiration. «Les paysages sont des environnements et des écosystèmes vivants. Ils ont existé bien avant, et seront, si tout va bien, encore là bien après nous. Lorsque je prends des photographies, le temps et l espace semblent difficiles à quantifier pour moi. À ces moments où les choses sont calmes, semblent encore simples, j obtiens alors un respect et une révérence pour le monde qu il est difficile de communiquer par des mots. Pour moi, ces moments se produisent quand l environnement extérieur et mon monde intérieur fusionnent. Avec un peu de chance, les images présentées m aident à transmettre ce que je vois et mon sentiment pendant ces moments.» Adam ADACH Né en 1962 à Nowy Dwór Mazowiecki (Pologne), Slowly, Slowly 2011 Huile sur toile Collection Florence et Daniel Guerlain, Paris Adam Adach réside en France depuis la chute du mur de Berlin en Les thèmes de ses toiles s enracinent dans les souvenirs de sa jeunesse, sous le régime soviétique, ou dans la narration des relations humaines et des situations quotidiennes comme la visite

2 d un musée, la rencontre et la séparation d un couple, un déménagement, etc. Certaines scénettes réfèrent directement à son pays, mais la plupart sont finalement universelles. On trouve, au centre de son oeuvre, des problématiques variées : la question de la condition civilisée par rapport à l état de nature, mais aussi la relation parfois hostile de l homme à son environnement naturel, industriel ou urbain, l utopie et sa part d échec, la représentation de l histoire et enfin la construction d une société de l ère soviétique à aujourd hui, qu elle soit réelle ou fictive. Il se dégage du travail d Adam Adach une manière singulière de traiter l histoire par le biais de l autobiographie, de la fiction et du dépassement de la figuration. Mathieu BERNARD-REYMOND Né en 1976 à Gap, vit et travaille en Suisse Disparitions n Photographie couleur Collection particulière Après des études à Sciences Po Grenoble, Mathieu Bernard-Reymond suit les cours de photographie à l École de Vevey. L artiste traite le paysage tout à la fois de façon réaliste et décalée. Utilisant l outil informatique, il travaille ses images et met en scène des événements impossibles, voire insolites, qui ne se dévoilent qu à force d attention. Grandiose et inquiétant, tel est l univers façonné par l artiste entre le réel et le virtuel. Dans la série Disparitions, la manipulation, toute minime qu elle soit, engendre une sensation de vide, de temps brutalement arrêté : une architecture insolite dans un paysage où le regard se perd vers un horizon esquissé ne nous permet aucune interprétation précise. Image fictive ou réelle? l artiste ne cesse d interroger le médium qu il utilise pour nous rappeler que notre civilisation de l écran transcrit une vision déformée et manipulée. Un perpétuel aller-retour entre l imaginaire et la réalité par l utilisation de l outil informatique sert à Mathieu Bernard-Reymond de nouvelles lunettes pour regarder le monde. La nature de l image médiatique, la manipulation de l information lui donne une grande liberté et lui permettent de créer une fiction poétique. Tony MATELLI Né en 1971 à Chicago vit et travaille à New York Weel 2011 Bronze peint Collection Christophe Courtray Héritier des grands artistes hyperréalistes tels que Duane Hanson, Tony Matelli réalise des objets ou personnages en carton, silicone, fibre de verre ou bronze qu il peint de manière illusionniste. Le monde qu il dépeint est empreint d humour et parfois d ironie. Sculptés, les éléments les plus insignifiants de la vie quotidienne deviennent extraordinaires. C est au Palais de Tokyo en 2006 que Matelli a présenté pour la première fois des éléments végétaux dans une exposition. Il reproduit alors avec précision, minutie et patience plusieurs types de mauvaises herbes. Titrant l exposition «Abandon», Matelli souligne le caractère «brut» du lieu que les architectes Lacaton et Vassal ont rendu fonctionnel sans le restaurer. Dans un espace d exposition, la mauvaise herbe est un véritable cauchemar pour les conservateurs car sa présence indique que non seulement des végétaux peuvent s introduire mais également des insectes qui mettent alors en danger la bonne conservation des œuvres. L installation de ces mauvaises herbes indésirables et envahissantes souligne ainsi le caractère architectural du lieu et pose la question de son exploitation. Jean-Michel PANCIN

3 Né en 1971 à Avignon, vit et travaille à Avignon et Paris (France) Wendover Speedway 2006 Vidéo 5min 30 Collection Lemaître Wendover est une petite bourgade au nord-ouest des États-Unis coupée en deux par la frontière qui sépare l état de l Utah et celui du Nevada. Lieu de passage, de nomadisme, Wendover est une ville frontière qui ne connaît pas ses propres frontières. La vidéo Speedway a justement été réalisée au seuil de la ville, la bordure du Salt Lake. La jetée sur l immensité liquide et infinie représente ici la limite concrète de la ville. Malgré la possibilité de fuite en avant qu elle propose au nomade, elle le renvoie à sa propre limite, celle de sa finalité/finitude face à une nature infinie dont les tenants et les aboutissants lui échappent. Plus encore, cette vidéo résume assez bien le projet qui consiste à passer d un point de vue unique et perspectif à un point de vue multiple, multipolaire. Dans la vidéo, nous passons en effet d un monde terrien à un monde aquatique. Nous passons ainsi d un monde de cadres, de formules, de règles, où le rationnel passe par son point le plus aigu avec le déplacement motorisé et linéaire, à un monde de l ensemble, du global de l illimité, de l infini, du virtuel, du latent, de l inclassable, de l insaisissable, de l ineffable, où l irrationnel et le surrationnel règnent sans partage... Francis ALŸS Né en 1959 à Anvers, vit et travaille au Mexique Don t cross the bridge until you get to the river 2007 Huile et crayon sur photo et calque Collection Françoise et Jean-Claude Quemin Francis Alÿs utilise tous les mediums : performance, vidéo, dessin, peinture, sculpture. Il nourrit son travail lors de ses déambulations à travers le monde. Son art aborde, parfois avec une légère ironie, des thèmes politiques et sociaux. Ses voyages l amènent à côtoyer d autres individus dans leurs déplacements, rendus parfois impossibles, souvent difficiles et dangereux en raison des frontières qui empêchent la libre circulation des personnes ou de certaines personnes. Lui, artiste, occidental, européen, ayant le droit de se déplacer, nous entraîne dans cette «translation». Don t cross the bridge until you get to the river a été créé par Francis Alÿs pour une vente organisée par l artiste marocaine Ito Barrada au profit de la Cinémathèque de Tanger, menacée de fermeture. Ce petit tableau évoque la difficulté de franchir le détroit de Gibraltar pour ceux qui ne sont pas nés du bon côté de la Méditerranée. Francis Alÿs avait déjà tenté le passage symbolique par un pont fait de babouches apportées par des enfants de chaque côté du détroit. Ici, sous la forme d un commentaire pictural de nos barrières politiques, une symbolique embarcation, menée par un Blanc, fait face à un Africain qui semble le solliciter. Bouchra KHALILI Née en 1975 à Casablanca, Mapping Journey vidéo 11 min Collection Sébastien Peyret. Marseille Le travail de Bouchra Khalili, essentiellement en vidéo explore l espace méditerranéen envisagé comme un territoire dédié au nomadisme et à l errance. Ce médium permet à l artiste de situer son travail aux limites du cinéma et des arts plastiques, du documentaire et de l essai, rendant mouvantes les frontières entre ces pratiques. Dans ses vidéos, elle documente les territoires dont elle explore

4 l imaginaire, et plus encore celui qu ils génèrent. Khalili produit ainsi des représentations de la dimension mentale de ces espaces, en les déplaçant vers une expérience perceptive singulière, qui n a pas valeur d exemple, mais qui témoigne pourtant de la réalité contemporaine de l émigration et de ses récits. Ses vidéos sont construites selon des mises en relations complexes d images documentaires et néanmoins fantomatiques, de langues différentes, de sons «in» et «off», de récits réels ou potentiels mais toujours fragmentaires. Mapping Journey 5 s inscrit dans un projet plus global réalisé entre 2008 et 2011 : Mapping Journey. 8 vidéos et 8 sérigraphies retracent le parcours de clandestins en Méditerranée. Sur une carte normalisée, un trajet complexe et singulier vient se dessiner, chaque trait se regardant comme une histoire. L ensemble des vidéos retranscrit les récits et les «routes» invisibles. Taysir BATNIJI Né en 1966 à Gaza Miradors (Miradors israéliens en Cisjordanie) 2008 Tirage numérique noir et blanc Collection Isabelle Bourgeois «L idée de réaliser ce projet m est venue lors de la rétrospective du travail de Bernd et Hilla Becher au Centre Pompidou en La ressemblance, formelle, entre les châteaux d eau en particulier et les miradors israéliens qui envahissent le territoire palestinien m a frappée. C est pourquoi, j ai décidé de répertorier ces architectures de guerre «à la manière» des Becher. Comme le couple d artistes allemands qui, dès la fin des années 1950, a essayé de documenter le patrimoine postindustriel en Europe, j ai tenté d établir une typologie des miradors en Palestine (Cisjordanie). J ai voulu créer l illusion, une sorte de «Cheval de Troie», pour que le spectateur qui se trouve face à ces photos pense en connaître les auteurs. Mais, en regardant de plus près, on s aperçoit vite qu il ne s agit ni de la technique poussée des photographes allemands, ni bien sûr de châteaux d eau. Les conditions particulièrement périlleuses des prises de vue en question, effectuées par un photographe palestinien délégué (né à Gaza, je ne suis pas autorisé à me rendre en Cisjordanie), sont visibles : flous, bougés, cadrages maladroits, lumière imparfaite Pas moyen, sur ce terrain, d installer le lourd matériel des Becher, de patienter plusieurs jours avant de trouver la lumière idéale, de prendre le temps de la pose. Pas d esthétisation possible. Pas moyen d envisager ces constructions militaires fonctionnelles comme des sculptures ou encore comme un patrimoine.» Taysir Batniji Claire TABOURET Née en 1981 vit à Pantin et travaille au Pré-Saint-Gervais Le Passeur 2011 Acrylique sur toile Collection Philippe Piguet, Paris À la lumière violacée une lumière proprement mentale dans laquelle l artiste inondait ses paysages, a succédé depuis quelques temps toute une troublante population de figures. Tout d abord nomades, embarquées sur la mer comme en exil forcé, puis voyageuses dans des espaces en transit, enfin figées et volontiers déguisées, extraites d un album de famille. Intitulée Le Passeur (2011), cette peinture appartient à cette deuxième séquence de travail sur la figure. Réalisée à l occasion d une résidence d artiste à Marseille au cours de laquelle l artiste a effectué un aller-retour à Alger sans y faire escale, elle est chargée de sens très divers. Si elle ne manque pas de faire écho aux images médiatiques de boat people à la dérive, elle réfère à toute une production historique sur le thème de la barque qu elle soit celle de Dante ou de Böcklin. Tout à la fois symbolique et allégorique, elle est aussi métaphorique de la condition même de l artiste. Claire Tabouret est peintre. Elle se sait embarquée dans une aventure de création qui n est pas facile dans une époque où la peinture n est plus considérée comme elle l a été par le passé.

5 Zineb SEDIRA Née en 1963 à Gennevilliers vit et travaille à Londres The Lovers III 2008 Photographie Collection Emmanuelle & Didier Saulnier Le travail de Zineb Sedira oscille entre deux cultures : un héritage oriental (l Algérie) et des valeurs occidentales (née en France et diplômée d une école d art anglaise). À travers une diversité de médium, l artiste explore les questions de filiation, d identité, de mémoire et de migration en utilisant souvent sa propre histoire. Le film Mother Tongue réalisé en 2002 aborde la transmission orale mère/fille au sein de sa propre famille. Le spectateur suit sur trois écrans, trois conversations en trois langues différentes. Zineb Sedira parle français avec sa mère et sa fille même si chacune d elles répond dans une autre langue (arabe et anglais). Quand la même discussion s installe entre la grandmère et la petite fille, la communication s interrompt. Elles se rendent compte qu il manque un trait d union à leur échange, un interprète en français. The Lovers III est le résultat d une démarche entreprise sur les bords des côtes mauritanienne. Régulièrement, cette zone est le départ d une population vers l Europe mais également le retour parfois macabre de cette même population. Ces deux chalutiers, témoins d un rêve échoué, semblent se soutenir l un l autre, éventrés, rouillés, déchiquetés puis laissés à l abandon, après la catastrophe que l on devine à travers leur état de décrépitude. Installées dans une zone de «non lieu» où oiseaux migrateurs, histoires commerciales et migrations cohabitent, ces épaves incarnent de douloureuses histoires. James CASEBERE Né en 1953 à Lansing au Michigan vit et travaille à New York Landscape Photographie Collectif Lumière, Marseille Depuis les années 1980, l œuvre de James Casebere est essentiellement constituée de photographies de maquettes d architectures. Casebere construit lui-même des modèles réduits d architecture (en plâtre, carton et polystyrène), soigneusement réalisés et peints, qu il photographie ensuite. Par un éclairage et des effets complexes de clairs obscurs, des angles de prises de vue générateurs d effets théâtraux et des tirages de grands formats, James Casebere met en scène une réflexion sur l espace, la lumière et l architecture, où la figure humaine est absente et évoquée de manière allusive. Sam GRIFFIN Né en 1979 à Oxford vit et travaille à Londres Tresham s Circuit 2007 Crayon sur papier Collection privée, Paris L élément central de ce dessin de Sam Griffin est le Rushton Triangular Lodge situé dans le Northhamptonshire en Angleterre. Construit en 1590 par Sir Thomas Tresham, le bâtiment représente le désir de créer une représentation architecturale du chiffre 3, un chiffre au cœur de la foi religieuse de Tresham, fervent catholique et partisan de la Sainte Trinité. Construit à sa sortie de prison il fut emprisonné pour avoir refusé de se convertir au protestantisme, le bâtiment a été conçu comme le symbole architectural de la révolte des communautés religieuses marginalisées et persécutées. Autour de cette image centrale figurent des restes du symbole hindou Sri Yantra. Comme Tresham, qui utilisait la géométrie pour évoquer un système religieux, ce modèle fait

6 appel à des formes similaires (9 triangles isocèles de tailles différentes qui se croisent) pour exprimer un modèle topographique de l univers où figurent les chemins pour aller du monde matériel au monde divin. Philippe COGNÉE Né en 1957 à Sautron (Loire-Atlantique), vit et travaille à Vertou Palais 2009 Peinture à la cire sur toile Collection Hervé Lancelin, Luxembourg Graveur, dessinateur et parfois sculpteur, Philippe Cognée est avant tout peintre. Objets du quotidien, souvenirs de vacances, foules, supermarchés, architectures contemporaines, vues de ville depuis des satellites, ce sont les thèmes banals et familiers que Philippe Cognée traite en série. Jetés sur la toile, ces sujets sont magnifiés par les flous des tracés et des formes, résultats de la technique utilisée par l artiste. Philippe Cognée utilise une peinture à l encaustique faite de cire d abeille et de pigments de couleur. Il recouvre sa toile peinte d un film plastique sur lequel un fer à repasser chauffe la cire pour la liquéfier, étalant et déformant les formes, créant un enfouissement trouble du sujet dans la matière. Palais appartient à une série où Philippe Cognée s interroge sur la relation entre psychisme et architecture. Des monuments tels que le Centre Georges Pompidou, la Basilique Saint-Pierre ou le Palais de justice de Nantes, conçu par l architecte Jean Nouvel, apparaissent, au-delà de leur structure réelle, comme des icônes de ce qu ils incarnent. Ainsi, comme l affirme Jean Nouvel, son bâtiment matérialise «une représentation du pouvoir de la justice». Mohamed BOUROUISSA Né en 1978 à Blida (Algérie), Le dos (série Périphériques) Photographie C-print Collection particulière Mohamed Bourouissa se fait connaître par la série Périphériques, où il fixe les jeunes de banlieue dans leurs activités quotidiennes. S il part d une base sociale, son travail est pourtant d ordre plastique, fonctionnant sur une géométrie émotionnelle. Il met en scène la banlieue en tant qu objet conceptuel, artistique dans des situations qui d ordinaire seraient du ressort du photo-journalisme. En démontant les clichés de ce sujet, il traite de la problématique du rapport de force et pose la question de la mécanique du pouvoir. Au terme de longs repérages, de castings avec des amis, Mohamed Bourouissa photographie des situations qui n ont rien d angéliques. Il installe une violence latente dans ce qui fait penser à un faceà-face entre deux rivaux, loin de tout propos militant comme de toute esthétique spectaculaire. L éclairage urbain donne l impression d une scène de pleine lune ; le personnage à peine aperçu à droite ramène le regard du spectateur sur le centre de la scène ; les cagoules renforcent l impression de mystère. Les divers éléments s organisent ainsi pour conférer à cette scène «des banlieues» une dimension historique. Yang YONGLIANG Né en 1980 à Shanghai, vit et travaille à Shanghai (Chine) Snow City Quaternity 4 photographie Collection particulière HBAdT Quimper

7 Dès son plus jeune âge, Yang Yongliang a étudié la peinture traditionnelle chinoise et la calligraphie auprès du grand maître Yang à Shanghai. Utilisant le medium de la photographie et inspiré par la culture ancestrale et les fameux Shanshui, ces paysages de montagnes calligraphiés par les plus grands artistes classiques depuis plus d un millénaire, il crée de toute pièce un nouveau monde d illusions, une vision entre rêve et cauchemar, à la fois futuriste et séculaire. Mais le travail de Yang Yongliang dépasse la notion de pastiche. Cette oeuvre par sa finesse, par sa texture, devient un shanshui photographique. Le jeu sur les détails et les effets d échelle, l apposition de sceaux classiques à l encre rouge, le sens de la lecture de l oeuvre, le tout composé en noir et blanc, font du travail de Yang Yongliang le renouveau contemporain du shanshui. Cette œuvre est un saut dans le temps, du futur vers le passé. Grâce à la technologie moderne, l artiste transforme un paysage de grues et d immeubles de Shanghai en un site de la Chine ancienne. Si les anciens traduisaient par leur art le sentiment profond qu exerçait sur eux une nature qui semblait immuable, Yang Yongliang créer pour critiquer la réalité qu il a sous les yeux. Lionel SABATTÉ Né en 1975 à Toulouse Octobre (Loup en mouton de poussière) 2011 Poussière, vernis, structure métallique Collection privée Lionel Sabatté rend hommage aux créatures archaïques, et dévoile une réflexion sur le vivant et les profondeurs de la conscience. Dans sa pratique artistique, Lionel Sabatté dialogue avec la matière (poussière, morceaux d ongles, peaux de pieds) en même temps qu il réalise des dessins en béton. «Je me plais à rechercher de nouveaux matériaux» nous dit-il. Artiste de l expérimentation mais aussi de la fantasmagorie, ses animaux évoquent des chimères. Les teintes sont minérales et la matière obtenue suggère la rugosité de la peau. Son mode opératoire fonctionne tout particulièrement lorsqu il crée avec du presque rien, des résidus laissés par l homme. La fragilité des objets et leur dimension dérisoire donne à ses œuvres une charge émotionnelle, telles de petites vanités. Julien SALAUD Né en 1977, vit et travaille à Orléans Marcassin Animal taxidermisé Collection Sylvie et Stéphane Corréard Découvert en, Julien Salaud s est rapidement imposé sur la scène artistique en réalisant notamment une installation permanente pour le nouveau Palais de Tokyo, Grotte stellaire, en Dans sa pratique, les «Animaux constellation» occupent une place centrale. Alors que l homme a toujours vu dans la voûte céleste des figures animales, c est dans les enveloppes corporelles de bêtes taxidermisées que Julien Salaud imagine des constellations. Il procède d abord avec une violence sourde, chamanique, en enfonçant dans l animal des clous selon une trame implacable. Puis ces clous servent de support à un réseau d entrelacs de fils, porteurs de perles multicolores. Julien Salaud réalise de cette manière des sortes de masques mortuaires qui épousent l anatomie de la bête. Cette pratique de recouvrement ressemble à un rituel qui duplique et sacralise l animal. De créature morte et inoffensive il revêt le statut d une entité chimérique. En recouvrant de fils ou de bijoux les animaux empaillés, il revendique l usage très féminin de la couture et de l apprêt et s inscrit dans le sillage d Annette Messager. Chaque pièce de Julien Salaud subjugue par son étrangeté, sa force poétique, son imagination. On peut certes y ou même de Jean Cocteau pour certaines pièces voir de nombreuses influences, dont celles de Jan Fabre, de Kiki Smith qui reprennent le motif du faune.

8 Charles FREGER Né en 1975 à Bourges, vit et travaille à Rouen Wildermann 2012 Photographie Collection Françoise et Jean-Claude Quemin Charles Fréger poursuit, depuis 1999, un inventaire intitulé Portraits photographiques et uniformes où il s intéresse aux groupes sociaux comme les majorettes, les légionnaires, les travailleurs Ces images témoignent des singularités de chaque communauté et des différences qui peuvent s y établir. Charles Fréger s intéresse à travers les costumes, les tenues ou masques portés aux règles et codes qui régissent ces groupes. Wildermann s inscrit dans cette démarche quasi anthologique. L artiste a parcouru une vingtaine de pays (Finlande, Allemagne, Grèce ) pour photographier la figure de «l homme sauvage». Afin de célébrer le cycle de la vie et des saisons, des hommes reprennent des rituels séculaires en se costumant de peaux de bêtes, de végétaux, d ossements Il expose régulièrement ces clichés à travers le monde et les publie dans plusieurs ouvrages dont «Wilder Mann ou la figure du sauvage» en Son approche des communautés et de l aspect «tribu», a amené l artiste à fonder en 2002 un réseau de photographes européens : Piece of Cake (POC). Ce groupe compte actuellement une vingtaine de membres. Moussa SARR Né en 1984 à Ajaccio vit et travaille entre Hyères et Paris Fredi la mouche Vidéo, 1 min 58 Collection Lemaître Moussa Sarr est pour le moins laconique quand il s exprime sur son travail : «Très souvent, je joue avec ma propre image ; il s agit de devenir un cliché pour tordre le cou aux clichés.» Il a finalement raison, ses images sont explicites, elles résistent d ailleurs au bavardage S il est effectivement le sujet de ses photographies et de ses vidéos, l artiste dépasse largement les problématiques généralement associées à la pratique de l autoportrait (de l autoreprésentation, de l auto-filmage, etc.) pour aborder un questionnement sur les stéréotypes et les préjugés raciaux, sociaux ou sexuels, l exercice du pouvoir et les discriminations qu ils supposent, un questionnement sur la morale et son principe simpliste de hiérarchie, un questionnement sur l altérité qui le pousse à revêtir l habit de celui dont il diffère, éventuellement de l ennemi juré. Si dans ses fables, Jean de La Fontaine utilise l animal comme métaphore des comportements humains, Moussa Sarr va jusqu à l incarner. Après de nombreuses heures d entraînement le performeur se film comme métamorphosé, ici en mouche. Le combat du petit contre le grand commence. Il gesticule, s agite mais résiste face à la mort brutale que l on réserve le plus souvent à l insecte. Son prénom Fredi? L humour de l artiste fait-il référence ici à une mouche plus célèbre de Tex Avery Freddy, la mouche malicieuse que l on chasse mais qui revient toujours plus facétieuse à chaque épisode? Emmanuel RÉGENT Né à Nice, vit et travaille à Villefranche-sur-Mer et à Paris La file optique 2013 feutre à encre pigmentaire sur papier Collection G. + J. Fainas Si Emmanuel Régent s est tôt fait repérer avec son travail de dessin au feutre noir, figurant tant des scènes de foule que des paysages de rochers au bord de mer, c est que celui-ci s offre à voir dans une troublante ambiguïté. À première vue, par la radicalité de sa composition et par un effet plastique d implosion formelle, il renvoie le regard à une iconographie du désastre. Il n en est rien cependant, et

9 les dessins d Emmanuel Régent sont pleins d une attente et d une lenteur, voire de vide et d absence. Ils n imposent pas une narration, mais paradoxalement une présence. Peintures poncées sur toiles, immenses installations de blocs d inox en forme de pierres taillées qui suggèrent un paysage futuriste dévasté, dessins monumentaux, plans sur la comète en forme de cornets de grandes feuilles blanches plantés dans des corbeilles à papier, l art d Emmanuel Régent multiplie les possibles d une production à géométrie variable autour des concepts volontiers opposés du peu, de l absence, de la disparition, du nombre et du recouvrement. Né à Nice, la trentaine à mi-temps, Régent développe une oeuvre singulière qui compose aussi bien avec des pratiques convenues qu avec des protocoles technologiques de pointe. Ce en quoi il se dit intéressé par tout ce qui est de l ordre d un «basculement potentiel» et «d un rapport à l incertitude et à la fragilité du visible». Philippe Piguet (extraits d Une troublante ambiguïté, in L oeil 653, exposition «Sortir de son lit en parlant d une rivière» 2012/13 MAMAC, Nice). Iris LEVASSEUR Née en 1972 à Paris, vit et travaille à Arcueil De pitié Huile sur toile Collection Philippe Piguet Nombre d œuvres d Iris Levasseur avouent clairement leur dette, tant par leur composition que par le jeu de postures des figures peintes, aux modèles qui les ont inspirées. Non seulement l artiste ne s en cache pas mais elle le revendique en toute intelligence dans une démarche qui ne néglige rien des exemples du passé et qui les assimile afin de formuler de nouvelles propositions. Il en est ainsi de cette peinture intitulée De pitié (). La similitude phonétique du mot avec celui auquel renvoie le sujet figuré évoque immédiatement à l esprit et à la vue du regardeur la référence majeure au thème religieux de la pietà. L art d Iris Levasseur est requis par une passion de l image et les sources auxquelles elle puise sont aussi bien concrètes que virtuelles. Des œuvres d Enguerrand Quarton et de Michel- Ange aux scènes de violence de Leon Golub, en passant par Dix, Beckmann, Hannah Höch, Bacon, Freud, Klossowski ou Marlène Dumas, ces figures témoignent d une préoccupation majeure, celle de la question du corps dans l espace. Elles entretiennent entre elles une relation spatiale qui constitue la véritable raison d être de la démarche du peintre. La relative monumentalité de leur stature, la façon dont elles sont placées sur le devant de l image nous les offrant à voir dans une proximité certaine et l intensité chromatique dans laquelle elles trempent contribuent à excéder cette qualité de présence qui les singularise. Giulia ANDEANI Le ordeno a usted de que me quiera 2012 Acrylique sur toile Collection particulière Giulia Andreani tient un journal iconographique, images de la presse, captures d écran, clichés anciens, qu elle utilise pour ses peintures. Elle se dit «iconophage» et réinterprète en monochromie les visages d acteurs, d hommes politiques, de vedettes ou d anonymes. Avec une technique, rappelant celle de Gerhard Richter dans les années 1960, elle utilise du gris de Payne, mélange de noir, rouge et bleu, proche de la teinte des vieilles photographies noir et blanc, brouillant ainsi les frontières entre la peinture et la photographie. La couleur acrylique est posée très diluée, presque comme de l aquarelle, ce qui accentue le caractère fantomatique des modèles. La série des huit portraits a pour titre une phrase que Franco écrit à Sofia Subiran en 1913 alors qu il est follement épris de la jeune femme «je vous ordonne de m aimer». C est à l aune de cette injonction que nous regardons ces différents visages féminins. Derrière tous ces portraits magnifiés dans une atmosphère romanesque se cachent, éternellement jeunes, les femmes des plus grands dictateurs de l Histoire. Dans l ordre de gauche à droite, les premières dames dans l ombre, les compagnes de : Mussolini, Ceaucescu, Mao, Hitler, Franco, Salazar (son amour de jeunesse il est resté célibataire), Staline et Pol Pot. Leur destin se lit-il

10 dans leurs traits, leur sourire ou leur regard? L histoire peut ici se réinventer, être manipulée pour se plier à une nouvelle interprétation. Éric POUGEAU Né en 1968 à Paris, Ne me cherchez pas, je suis mort 2004 Photographie couleur et encre sur papier d écolier Photographie J-B Mariou Collection privée, Paris Une feuille de cahier, une photographie, une phrase. Un dispositif minimal, précis comme une piqure. Une brève succession de mots, vite lue, immédiatement à relire : «Ne me cherchez pas je suis mort». Légende d un au-revoir comme seuls les enfants en ont la clé. Au-dessus des mots, la petite photographie. L enfant, sa blouse bien boutonnée, ses mains posées bien à plat l une sur l autre, le décor de plantes vertes. Le cliché d école. L obéissance parfaite, attendue. Sourire et regard vers l objectif : «On ne bouge plus». Le cadre serré de l image, la photographie proprement collée sur la page à carreaux, l écriture déliée, anodine. Usant de simplicité, Éric Pougeau impose une rupture effroyable. Les sept mots résonnent comme une épitaphe. Souvenir de l enfer, l œuvre est salutaire. L enfant est sorti du cadre et s est volontairement échappé. Instinct de survie animal. L artiste montre tout ; il habite chaque centimètre de la feuille d écolier mais y disparaît. S efface. Nous laissant face à l œuvre, face à nous. (Perrine Le Querrec, texte inédit, 2013) Ida TURSIC et Wi l f r ied MILLE Ida Tursic et Wilfried Mille sont nés en 1974 ; elle à Belgrade (Serbie), lui à Boulogne sur Mer vivent et travaillent à Dijon. Fall winter 07/08 Vol III issue 8 (D après Ellen Von Unwerth) Aquarelle sur papier Collection du professeur Depuis leur rencontre à l École des Beaux-Arts de Dijon, Ida Tursic et Wilfried Mille font oeuvre commune. Ils produisent des grandes toiles qui recyclent des images préexistantes puisées dans la presse ici le magazine de mode Purple Fashion, ou sur internet, dont un certain nombre à caractère pornographique. Les images sont retravaillées à l ordinateur puis repeintes à l huile ou à l aquarelle. Les deux artistes représentent des scènes où se côtoient le glamour, la pornographie, la mode, le luxe, la mort Ce sont des peintres de la vie ultra moderne, de sa vulgarité, de ses excès excès d images sur lesquelles ils rajoutent encore et encore des couches innombrables, jusqu à l écœurement. Mathieu PERNO T Né en 1970 à Fréjus, Les Migrants, 2009, photographie Collection privée J ai réalisé la série des «Migrants» pendant l été 2009 à Paris, à proximité du square Villemin dont ils avaient été expulsés peu de temps avant. Je me suis longtemps interrogé sur ces questions de frontières et de migrations clandestines qui ont connu leur apogée médiatique en septembre 2009 au moment de l évacuation de la jungle de Calais. Comme souvent, j allais me retrouver là où les autres photographes allaient, là où la question de la représentation d un «état du monde» prenait un sens particulier. Que montre-t-on quand on photographie un migrant? Que pouvait-on voir dans la forêt de Calais? Après avoir passé plusieurs après-midi aux côtés de ces groupes d Afghans, j ai décidé de travailler autrement, de ne pas essayer de créer de lien, de m en tenir à ce que tout le monde pouvait

11 voir à condition de bien vouloir regarder. Je suis allé les photographier très tôt le matin, dans le temps que je disposais entre le lever du jour et la présence de la police venue les réveiller. Je les ai photographiés dans leur sommeil, le corps caché par un tissu, un drap ou un sac de couchage les recouvrant. Invisibles, silencieux et anonymes, réduits à l état de simple forme, les individus se reposent et semblent se cacher, comme s ils voulaient s isoler d un monde qui ne veut plus les voir. J ai été ému par la présence de ces «refoulés» de l histoire, ces figures d une mondialisation inversée. J ai été troublé par la beauté ambiguë de ces formes qui rappelaient celles d une autre Histoire. J ai pensé que la meilleure image à faire était celle de leur sommeil, de cet ailleurs que l on ne connaîtra jamais et qui constitue sans doute leur dernière échappée. Je n ai pas voulu les réveiller. Je n ai rien vu des migrants. Mathieu Pernot Théo MERCIER Né en 1984 à Paris Monture d après la mort 2012 Résine, silicone, cheveux Collection Sylvie et Stéphane Corréard Théo Mercier a fait irruption sur la scène artistique en Il expose alors dans le cadre de Dynasty (au Palais de Tokyo et au Musée d art moderne de la ville de Paris) son Solitaire : une forme monumentale, engluée sous des spaghettis, assise sur un tabouret de cuisine démesurément petit, d où émergent deux petits yeux. Avec quelques sculptures inventives, mystérieuses et émouvantes, Théo Mercier s est imposé comme un nouveau point de repère sur la scène française, assumant l héritage surréaliste qu il associe avec la culture punk ou le vaudou. En 2012, il présente cette oeuvre dans une exposition au Tri Postal, dans le cadre de Lille Envahi de souvenirs d une civilisation indéfinissable, l espace est scandé de silhouettes et de groupes, variations macabres autour de la figure des fantômes et des écorchés, mêlant humains et animaux dans un même destin grimaçant. Hiératique, ce cheval émerge. D une précision anatomique dérangeante, son squelette est recouvert d une pâtée, indistinct mélange de chair vermillon et de graisse blanchâtre. Comme toujours chez Théo Mercier, l humanité perce sous le fantastique. Damien Deroubaix Né en 1972 à Lille vit et travaille à Berlin To walk the infernal Field Encre, aquarelle, acrylique et collage sur papier Collection particulière Damien Deroubaix est souvent présenté comme le plus allemand des artistes français. Dans ses peintures il associe les références historiques Dada, Bacon, Hearthfield à l esthétique trash et à l idéologie politique des groupes grindcore. Pour ce faire il crée un langage visuel qui associe l iconographie de la danse macabre, l esthétique simplifiée des bandes dessinées underground et les allusions à la culture death metal. Le foisonnement dans ses peintures (dû au mélange de techniques, matières et références) et les sujets qu il représente accentuent un sentiment de violence. L artiste explique que «La peinture c est ce que tu as dans le ventre et ce que tu en fais». Il utilise aussi l aquarelle, technique qui est plutôt réservée aux belles images pour peindre une réalité dure et incisive, laissant couler la couleur comme des humeurs corporelles. Le travail sur papier oblige l artiste à travailler rapidement et lui permet de reprendre, découper, coller, agencer sa composition. Son monde pictural est d abord un espace de réflexion à travers des images dialoguant avec des cultures et des époques diverses pour mieux nous révéler notre propre temps.

12 Valérie BELIN Née en 1964 à Boulogne-Billancourt Velvet Centaurea Black-Eyed Susan Impression pigmentaire sur papier marouflé sur Dibond Collection Frédéric Morel Fondé sur un protocole précis, le travail de la photographe Valérie Belin peut être considéré comme une tentative obsessionnelle d appropriation du réel. Dans ses oeuvres, le traitement particulier des êtres et des choses frappe par son caractère à la fois spectaculaire et dépouillé. Son travail se développe par séries d images fondées sur un jeu subtil de répétitions et de variations. La frontalité absolue du point de vue, la bi-dimensionnalité radicale, l absence de contexte et la taille des formats donnent valeur d icône aux divers sujets choisis pour leur puissance à évoquer les incertitudes et les paradoxes du «vivant». Dans ses premières séries, notamment celles consacrées aux vases et verres en cristal (1993), Valérie Belin travaillait uniquement sur le spectre lumineux des objets, en restant très proche du procédé originel de la photographie. Au contraire, dans ses toutes dernières créations, couleur ou noir et blanc, les nouvelles technologies de l image lui offrent la possibilité d un traitement plus libre, voire plus pictural et onirique du sujet. Les outils contemporains ont amené l artiste à envisager la photographie au-delà de sa nature analogique. Ainsi, bien plus qu un médium figuratif, la photographie offre à l artiste la possibilité de sonder l évanescence des frontières entre réalité et illusion, révélant la dimension surréelle de ses portraits. Carlos AMORALES Né en 1970 à Mexico vit et travaille à Mexico Sans titre 2009 Collage Collection Pierre, Claude et Hercule-Auguste Berend L univers de Carlos Amorales est inspiré par le monde fantastique et l art de l horreur apparu au xixe siècle. Depuis une quinzaine d années, Carlos Amorales développe un alphabet visuel constitué de dessins vectoriels qu il utilise dans l ensemble de ses créations (dessins, sculptures ou installations). Cet alphabet est constitué de silhouettes que Carlos Amorales collecte dans des magazines ou des journaux. Celles-ci peuvent représenter des animaux, des personnages en mouvement, mais aussi des accidents de voitures ou d avions, des attaques terroristes, des scènes de violence urbaine, des désastres écologiques. La façon dont Carlos Amorales associe ces images contribue à créer un environnement angoissant, renforcé par la couleur noire des silhouettes stylisées, et sans relief. Amorales puise dans cette base de données, dont il se sert comme d un outil, qui va lui permettre de créer de nouvelles images et installations. Zilvinas KEMPINAS Né en 1969 en Lituanie vit et travaille à New York Oasis Ventilateur, film magnétique Collection Antoine de Galbert, Paris Zilvinas Kempinas s intéresse à l art cinétique et expérimente les possibilités de mouvements dans l œuvre d art. Dans ses installations, il utilise des ventilateurs industriels dont le souffle fait flotter une

13 ou plusieurs boucles de bandes magnétiques qui ondulent dans l espace, dessinant des formes aléatoires. La bande-vidéo est ici détournée de son usage habituel, elle est utilisée comme une matière sculptée dont toutes les propriétés physiques sont révélées : légèreté, mobilité et transparence. Il joue également sur les qualités graphiques de la bande magnétique inhérentes à sa couleur et à sa texture, réfléchissant la moindre source de lumière. Les installations de Zilvinas transforment le lieu d exposition en un espace en mouvement, créant un univers mystérieux et poétique où le spectateur évolue. Elles produisent une impression étrange, la démarche de l artiste procède d un démantèlement de nos acquis perceptifs, sensoriels et imaginatifs en une série d impressions auxquelles sont liées des temporalités diffuses. Stéphane THIDET Né en 1974 à Paris, vit à Paris et travaille à Aubervilliers Le son du sol Micro, acier, câble, moteur, ampli basse Collection Antoine de Galbert, Paris Un microphone suspendu au bout d un câble tourne lentement en frottant le sol. Un grondement orageux est produit par cette lente progression. Stéphane Thidet n a de cesse de remettre en question la réalité quotidienne afin d entraîner le spectateur vers un ailleurs, une autre réalité imprégnée de fictions poétiques. Pour cela, il crée des petites mises en scène qui s appuient sur des situations de la vie courante et nous parlent de l oubli, de l érosion du temps, de l enfance, dans le but illusoire de reconstruire des moments ou des situations. Parallèlement, Stéphane Thidet participe à de nombreux projets collectifs où il travaille directement sur l espace pour le métamorphoser. C est ainsi qu il réalisé La Meute en 2009, où il lâche des loups dans les douves du château des Ducs de Bretagne à Nantes. Ces loups surgissant du passé opèrent une condensation temporelle où le présent et un temps lointain sont pris dans une même temporalité. Loris GRÉAUD Né à 1979 à Eaubonne (Val-d Oise), vit et travaille à Eaubonne Nothing Left To Falsify 2012 polystyrène, BA13, résine, charbon de bois, Collection Blidar-Verjus Loris Gréaud est apparu dans le champ de l art contemporain au milieu des années 2000 et très rapidement ses projets ambitieux et étonnants ont fait de lui une figure majeure du paysage artistique international. Son travail s apparente à des superproductions qui questionnent cette notion d art total, si chère aux artistes du XXe siècle. L artiste en tant que grand perfectionniste cherche toujours à repousser les limites, les siennes comme celles des institutions. Cela le conduit à réinventer toujours, engageant alors tout ce qu il a, son énergie, son corps et sa vie, comme il le précisait récemment dans une interview. Nothing Left to Falsify est le résultat d une série d expériences entamée par Loris Gréaud en. Il s agit à proprement parler de la destruction de ses épreuves d artiste, copies personnelles et en quelque sorte capital de l artiste, réduit ici en cendres. L artiste propose ainsi un geste fort, de non économie, qu il place d ailleurs au cœur de sa pratique «pas d économie d idées, de formes, de ma personne, mais une combustion perpétuelle». À travers ce procédé, il tend également à accumuler de l énergie électrique, capturée dans cet instant de combustion, dans une série de «batteries» qui serviront d alimentation, de carburant, aux prochains projets. Vincent GANIVET Né en 1976 à Suresnes

14 vit et travaille à L Île-Saint-Denis 5 minutes de détresse 2011 Fumée sur toile Collection Jean-Paul Chatenet Avec obstination et acuité, Vincent Ganivet déploie depuis une décennie des stratégies pour détourner le quotidien. À partir d un vocabulaire plastique élémentaire, sa politique globale est celle du contreemploi : sous ses doigts, les gravats deviennent matière à paysages, les dégâts des eaux s exposent, la poussière forme des constellations, les feux d artifices se tirent en plein jour et les arches de parpaing s envolent. De son expérience des chantiers, l artiste a pris le goût des matériaux simples et modestes : ses œuvres font converger l univers du BTP (ses éléments bruts, sa charge constructive), les jeux modulaires (assemblage, empilement, tension et mise en équilibre) et la recherche du dépassement. Pour 5 minutes de détresse, Vincent Ganivet utilise les débordements du quotidien qu il intègre dans une pratique artistique de l absurde et de l éphémère. Rouge et imposant de loin, le tableau monochrome vu de prêt apparaît déglingué. Peint à grands coups de fusées de détresse, il tient sa couleur du rouge poudreux des fumigènes qui ont servi à sa réalisation. L artiste replace la notion de risque à un autre degré sur l échelle de la prudence. La norme, en matière de sureté, c est le principe de précaution, c est-à-dire réduire le risque pour préserver de l accident. Vincent Ganivet inverse les valeurs : sans accident, il utilise la fusée de détresse pour signaler l urgence de la peinture. CLAIRE FONTAINE Artiste collective fondée en 2004 France (burnt/unburnt) 2011 Allumettes Collection Antoine de Galbert, Paris Après avoir tiré son nom d une marque populaire de cahiers pour écoliers, Claire Fontaine s est autodéclarée une «artiste ready-made» et a commencé à élaborer une version d art néo-conceptuel qui souvent ressemble au travail d autres artistes. Elle utilise le néon, la vidéo, la sculpture, la peinture et l écriture. Sa pratique peut être décrite comme un questionnement ouvert de l impuissance politique et de la crise de la singularité qui semble caractériser l art contemporain aujourd hui. Claire Fontaine se sert de sa fraîcheur et de sa jeunesse pour se transformer en singularité quelconque et en terroriste existentielle en quête d émancipation. Elle pousse au milieu des ruines de la fonction auteur, en expérimentant, avec des protocoles de production collectifs, des processus de détournements et la mise en place de divers dispositifs pour le partage de la propriété intellectuelle et de la propriété privée. DEWAR et GICQUEL Daniel Dewar, né en 1976 à Forest Dean (Royaume Uni) Grégory Gicquel, né en 1975 à St Brieuc vivent et travaillent à Paris et en Bretagne Le Menuet 2012 Gif animé ; boucle de 3 secondes Collection lilloise Les films d animation de Dewar & Gicquel montrent d énormes tas d argile à des stades intermédiaires entre la motte informe et le nu masculin, en passant par la sculpture animalière. Les scènes photographiées dans des environnements campagnards, sous des éclairages différents, sont animées selon le procédé le plus simple qui existe, image par image. Il s agit de sculptures en terre crue qui ne subissent aucune cuisson et restent donc modifiables à l infini. Seule l image photographique leur donne une forme fixe. Cet aspect de leur travail n est pas sans rappeler le landart anglais des années 1980, où l intervention extrêmement physique de l artiste se trouve souvent réduite à une suite d images superbement agencée. Dans leurs films d animation, Dewar et Gicquel

15 réexaminent entre autres la relation entre l objet et sa représentation en essayant d évaluer la capacité de l image à restituer les trois dimensions. François LORIOT & Chantal MELIA Nés en 1947 vivent et travaillent à Clisson Le petit monde de l art 1994 Installation Collection B. Henry François Loriot et Chantal Mélia travaillent ensemble depuis plusieurs années. C est en 1992 qu un micro-événement allait servir de déclencheur à leur démarche artistique: «Le hasard a voulu que l on repère, ensemble, sur le mur, une très extraordinaire tache de lumière. Subjugués par le mystère de cette tâche, nous sommes restés un long moment à la décrypter. L énigme fut résolue lorsque l on vit le chat s étirer : il s était endormi en cachant une partie du miroir posé sur le lit encombré d objets divers. Le chat sauta, l image disparut, le mirage était fini.» Dans cette anecdote apparaissent les grands principes qui définissent leur processus créatif : le hasard, le regard sur le monde quotidien, les reflets, l illusion des images, la résolution de l énigme, le mouvement. Les Loriot-Mélia sont des manipulateurs espiègles, ingénieurs-poètes, créateurs de mirages Leurs oeuvres n existent que lorsque la lumière jaillit. C est souvent par un habile assemblage de miroirs ou d objets réfléchissants avec des bouts de carton, des petits jouets en plastique, des débris de vaisselle, des rebuts informes et des papiers de bonbons que les artistes font naître en découpant la lumière des objets immatériels. Olivier MASMONTEIL Né en 1973 à Romilly-sur-Seine Sans titre (paysage nu) 2012 huile sur toile Collection Françoise et Jean-Claude Quemin Olivier Masmonteil se consacre exclusivement à la peinture de paysage. Artiste globe-trotter, il réalise en 2012 son deuxième tour du monde en Asie et en Amérique du Sud. L artiste commente ainsi son travail : «Trop longtemps, l horizon me parut trop proche. Tout compte fait, c est une chimère, un leurre après lequel j ai couru pour finir par m apercevoir qu au-delà il n y avait rien, j ai cherché après et j y ai découvert un nouveau territoire : celui de la surface peinte. Ce nouvelle espace qui naît du désir de peindre, s accomplit dans le plaisir de peindre. Ainsi, rendue possible, la peinture se sert du paysage, transforme le sujet en outil et l outil en sujet. [ ] La possibilité de peindre ressemble à un voyage vers ces territoires inconnus. La toile vierge d un tableau est une surface sans profondeur et pourtant, il suffit de la crever d une tache de peinture pour que l espace et le temps viennent s y plonger. De ces quelques touches de peinture vont naître des lumières familières et des lieux inconnus, mais le vrai sujet ne se trouve pas ici. Il est ailleurs, dans les recoins de tout ce qui n a pu être nommé. Chaque peinture a un secret caché dans l évidence de ce qui est montré, comme un rond silencieux à la surface de l eau cache la chute d une pierre ou bien la présence d un poisson. Pour dévoiler ce secret il faudra laisser au temps la possibilité d agir, et peut être renoncer à un dernier voyage. De toute façon au-delà de l horizon il n y a rien sinon soi-même.» Laurent PERNOT Né en 1980 à Lons-le-Saunier Captivité 2012

16 Cage, néon, gravier noir Collection Gilles et Marie-Françoise Fuchs, Paris Diplômé en photographie et multimédia de l Université e Paris VIII puis du Fresnoy, Laurent Pernot poursuit depuis un parcours singulier ponctué de résidences et d expositions en France et à l étranger. En privilégiant toutes les formes d expressions, de la réalisation d installations à la production d images, Laurent Pernot expérimente des processus temporels, poétiques et immersifs. Ses productions s articulent de façon récurrente autour des notions de visible et d invisible, du temps et des égarements de la mémoire, en s inspirant de l imaginaire des sciences et de l histoire. L identité, la fragilité, l origine et les limites du vivant sont parmi ses thèmes de prédilection. L exploration du potentiel fictionnel des espaces d exposition et la relation au spectateur sont également déterminantes pour l artiste. Captivité souligne la difficulté dans notre société actuelle de laisser la nature libre d évoluer. La lune, symbole de rêverie, est aujourd hui soumise à la conquête spatiale et va bientôt devenir la «banlieue» de la Terre. Objet de convoitise, l astre a, dès lors, un peu perdu de sa magie et de son mystère. HEHE COLLECTIF Collectif créé en 1999 composé de Helen Evans, née en 1972 (Royaume-Uni), et de Heiko Hansen, né en 1970 (Allemagne), vivent et travaillent à Paris Toy emissions (My friends all drive Porsches) New york 2007, Vidéo, 3 min 08 Collection privée Cette étrange vidéo met en scène le modèle réduit d une Porsche Cayenne quelque peu en danger parmi les véhicules de taille réelle d une avenue new yorkaise. Celle-ci est téléguidée par les membres du collectif HeHe durant une performance urbaine réalisée lors d une résidence à l Eyebeam. «Notre première impression de New York a été le grondement incessant de la circulation et le spectacle quotidien des énormes véhicules 4x4, dont le spécimen le plus proéminent et le plus emblématique est la Porsche Cayenne», nous disent-ils. C est avec ce jeu sur les échelles qu ils décident de mettre en lumière la puissance de véhicules parmi les plus polluants dans cette ville où tout est possible. Le jouet des artistes est équipé de fumigènes colorés jaune, rose, vert, bleu ou violet, ce qui ne manque pas de surprendre les passants. Ainsi modifiée par les artistes, cette Porsche Cayenne a tout d une grande. François MORELLET Né en 1926 à Cholet vit et travaille à Cholet 2 trames strip-teasing (0-15 ) 2008 Acrylique sur toile sur bois collection Nomodos Depuis 1952, François Morellet utilise avec humour des règles mathématiques et des formules géométriques pour créer des oeuvres abstraites qui s inscrivent dans le courant de l art concret. Il invente des règles, parfois absurdes, et joue du hasard. L artiste, une fois qu il a arrêté une règle, se laisse guider, la réalisation étant la plus neutre possible, souvent confiée à un assistant. La trame est un des éléments mathématiques fondateur du travail de Morellet par son utilisation qui laisse de la place au hasard. Aucun élément n est donc privilégié dans la structure formelle : la toile pourrait se poursuivre à l infini. Les procédures de décisions qui président au tableau sont élaborées avec précision mais leurs applications sont aléatoires. Régie par des systèmes et des règles logiques, la géométrie abstraite de François Morellet refuse l arbitraire de la création inspirée et des épanchements de la subjectivité. À cheval entre Dada et l abstraction géométrique, l art de Morellet, s il peut facilement se décrire en donnant la règle qui a permis sa construction, reste cependant toujours lié à quelques décisions arbitraires : la couleur, l épaisseur du trait, le matériau employé, etc.

17 Latifa ECHAKHCH Née en 1974 à El Khnansa (Maroc), vit et travaille à Martigny (Suisse) Tambours 26, Encre indienne noire sur toile Groupe Élysées Monceau Née au Maroc, arrivée en France à l âge de 3 ans et vivant la plupart du temps en Suisse, Latifa Echakhch propose une oeuvre multi-référentielle, multidirectionnelle et protéiforme à l image de son parcours personnel, de ses voyages et de ses centres d intérêt. L artiste convoque à la fois la géographie, la notion de culture, les histoires personnelles ou collectives, et les replace au cœur d un débat social et politique. Latifa Echakhch a pour habitude de produire des œuvres installations en lien direct avec l espace dans lequel elle intervient. Présentée en 2003 au Musée d Art Contemporaine de Lyon, cette œuvre s inscrit dans la série des «Tambours». L artiste a fait s égoutter sur des toiles rondes de l encre noire. Suivant le temps d écoulement, le cercle noir et les tâches autour sont plus ou moins présents. Le regard du spectateur est happé par ce trou «noir» où à la fois le regard se perd et se confronte. Claude RUTAULT Né en 1941 aux Trois Moutiers vit et travaille à Vaucresson DM 145 légende 1985 Collection particulière Alors que les œuvres du collectionneur vieillissent avec lui, seule une définition/méthode de Claude Rutault se joue du temps. En 1973, celui-ci réalise sa première toile peinte de la même couleur que le mur sur laquelle elle est accrochée. Ainsi, les œuvres de Claude Rutault ne sont pas figées ; comme pour toutes les définitions/méthodes qui suivront, il suffit de les actualiser régulièrement, c est-à-dire de repeindre la toile en même temps que le mur, dans le respect de son énoncé. Elle aura ainsi toujours l éclat de sa jeunesse. Les d/m de Rutault ne sont pas des objets finis, elles affrontent l éternité par couches successives. Pour chaque définition/méthode, Claude Rutault émet un certain nombre de règles tenant compte de l environnement (une galerie, un musée, un particulier, etc.), du contexte (une exposition thématique, de groupe, une rétrospective, etc.) et met ainsi la peinture «en exposition». Ici, il y a non seulement une toile peinte de la même couleur que le mur mais le cartel est lui aussi une petite toile de la même couleur. L artiste souligne ainsi que, lors de la découverte d une œuvre, le visiteur regarde souvent autant l œuvre que le cartel qui lui apporte des informations et lui permet de comprendre l œuvre. Nicolas CHARDON Né en 1974 à Clamart, Le Troisième carré 2008 Acrylique sur tissu Collection Alain Le Provost La pratique picturale de Nicolas Chardon consiste à tendre sur un châssis un tissu à carreaux (madras, écossais, damier, vichy, etc..) et à se servir de cette trame pour en peindre la surface. Les formes alors délimitées - lignes, carrés, rectangles- donnent naissance à une géométrie souple. Si les références avec les pionniers de l abstraction sont clairement visibles, l artiste souhaite aller plus loin dans sa démarche artistique qu une simple citation. À y regarder de plus prés les carrés ne sont pas si carrés et les toiles semblent dans certaines œuvres se détendre afin d accentuer la déformation des figures géométriques. L œuvre Le Troisième carré associe plusieurs références à l histoire de l art en

18 s inspirant des retables (la forme des toiles et leur disposition) et des célèbres carrés de Malévitch (le motif et le titre). CLAIRE FONTAINE Artiste collective fondée en 2004 France (burnt/unburnt) 2011 Allumettes Collection Antoine de Galbert, Paris Après avoir tiré son nom d une marque populaire de cahiers pour écoliers, Claire Fontaine s est autodéclarée une «artiste ready-made» et a commencé à élaborer une version d art néo-conceptuel qui souvent ressemble au travail d autres artistes. Elle utilise le néon, la vidéo, la sculpture, la peinture et l écriture. Sa pratique peut être décrite comme un questionnement ouvert de l impuissance politique et de la crise de la singularité qui semble caractériser l art contemporain aujourd hui. Claire Fontaine se sert de sa fraîcheur et de sa jeunesse pour se transformer en singularité quelconque et en terroriste existentielle en quête d émancipation. Elle pousse au milieu des ruines de la fonction auteur, en expérimentant, avec des protocoles de production collectifs, des processus de détournements et la mise en place de divers dispositifs pour le partage de la propriété intellectuelle et de la propriété privée. Morgane TSCHIEMBER Née en 1976 à Brest Running bond 2007 Parpaings et mortier teinté Collection Raymond Azibert Après des études à l École d art de Quimper, Morgane Tschiember obtient le diplôme de l École nationale supérieure des beaux-arts en Lauréate du Prix Espace Paul Ricard en 2001, où elle travaille alors avec Olivier Mosset. Sculpter est, pour l artiste, le moyen d étudier la relation entre les objets et les lieux, en essayant toujours de mettre en valeur les deux et d offrir au visiteur une expérience artistique. Morgane Tchiember se considère comme une artiste «classique», travaillant sur les éléments fondamentaux de la sculpture tels que la forme, la couleur, la matière. «Chaque espace a ces spécificités et l œuvre comme le corps doit trouver sa place, son lien avec l environnement dans lequel il s inscrit. J ai présenté pour la première fois un mur de parpaings avec du liant rose à la Galerie Loevenbruck, dont j ai obturé la vitrine. Running bond prend un nouvel agencement en fonction du lieu dans lequel elle s inscrit. J ai décidé de modifier l environnement existant. [ ] Le mur lui-même fait partie de mes préoccupations, et renvoie à d autres de mes œuvres. D ailleurs, pour moi, le mur et la route sont liés, d abord physiquement, puis formellement. La route n est qu un mur tombé au sol. Travailler sur des murs et des routes, l une devenant d ailleurs l autre, est une autre façon de travailler avec l espace ; dans ces cas là, la pièce participe, elle-même, à la structuration de l espace.» Morgane Tschiember Évariste RICHER Né en 1969 à Montpellier Cumulonimbus capillatus incus dés à jouer Collection Daniel Bosser Posé à même le sol comme un siège, un cube constitué de milliers de dés multicolores attire le regard. Si la première impression est toute de rigueur et stabilité, on s aperçoit en se penchant que les dés sont

19 seulement posés les uns sur les autres, formant un édifice qu un geste maladroit pourrait faire valser. On ne s assied pas si facilement sur le hasard, surtout quand il s appelle Cumulonimbus capillatus incus, du nom de ce nuage dense et puissant qui s étale sur nos têtes déclenchant les foudres et la grêle. Du coup de dé au casse-tête mathématique, des avalanches aux phénomènes atmosphériques, des profondeurs insondables à la distance infinie des astres, Évariste Richer se confronte inlassablement à toutes sortes d énigmes et en explore les différentes facettes. Son œuvre s apparente à une forme d exploration scientifique et systématique de sujets, formes et matières. Carlos AIRES Né en 1974 à Malaga vit et travaille à Madrid Copla Couteaux de cuisine gravés au laser, aimant Collection famille Servais, Bruxelles La «copla» est une forme de chanson populaire andalouse, qui appartient au genre du flamenco. Elle se fait le reflet des passions humaines. Les paroles de ces chansons revêtent un caractère très dramatique. «L expression amour viscéral et son lien avec l amour sous sa forme la plus absolue m a toujours semblé étrange. Les viscères sont les entrailles des hommes, et la combinaison entre ce sentiment et cet organe apporte à l amour un caractère violent, douloureux et sanglant. Il faut savoir qu en Espagne les crimes passionnels font la une des journaux chaque semaine. La plupart du temps, le caractère passionnel de ces assassinats se traduit par l arme du crime, un couteau. Ces deux idées sont le moteur de l oeuvre Copla. Le titre fait aussi référence à un souvenir personnel : celui de ma mère et de ma grand-mère qui cuisinaient dans la maison familiale en chantant des coplas. Des paroles de chansons ont été gravées sur les lames de manière à ce que les couteaux restent utilisables. Ces chansons d amour célèbres acquièrent alors une nouvelle signification : How deep is your love, Take my breath away, Killing me softly, I ve got you under my skin J aime imaginer cette oeuvre dans une cuisine et que quelqu un s en serve pour préparer un gaspacho.» Carlos Aires Étienne BOSSUT Né en 1946 à Saint-Chamond Vit et travaille à Rennes Tiré à part 2009 Polyester Collection JMR, Paris Depuis la fin des années 1970, la technique du moulage, reformulée et déplacée, est au centre du travail artistique d Étienne Bossut. En effet, de simple processus de fabrication, la technique devient le support d une réflexion plus globale sur l art et la sculpture. Ainsi, des objets artistiquesou du quotidien sont moulés de manière artisanale en polyester coloré valises, bidons, voitures, bottes, skis, disques vinyles ou peintures monochromes, copies fidèles mais jamais tout à fait identiques à l original. En transformant des objets du quotidien en répliques, Étienne Bossut introduit le trouble et le doute dans le regard du spectateur et pose la question du statut de l objet et de sa représentation. Avant de réaliser ses moulages, Étienne Bossut dessine beaucoup. C est sa façon à lui de réfléchir, de tester les couleurs, les échelles, les assemblages. «Un " tiré-à-part ", nous précise le critique d art Didier Semin, dans le vocabulaire de l édition, est l impression surnuméraire d un seul article, inclus dans un ouvrage généralement volumineux, et dont l éditeur faisait don à l auteur. Chez Bossut, cela devient le moulage le tirage d une poêle à frire criblée de balles, une nature morte ; c est une Vanité contemporaine». Guillaume LEBLON Né en 1971 à Lille

20 Set of shelves 2007 Métal, verre Collection Daniel Bosser Guillaume Leblon réalise principalement des films et des installations d objets qui interrogent et transforment la perception de l espace. Ses sculptures se construisent à partir d objets de récupération, des éléments identifiables : étagères, meubles à papeterie, à pharmacie, qui servent à stocker et à classer. Il utilise des matériaux modestes, qui semblent marqués par l altération. «Le rapport de l oeuvre à son image a beaucoup existé dans mon travail. J empruntais souvent mes titres à des illustrations d architecture, afin de situer spatialement le spectateur par rapport à l objet regardé. Mais l architecture ne m intéresse pas en tant que telle. Elle m intéresse parce que j y habite. Les effets d échelle sont pour moi un moyen de jouer avec le corps du spectateur, qui a lui aussi une échelle définie dans l espace. Ce qui me paraît fondamental dans mon travail, c est la manière dont les objets interrogent le corps du spectateur, comment ils habitent l espace et quelles stratégies je déploie pour les faire exister dans des espaces donnés, à chaque fois différents.» Guillaume Leblon. Tatiana TROUVÉ Née en 1968 à Cosenza (Italie) Sans titre 2009 Métal, béton Collection lilloise Dans ses installations, Tatiana Trouvé décrit les frontières mentales et physiques où le temps, l espace et la mémoire se rencontrent. Sans titre est composé de moules cylindriques de ciment placés en bas d un mur avec leurs conduits de chauffage apparents. Ces «non-radiateurs», avec leurs tuyauteries convaincantes mais inutiles partant du sol jusqu au plafond, sont typiques des intérieurs éviscérés de Trouvé qui reflètent des espaces quotidiens et des endroits réels. Les «drames environnementaux» qui en découlent sont remplis de mélancolie mais restent hautement chargés en émotion, oscillant entre le réel, l imaginaire et le fantasmatique. Camille HENROT Née en 1978 à Paris Tevau Lance à incendie, bois, corde, métal Collection Jennifer et Adrien Fuchs D abord reconnu pour ses vidéos et films d animation qui mêlent dessin, musique et images cinématographiques, parfois grattées ou retravaillées, le travail de Camille Henrot brouille les catégories traditionnellement de l histoire de l art. Ses oeuvres récentes qui se déclinent sous forme de sculptures, dessins, photographies, et toujours films, traitent de la fascination exercée par l ailleurs et par l autre (géographique, mais aussi sexuel), fascination reprise dans les mythes populaires modernes (comme celui de King Kong ou de Frankenstein) dont s inspire Camille Henrot. Pour la série de sculptures Espèces menacées, par exemple, l artiste a créé des objets d inspiration africaine à partir de pièces de moteurs de voitures. Son travail questionne les résistances mentales et les résonances du passé, que celui-ci relève du mythe ou de la réalité. «Tevau» est le nom d un objet rituel mélanésien des Îles Santa Cruz symbolisant, dans sa fonction comme dans sa forme, l échange lors d une transaction importante telle que le mariage. Il est destiné à rétablir l équilibre. La pièce dessine la nature de la relation entre présent, passé et avenir : la forme du temps se présente comme continuum, ici une lance à incendie qui peut se dérouler dans les deux sens, mais pas sans torsion.

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